莫扎特钢琴作品的风格

关键词： 奥地利 维也纳 乐派 简介

莫扎特钢琴作品的风格（精选十篇）

莫扎特钢琴作品的风格 篇1

一、版本的选择

要在莫扎特音乐作品的弹奏中,把握其演奏风格,首先要选择好音乐曲谱的版本,首选能够反映莫扎特作品艺术特征的原版,维也纳原版或者哼勒新版都比较忠于莫扎特原作。1956年的Nathan Broder版,是根据最为可靠的第一首莫扎特手稿以及头版资料而编订的,在1960年时做过一些修改,虽然不能说每一个细节都是最准确的,但确实是基于莫扎特手记谱法之上的,并在括号中标注了演奏的提示,此版本中没有指法的标示。在G.Schirmer版与Carl Fischer版这两个版本中都作了很多的修订,并作出了很多指法标识。很多演奏者认为,Barenreiter版是演奏者们的首选,是在世界上权威的莫扎特版本Neue Mozart Ausgabe的基础上的版本。另外,还有Konamann版与Henle版本,都很不错。

二、触键方式以及音色

想要弹好莫扎特钢琴作品,必须要有正确的触键方式以及优美的音色,演奏者手指是否灵敏,是体现莫扎特钢琴音乐的重要因素。莫扎特的钢琴音乐作品细腻中带有纯洁空灵之感,清新中带有圆润与光泽,要弹奏出其钢琴作品的清脆音效,手指触键就必须要均匀、集中,并且要轻快、灵敏,手腕到手指要灵活。例如在弹奏调音的时候,要使手臂的力量自然掉落,胳膊放松,自动下落,要知道,莫扎特音乐的弹奏过程中,调音的表现就像拍皮球一样,手腕处要极富弹性,才能够体现音乐的活力感。

小连线奏法也是体现莫扎特演奏风格的重要因素。小小连线可以说是音乐的语气表现,在表现音乐内容方面非常重要,常常用来表现温婉、优雅的情愫,弹奏这类的音符,要求声音柔和,第一个音符落下时尾音的处理要将手腕轻轻带起。在莫扎特的音乐作品中,几乎每个小句子的最后一个音都不会显得过于长,这也从侧面体现出其开朗与欢乐的情绪。

三、旋律与歌唱性表现

旋律是所有音乐作品的灵魂,更是莫扎特钢琴音乐中最为重要的元素,在他的作品中,主旋律常常表现为简单且富有歌唱性。莫扎特音乐所有的重音表现都是圆的,因此弹奏时不能直接打上去。其作品中许多的音阶或琶音的快速跑动中都蕴含着旋律,貌似简单,实则内含着多种不同表现的内容,在弹奏过程中,不断是多么强的音符表现,都能表现的尖锐和生硬,要保持柔润与饱满的音色。

莫扎特钢琴音乐作品具有较强的歌唱性特点,在弹奏中带有韵律伴奏音型的地方都要表现的轻且透,指尖的力度要集中,体现明亮的旋律,和弦的声音要丰满富有歌唱性。即使是表现简单的乐句,都会有体现内心的音乐。

四、弹奏的速度与力度

钢琴弹奏的速度快慢要与音乐风格及表现内容相符合,这也是准确掌握莫扎特钢琴音乐风格的重点。在弹奏中,速度要平稳,不能忽快忽慢。莫扎特钢琴弹奏要保证速度的精细,以灵敏的反应的保证动作下速度的准确性。

在弹奏莫扎特的协奏曲,需要在乐章主题最后一次的表现时要有所变化,有时候要表现的比之前稍快稍显轻盈,最后结束时要达到一个高潮,有的时候,在最后的主题出现时的处理要稍微慢些,当然,最后怎样处理还是要看弹奏着的音乐修养,风格上必须既自由又有说服力,不能超出莫扎特的风格。莫扎特钢琴作品力度对比幅度是比较保守的,力度上避免过强、过弱,莫扎特音乐力度对比幅度不是很宽的,但莫扎特在一个p到一个f的强弱范围内变化是无穷的,他的渐强或渐弱不能弹得太突出,要一点一点的,如弹得太强,声音就会粗糙,如弹得太弱,又会没有声音。即使他的sf也不可超过圆滑的范畴。

五、和声与装饰音

相比较李斯特以及贝多芬的和声,莫扎特的钢琴音乐做显得比较简单,其音乐的和声语言简洁、优美,又极富有和谐之感,表现出莫扎特音乐的典雅风格。莫扎特的钢琴音乐看似简单,实际内涵丰富的表现内容,要从音乐本身的内容里去理解,尤其要从和声里去理解,和声往往是很重要的因素。在弹奏莫扎特的音乐作品时,不一定要将音符弹奏的特别响,但是一定要表现出意味深长,并在换和声的时候要有透气之感。莫扎特习惯于降E大调,就像寒冬中一抹暖阳,体现出一种清新明朗的色彩。

装饰音丰富了莫扎特的钢琴音乐,对于其风格的形成有着很大的作用。在莫扎特自身的生活中就偏爱华丽的服饰,这一点也反映到了他的音乐创作中,在其钢琴音乐作品中,常常有较为华丽的装饰色彩,在弹奏过程中,注意手指要轻巧且清楚。

在演奏莫扎特的钢琴作品时,不要过于注重每个乐句的细节化处理,要着眼于整篇乐章,主要调性、段落的速度、强弱以及音色的对比上,才能够更好把握其音乐弹奏的风格,感受作品中饱含的内容与新意。演奏者要保持理性又要感情丰富充沛,准确掌握音乐中丰富的表情,让听者在欣赏过程中感受到莫扎特钢琴音乐作品的整体魅力。

摘要：莫扎特的钢琴作品在世界钢琴艺术史册上占有着非常重要的地位置。莫扎特的音乐明朗流畅,古典中给人以清新、纤细、纯真之感。要弹奏好他的作品,必须要具备一定的弹奏技巧,才能够准确完美的表现其音乐作品的艺术风格特色。

关键词：莫扎特,钢琴作品,演奏风格

参考文献

[1]马雪竹.走进莫扎特——学习研究莫扎特钢琴作品演奏风格的体会.[J].音乐创作.2011(06)

[2]樊禾心.《钢琴教学论》.[M]上海音乐出版社.2007.

莫扎特钢琴作品的风格及演奏 篇2

关键词：莫扎特 奏鸣曲 风格特征

莫扎特除了是奥地利的一位非常有名的作曲家外，还是维也纳古典音乐的第二位大师。虽然莫扎特仅仅只活到36岁便去世了，但他给后世留下了数量巨大的音乐财富，这些作品主要有交响曲、钢琴奏鸣曲、小提琴奏鸣曲、歌剧、各种乐器协奏曲等，几乎包含了全部的音乐类型。他的作品中最主要的是钢琴作品，主要又包括钢琴奏鸣曲以及钢琴协奏曲等。

一、莫扎特的钢琴作品风格

风格一般是独特的，是对作曲家个人的思想个性的一种表现。每个钢琴作品都是对作曲家们自身经历过的事情以及情感的反映，它与作曲家们对待人生的态度、个人素养等都是息息相关的。

莫扎特的钢琴作品风格主要是精致、典雅、细腻、纤巧。他在歌剧当中对旋律的把握让人惊叹，而这种天分同样被他运用到了钢琴音乐中，例如钢琴音乐中的模板曲调婉转悠扬，就与歌剧中的咏叹调有异曲同工之处。

1.快乐的，充满爱心的

很多时候，对于莫扎特的音乐我们只听几句便可分辨出来，这是因为他的所有音乐中都包含的那种独特的欢乐的音调。莫扎特总是努力地将欢乐通过音乐传递给大家。还有他那丰富多彩的创作手法，也将几百年来的人们完全征服。

在莫扎特的一生中，最大的快乐便是创作。他拥有着非常旺盛的创作热情，创作对于他来说是得心应手的，就好像他生来就是为了创作一样。与另一位著名的钢琴家贝多芬相比，莫扎特是快乐的，他作曲永远都是随性而作，没有任何苦恼，这并不能说他不用功，而是因为创作对于他来说是非常容易的，根本就不需要耗费太大精力，让自己疲惫不堪。

莫扎特是一个比较平静而且极其敏感的人，而且具有非常强的意志力。他的创造必然能够更加客观地将其人生表现出来。那些热情的人在精神上面总是显得非常的迫切，不管做什么事情都想要将自己完全地放入其中，就像贝多芬的作品当中，到处都是贝多芬的影子。可是莫扎特就不一样，他天生就可以抓住心灵当中的那些微妙的变化，然后将其在他的作品当中表现出来。

2.旋律与调性

在莫扎特的音乐当中，旋律与调性这两大要素有着非常充分的体现。在18世纪，人们广泛地追求透亮的声音，而莫扎特的音乐刚好就是拥有水晶般透明的音色。但是，如果只有音色没有旋律，那么音乐也便像失去了灵魂一样。因此，莫扎特还牢牢地抓住了旋律这一要素。在每个钢琴音乐的作品当中，都能够将旋律比作是湖面上飘荡着的波纹。

对于调性，莫扎特认为其实有一定色彩的。在他的钢琴作品当中，他使用不一样的调性将不一样的色彩描绘出来。而且在莫扎特的音乐当中，尤其是在他的钢琴协奏曲中，他也使用不同的调性表示出了不同的哭泣声。

3.复调与主调的融合

音乐的结构有两种最主要的类型，分别是音乐的主调与复调。它们各自在不同的历史时期占统治地位。莫扎特的音乐作品中大多是以主调为主的。在莫扎特的那个时期，音乐的类型出现了很大的变化，从单纯的复调变为了复调与主调的融合。当然这种融合并不是两种音调的互相渗透，而是这两种类型的真正交融在一起，但是却还保留着各自的独立性。这些作品虽然主要是运用的主调音乐，但也有复调音乐的掺杂，并且复调音乐还是独立存在的。

4.强大的融汇创造力

如果想要将莫扎特的音乐作品好好地把握住，就必须要将它的所有的创作都联系起来，因为他拥有非常强大的融汇创造力。莫扎特在很小的时候便跟随着父亲到欧洲各地演出，使他了解了每一个地方的音乐风情以及体裁风格，而这些淳朴的音乐为他以后的音乐创作增加了很多新鲜血液。他将原始的音乐旋律进行加工与创新，从而形成了他所独有的语言，也就是他那欢快、典雅、明丽、纤巧的音乐风格，这些风格给后世的钢琴家们带来了非常大的影响。

5.流畅性

莫扎特的音乐还有一个非常重要的特点，便是他那无比流畅的表现方式。他的全部音乐都有一定的精神与感情的深度，都能够看作是一种完美的艺术的表现或是一种自然流露出来的旋律。

6.歌剧性与交响性

在莫扎特的所有的创作中，歌剧占据了最重要的地位，在剧中，每一个不同的人物角色都有不同的唱风，并且也都拥有自己鲜明的个性。而且，在莫扎特的钢琴作品当中，也能够经常看到歌剧似的手法，尤其是在他的钢琴协奏曲中，拥有更加明显的歌剧因素。与此同时，莫扎特还是一位知名的交响乐大师，他的钢琴音乐同样掺杂了交响乐队中丰富的音色与音响。

二、 莫扎特钢琴音乐的演奏要点

对于莫扎特的钢琴音乐，如今有很多经过几年苦练的人都能够弹奏的出来，但是，他的作品表面上看来虽然是平淡无奇，却是很难处理的。他的钢琴协奏曲的有一些地方可以让弹奏的人弹出一身汗来。尽管他的作品外表看上去十分朴素。但是精华却富含其中，因此一定要好好地咀嚼。

1.均衡感与分寸感

莫扎特的音乐与其他音乐相比较，更加重视演奏上的均衡感以及分寸感。他的作品表面上看虽然没有很深的技巧，但是确是最难演奏的音乐之一。他的钢琴音乐都是没有标题的，所以对于音乐的内涵不太好把握，只能尽可能用心地去感受，按照音乐演奏与技术方面的指示去不断的练习，才能够让演奏变得更加的完美。在练习的过程中，应该要比较多地用中等速度进行弹奏，这样能够养成自然良性的动作，因为这种音乐要相对比较平稳点。

2.有节制

莫扎特的音乐和其他作曲家的作品相比较总是显得高雅华贵而且恰如其分，看起来并不是特别的雄伟厚重。在他的所有钢琴作品当中，都不会使用很过量的力度，即使是强也会有所节制，适可而止，即使是弱也不会显得暗淡无光。

3.适度的速度

在演奏莫扎特的作品的时候，应该要在演奏的整个过程中都使用稳定的、相同的、均匀的速度，而不能一会儿快一会儿慢，应该要保持统一的速度。总而言之，演奏速度的快慢应该要适中，要符合音色的全部内容以及整体风格，如果速度的转换不合理，将会对莫扎特的音色造成很大的影响。

4.关于踏板的使用

在演奏的过程中运用踏板主要是为了让钢琴作品拥有更丰富的情感以及更独特的风格，从而产生更加显著的效果。莫扎特的音响本身是很纯净的，因此应该尽量少地使用踏板，就算是使用也应该要踩的浅一点。尤其是在演奏分解和弦的时候一定不能将踏板踩满，因为如果踩得太满会和声显得很模糊。

5.自然

演奏家在演奏的时候不但要显得自然，还应该将身体语言和音乐很好的统一起来。要想演奏莫扎特，必须要经过很长时间的训练，并且拥有强大的毅力。而且在演奏一个音乐家的作品的时候还需要对那个音乐家的音乐有感情，这一点也是非常重要的。莫扎特的音乐技巧并不是特别复杂，但是他的音乐却是特别敏感而且极难把握的。他的音乐最基本的东西便是“自然”，这也是他的作品中最宝贵的地方。这种风格有着一种很大的魔力，能够吸引人的注意，但是也很容易变得俗气。

莫扎特倾向于使用音乐来对人性进行赞美，以及通过音乐来追求幸福与光明，所以欢快便成了他的音乐的主调。演奏者在表演他的作品的时候必须要保持一颗纯洁的心灵，这样才能保证艺术的纯洁性。

6.把握钢琴协奏曲中的“歌剧因素”

在莫扎特的一生中，最伟大的贡献便是他所创作的歌剧。而且他将歌剧当中的一些音乐特点运用到了纯器乐的形式中，让其重新得到了发展。他的钢琴协奏曲中也富含很明显的歌剧因素，主要包括以下几个方面：歌唱性、表情性、戏剧性以及交响性。将这些因素把握好后，便可以更加全面、更加准确地了解莫扎特的钢琴音乐的整体风格，从而更好地将莫扎特的钢琴音乐演奏出来。莫扎特并不是一个单纯的钢琴作曲家，他的作品包含有音乐体裁的每一个领域，经典的作品随处可见。

结语

在莫扎特的那个时代，他的钢琴奏鸣曲在精神与魅力这两方面已经在很大程度上超过了当时的局限。如今，全世界的钢琴家们都会弹奏莫扎特的钢琴曲，这已经成为了一种潮流。一直以来，所有的钢琴家们都在努力地挖掘莫扎特的作品当中所富有的内涵。之所以莫扎特的钢琴奏鸣曲受到广泛的关注，是因为他的所有作品不管是在力度方面有着很大的变化，还是歌唱性的传达情感方面，抑或是在演奏的技巧性方面，都值得我们好好的揣摩。因为唯有深入地挖掘莫扎特的钢琴鸣奏曲的音乐自身，深切地体会音乐的内涵，并且将每一个音符所代表的涵义都领悟透彻，才能够正确地理解其作品。

参考文献：

[1]杨小影.影响莫扎特钢琴作品触键风格的诸多因素[J].音乐生活，2013（7）.

[2]陈泱泱.许忠及其“莫扎特钢琴作品”演奏风格特征[D].武汉音乐学院，2009.

[3]张艳.论莫扎特钢琴奏鸣曲音乐风格及形成[D].东北师范大学，2009.

[4]俞坚立.浅析莫扎特钢琴作品风格的形成与影响从二十七首钢琴协奏曲看莫扎特自我意识的发展[J].大众文艺（理论），2009，10：50-51.

[5]林薇薇.浅析莫扎特钢琴作品的风格与形成路径[J].名作欣赏，2010（36）.

[6]石丹.浅谈莫扎特钢琴奏鸣曲的演奏风格[J].黑龙江科技信息，2009（10）.

[7]马雪竹.走进莫扎特学习研究莫扎特钢琴作品演奏风格的体会[J].音乐创作，2011（6）.

莫扎特钢琴作品的风格 篇3

沃尔夫冈·阿玛迪乌斯·莫扎特, Wolfgang Amadeus Mozart (1756～1791) 奥地利作曲家, 维也纳古典乐派的代表人物。1756年1月27日生于奥地利萨尔茨堡, 1791年12月5日逝世于维也纳, 享年35岁。

莫扎特的父亲利奥波德是一个宫廷乐师, 也是唱诗班的指挥。利奥波德在孩子音乐教育上下足了工夫, 也是一大关键。据说莫扎特三岁时, 就已经能在琴上弹出旋律来了。为了使小莫扎特能快速成长, 他父亲竭尽心血, 精心栽培。对儿子的学习与训练极为严格, 除了复杂的音乐理论与演奏技能外, 还有拉丁文、法文、意大利文、英文以及文学和历史等等。正因为认识到小莫扎特惊人而早熟的音乐天赋, 利奥波德决定把小莫扎特推上音乐的舞台, 让人们惊艳于他不凡的才华。从1762年起, 在父亲的带领下, 6岁的莫扎特和10岁的姐姐安娜开始了漫游整个欧洲大陆的旅行演出。他们到过慕尼黑、法兰克福、波恩、维也纳、巴黎、伦敦、米兰、波隆那、佛罗伦萨、那不勒斯、罗马、阿姆斯特丹等许多地方, 所到之处都引起了巨大的轰动。在奥地利国都维也纳, 他们被皇帝请进王宫进行表演。在鲜花、掌声和欢呼的背后, 是艰苦的练习、苛刻的条件和可怕的考验。为了金钱与荣誉, 列奥波尔德要求小莫扎特无论旅途多么劳累, 要随时都可以当众演。为了宣扬儿子的天才, 他让孩子必须能够听从突如奇来甚至异想天开的种种刁难性提议。在欧洲音乐史的源远长河中, 从小就显示出音乐才干的人并不罕见。可像莫扎特那样早熟的奇才, 能在那么小的年龄便被公认为“神童”的音乐家, 确是再难找寻。他3岁就能在钢琴上弹奏许多他所听到过的乐曲片断, 5岁就能准确无误地辨明出任何乐器上演奏出的单音、双音、和弦的音名, 甚至可以轻易地说出杯子、铃铛等器皿碰撞时所发出的音高, 如此过硬的绝对音准是绝大多数职业乐师一生都达不到的。

(二) 莫扎特钢琴作品的风格

莫扎特的钢琴音乐以优美, 流畅, 明朗, 乐观为主要特征。莫扎特在歌剧中表现的非凡旋律天才, 也充分显示在钢琴音乐中, 如钢琴乐曲中不仅慢板主题气息宽广、悠扬婉转, 恰似歌剧中的咏叹调, 甚至那些轻捷绮丽的华彩经过句, 也都是发自心底的歌唱。莫扎特钢琴演奏风格, 以典雅, 精致, 纤巧, 细腻而著称于世。莫扎特创造性继承、发展了阿尔贝梯低音写作手法, 增强了低音的旋律性, 既吸取了法国库伯兰古钢琴音乐中装饰音的典雅趣味, 又大大地改变了装饰音的形式, 使装饰音不再仅仅起装饰音作用, 而成为旋律的组成部分。这种新的钢琴语汇创造, 不仅形成了莫扎特钢琴音乐所特有的纤巧优雅的风格, 而且对19世纪波兰钢琴家肖邦也有很大影响。

莫扎特的作品是温暖、开朗、热情、乐观的, 常常被称为阳光般的音乐。一般作曲家的音乐, 热烈起来比任何人都热情, 伤感起来比任何人都哀伤, 然而, 莫扎特能把这些平衡起来, 永远使人有美感, 就象中国古代美学中所谓“哀而不怨, 乐而不淫”。莫扎特的每一首钢琴作品里面都有许多角色, 每个角色都有其重要性, 但又在一个统一的整体里达到平衡。在莫扎特的钢琴音乐里, 你不仅能感觉到它的典雅, 而且它还深刻地表达了丰富的感情。莫扎特的钢琴音乐作品的风格和他的人生际遇是相反的。他的生活中只有痛苦, 但他的钢琴音乐作品却长带给人们欢乐, 使人感到宁静、清澈于纯洁。他从不把艺术作为倾吐心腹的对象, 在他的音乐中只表达了他长期的耐性和天使般的温柔。他的作品不像他的生活, 而像他的灵魂。莫扎特的灵魂仿佛更本就不知道他的痛苦;他永远纯洁, 永远平静的心灵的高峰, 照临在他的痛苦之上。丹纳说得好:“莫扎特的本性是爱好完全的美!这种美只有在上帝身上才有, 只有在上帝身上我们才能找到。”

所以我们学习演奏莫扎特的钢琴奏鸣曲必须对莫扎特的独有的“欢乐”在心中引起共鸣, 不以大悲大喜而夸张地演奏。

(三) 莫扎特音乐的影响

莫扎特在旋律创意方面非常精巧清晰使他广泛扬名于大大小小的听众圈子。在对位组合、乐章结构、对位应用、和声转调和调性色彩等方面的卓越艺术技巧使他赢得了如海顿和内弗那样的专家和职业音乐家的赞誉。他作品中不可理喻的非理性元素, 那种“阴暗”的感情内容曾经激怒了不少同时代人, 而其技术困难则令很多人望而生畏。而他风格的复合本性, 却在浪漫主义者的灵魂中激起了共鸣, 使他们把莫扎特当作自己渴望而无可企及的偶像, 莫扎特的世界声誉也正是在浪漫主义的时代奠定了基础。

首先引起我们注意的, 是他那种不可思议的精神健康, 尤其是相比较他受着病魔侵蚀的身体, 他精神的健康就更惊讶了。精神健康在于他所有的机能都得到平衡, 一个样样都能感受, 样样都能控制的灵魂;一种镇静的、甚至心里有着最深刻的感情的时候令人觉得非常的理智, 那是一种目光犀利的聪明, 能把握群众的趣味, 懂得怎样获得成功, 懂得一方面保持自己骄傲的天性, 另一方面用天性去适应社会, 征服社会的聪明。所谓各种机能的平衡, 就是这些因素的平衡。这种精神健康, 一般性情很热烈的人是不太可能会有的, 因为热烈必然是某种情感到了过分的程度。所以莫扎特具备所有的感情而唯独没有激烈的感情, ——除了骄傲;这是个可怕的例外, 但骄傲的确是他天性中极强烈的情绪。在莫扎特身上, 处处都体现出典型的艺术家天性。他是个热爱生活、充满诗意、富于感情的人。他认为穷人最讲信义, “世界上只有穷人才是最好、最真实的朋友, 有钱人完全不懂得什么叫友谊”。他天真、单纯, 总是兴高采烈, 易受感动, 爱掉眼泪, 具有女性般的柔情。他童心不泯, 像孩子一样充满了好奇, 似乎永远都长不大。

莫扎特精神上遭受的苦难并不比海顿少, 他勇敢反抗, 宁愿贫困而不能忍受大主教的侮辱, 但在他的音乐中, 那充满阳光和青春活力的欢乐背后, 往往还是可以感觉得到一种痛苦、忧郁和伤感的情绪。这一点不同于贝多芬:他不但愤怒地反对封建制度的专制, 而且用他的音乐号召人们为自由和幸福而斗争。莫扎特的音乐典雅秀丽, 如同珍珠一样玲珑剔透, 又似阳光一般热情温暖, 洋溢着青春的生命力。由于他的音乐平易近人, 作品结构清晰严谨, “因而使乐思最复杂的创作也看不出斧凿的痕迹, 这种容易使人误解的简朴是真正隐藏了艺术的艺术”。

(四) 莫扎特的27首钢琴协奏曲与其自我意识的发展

说到莫扎特代表性的作品, 就不得不说到他的27首钢琴协奏曲。从少年时代起他就是一位钢琴家。他谙熟钢琴, 他与众不同的天才就在于他能充分领悟到各种乐器的音色。不论是钢琴小提琴还是木管铜管乐器, 他都有着独特的敏感和洞察力。莫扎特为了使旋律结构丰富, 手中仅有钢琴小提琴是不够的, 他还要将木管的柔和与铜管的铿锵一块加进来, 为的是让音乐更广阔, 更深沉, 从而造就出“悲风四边来, 断肠白杨声”的美学境界。他的27首钢琴协奏曲是一个前后相续的序列;是一个充满戏剧性的过程。

1765年, 9岁的莫扎特将约翰·克里斯蒂安·巴赫的三首键盘乐奏鸣曲改编成了协奏曲, 从此他开始了立志于创作钢琴协奏曲。11岁那年他又将前辈的一些乐章改编成了四首钢琴协奏曲, 即作品37, 39, 40, 41号。这四首钢琴协奏曲中, 还看不出莫扎特自己的独特个性。但是他的胆子和志气是值得赞赏的。其中第一钢琴协奏曲的行板也是唯一没有取材于他人的乐章, 也是莫扎特用钢琴和管弦乐同世界对话的一次大胆尝试。在莫扎特20岁时写下的《降B大调第六钢琴协奏曲》。三个乐章都以宁静的氛围来结束, 这标志着莫扎特的成熟, 这样的年纪进入这种超然心境是非常不容易的。20岁的他已经功成名就, 在欧洲乐坛非常显赫。《第六钢琴协奏曲》就是这时莫扎特内向性格的表露, 在表面上, 这年莫扎特过的很平静, 但在他灵魂深处却有某种无以言说的精神危机。第一, 初恋的困惑, 苦闷和压抑。第二, 同父亲严加管教的冲突, 第三, 同贵族上流社会开始发生冲突。正是这些内心的阅历使莫扎特比别人提早进入不惑人生的阶段。《F大调第十一钢琴协奏曲》和《A大调第十二钢琴协奏曲》《C大调第十三钢琴协奏曲》, 这三部作品都是创作于1782年的, 这时莫扎特26岁。《第十一钢琴协奏曲》十分高贵、典雅、优美。那种恬静、安宁的气息正是作曲家不惑的标志。独奏钢琴声部的进入都令人激动不已, 我们仿佛看到了作曲家的“不动心”。而《第十二钢琴协奏曲》是三首中最杰出也是最常演奏的一首。他充满了春天的明媚和亮丽, 正是这一年莫扎特结了婚;他为这个作品的三个乐章都写了华彩乐段。

在莫扎特35岁时创作的《降B大调第二十七钢琴协奏曲》中, 可以发现莫扎特的巨大转变, 那就是对生的默念和对死的沉思。在谱写到最后这首钢琴协奏曲的时候, 内心感到有一种来自“精神王国”的庄严力量和审美力量在召唤。引导着莫扎特前进。钢琴是莫扎特精神向前运动的起点, 远点, 也是他的终点, 而《第二十七钢琴协奏曲》正是这个终点。终点又回到了起点。不是原封不动的回到原处, 而是螺旋式上升的, 高层次的, 内涵丰富的回归。在他逝世的1791年年初, 他又回过头来写钢琴协奏曲, 这首协奏曲是和《魔笛》同时创作的。可以说莫扎特的一生与钢琴共生死。他一生赋予这个体裁的内涵和精神财富是没有人能与之匹敌的, 他的伟大成就之一就是先让钢琴奏出主要主题, 然后由乐队以丰富的配器加以重复、应和。主要主题的性格是庄严、崇高、宁静。这就是莫扎特式的崇高, 他预示了贝多芬式的崇高的来到, 预示了贝多芬“英雄”形象即将崛起。如果我们懂得“英雄”的广义形象, 那么莫扎特式的崇高便不难把握。任何一位钢琴家只要用心将27首钢琴协奏曲弹奏一遍, 便能大致看出莫扎特一生心路历程的序列和轨迹。

(五) 总结

即使在今天, 莫扎特的风格仍未获得更精确、更全面的定义。Wyzewa和St.-Foix写了一本关于莫扎特很好的书, 然而我们从中获得的最有价值的结论仍然更多地局限于他的外部风格与其他大师的比较, 而较少地尝试直接诠释风格自身的本质。Abert在论莫扎特的两卷著作的最后写道:“现在确实应该续写一本第三卷:关于莫扎特的风格。”就莫扎特的作品对他的时代以及对后代所产生的影响而言, 如果有人试图确定其范围和本性, 就必须着手确定莫扎特的风格中有别于其他大师的特殊品质, 并尝试从这些特殊品质出发推演出莫扎特的影响中的特殊本性。

参考文献

[1]《莫扎特之魂》赵鑫珊周玉明著.

[2]《西方音乐史》余志刚著.

[3]《钢琴演奏之道》赵晓生著

[4]《西方音乐通史》于润洋著

莫扎特钢琴作品的风格 篇4

关键词：莫扎特 演奏风格 作品分析 演奏技巧

初听莫扎特的作品，只感受到他的明朗和欢快，到处阳光明媚，等到我们渐渐成熟了，才能察觉出阳光背后的几朵永恒的乌云。《A大调钢琴奏鸣曲》很好地表现了这一点。这部独特风格的作品充满着诗歌般的动人旋律，具有不凡的独创性和想象力，透过清澈的音乐语言，让我们看到了莫扎特身上高贵的单纯和静默的伟大，也传递给我们一种无法言喻的伤感。因此，如何忠实地再现这部作品的原貌，怎样演绎莫扎特的钢琴奏鸣曲，是摆在每一个专业演奏者面前亟待解决的问题。

一、莫扎特奏鸣曲的创作背景

《A大调钢琴奏鸣曲》（K.331）是莫扎特中期奏鸣曲作品中的一部。1778年，莫扎特顺从父亲的意愿——暂别曼海姆热情挽留的音乐家和让他初次心动的姑娘阿洛西娅，和母亲来到巴黎。这个娱乐大都市喧杂轻浮的贵族们根本受不了静静地专注的欣赏莫扎特的作品，这让他感到气愤和羞辱。但为了生存，他不得不去做自己不喜欢的事情。然而他们的生活并没有什么转机，甚至连回家的路费都不够。终于母亲病倒了，再也没有起来。莫扎特绝望了，他想不通为什么在这样一个光鲜亮丽的世界寻不到自己的位置，他不明白在这样一个浮华的城市，因为他与众不同的个性，他的音乐才华几乎无人问津。1788年，《A大调钢琴奏鸣曲》（K.331）面世。这部作品凄然动人，是这段时期莫扎特内心世界的真实写照——失去母亲的痛苦、怀才不遇的激愤、父亲的冷嘲热讽，再加上初恋的无疾而終，让莫扎特对这个世界失望到了极点。音乐中对世界美好事物的赞颂显得是那么的讽刺和无奈，对命运和现实的不公显得那么的苍白无力，在明朗、自然地音乐语言下，隐含了莫扎特心中不能言说的痛苦，丰富的旋律结构同时也反映了他融合、消化不同音乐风格的能力。

二、莫扎特《A大调钢琴奏鸣曲》的曲式分析和演奏风格

莫扎特《A大调钢琴奏鸣曲》（K.331）有三个乐章。第一乐章是由主题和六个变奏曲组成的变奏套曲。六个变奏曲在旋律、和声以及结构上与主题大体一致，只是引申发展了许多带有动力性的对比因素，从不同角度解释和深化了主题。

主题是具有法国民谣色彩的再现二段式，6/8节拍，A大调，行板，简单、优美，有很强的歌唱性。在主题的4乐句中，第一乐句有4个小节，前半句由附点八分音符展开，旋律平稳级进，演奏时应避免出现强而亮的音色，后半句演奏时力度逐渐加深，在右手推一个小高潮，即为半终止，收住。第二句同第一乐句，前半句开始时皆是带弧线的连奏，演奏时手指应和缓的触键，扎实的抓取弱位的音，不要因为音的时值短而松掉，弹完后要在琴键上保持一下以求完整饱满的音响效果，后半句即为完满终止，不仅力度逐渐加深，完成最后的高潮，而且要有明显的结束感。第三乐句也有4个小节构成，前半句演奏时音符好像羽毛在天空中漂浮一般，轻盈、剔透，后半句强弱变化明显，有停顿感。第四乐句作为结束句，多加了两个小节作为整个主题的补充，演奏时力度加强，和弦音扎实稳重的触键，以推上高潮，主题结束。

变奏一是以右手的十六分音符动态为中心的舞蹈性较强的变奏曲，弧线与弧线之间要有自如的呼吸，休止的时值要满，弹奏动作尽量小而且连贯，以保持音的轻巧。第一、二乐句左手同音八度反复，演奏时要突出低音，可小幅度挥动小指然后将其余的八度音带出来，同音换指时力度速度都要平均，干净利落。第三乐句后半句强弱变化与常规不同，演奏时连音部分轻盈，一带而过，跳音部分力度平均，指尖深推进琴键，做出对比。第四乐句补充终止处演奏时双手力度、速度均加深，节奏感加强，手指在键盘上垂直落下，手腕带动力量的产生，音色明亮、干净，推向高潮后收住。

变奏二在左手三连音的伴奏下，右手在主题旋律的基础上加以跳音和颤音的变化，而且左右手作三连音的交替变化。演奏时左手的三连音力求贴键连奏的柔和音质，出现低音和装饰性倚音时要触键清晰、优雅，保持旋律节奏的平衡，避免对比过于明显而一长一短或一强一弱。右手的颤音演奏时要自然的融入旋律中，触键轻巧透明，没有丝毫的不和谐。

变奏三转到a和声小调上，左右手都由密集连续的十六分音符来表现抒情略带忧伤的旋律。演奏时手指贴键，手指的力量集中于指尖，用臂和手腕带动手指运力，注意保持连贯和均匀。第二乐句的连奏八度音要按照谱子上标注的指法，每两个八度音交替时拇指离键，保留另一音，然后由拇指向左或向右弹下一个音，每一拍的弹性节奏内可进行手臂、手腕的呼吸和休息，以保持八度音的连续不断。

变奏四再次回到A大调，以十六分音符节奏为主的三度音程和单音的交替。主要特点是左手穿越右手在高音部演奏，主旋律交织于高低音区的轮换之中。演奏低音部的八度音时要触键扎实稳健，演奏高音部时要明亮辉煌，手腕放松，力量适中，保持旋律节奏的平稳。

变奏五速度转为慢板，左右手均出现三十二分音符的节奏型。跳音显得更加短促、富有弹性。第一乐句左手的分解和弦演奏时要注意到隐藏的曲调音，手指连奏时大指力度收住，运指独立清爽，有种甜润的感觉。第二乐句右手的跳音在演奏时，手指要稳住力度快速触键，手腕、手臂是放松的，左手的同音反复要演奏得干净利落，在换指时要保持速度力度的稳定，触键肯定，有活力。右手出现音阶旋律，弹奏时注意归顺指法，提前预见琴谱，加强击键的准确性和自如感。

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变奏六是全乐章的高潮，用4/4拍的快板，使音乐具有更为轻巧、明快和热情的气质。最后8个小节的补充部分是整个变奏曲真正的Coda，增强了终止感。跳音、倚音、休止、滑音的出现使乐曲更加飘逸敏捷，这就要求弹奏时手腕、手肘、手臂要充分放松，手指触键时离开琴键的高度保持一致，力度集中于指尖，要求颗粒性强。最后的和弦演奏时要有指尖扎入琴键里的感觉，稳定有终止感。

第二乐章是一首歌谣般自由的规模相当大的小步舞曲，3/4节拍，主部是开始的48个小节，A大调，中部转入D大调直至结束。其间出现左右手的交替和齐奏，在演奏时手指的触键要随旋律的进行而改变触键方式和音色的处理，手指灵敏，整体上把握温和、干净的音色，略有沉思的感觉，让复调的两个声部都听上去有清晰的轮廓。

第三乐章是3/4拍子的小快板，进行曲式，具有浓郁的土耳其风格。由三个音乐形象鲜明的主题组成，分别在a小调、A大调、升f小调上交替出现。乐章一开始就呈现动力感十足的进行曲节奏，右手的重音加上倚音使乐曲更加清脆、干净，虽然写在a小调上，却透出明亮、轻快的特质。第二个主题出现在A大调上，由八度音奏出的旋律模仿嘹亮的军号吹奏胜利凯歌，演奏时手腕要放松，带动手指左右跑动，力量集中于指尖，触键坚实有力，左手的装饰性琶音在弹奏时要平均着力，每个音都要饱满有张力，速度控制好。第三主题出现连续的十六分音符旋律，演奏时手指触键要非常流畅有弹性，指尖的力度要扎到底，通过放松的手腕带动手指走音。力度的强弱变化随音阶的上行或下行来调整。尾声由第二主题的材料引申而来，情绪更加激昂，节奏感强烈的军号声、军鼓声充斥在辉煌的气氛中，乐曲结束。無论是琶音、跳音、倚音还是八度音，都要适当释放手指的力量，指尖的感觉是扎实、沉稳的，与此同时还要保持旋律的连贯圆滑，最后收在双手齐奏的大和弦上，停顿感和终止感要增强，全曲结束。

三、结语

莫扎特的钢琴奏鸣曲音乐是敏感的，无论是简朴如信手拈来的旋律，还是华丽、玲珑剔透的织体，无论是自然清新的风格，还是旷达、幽怨的的内涵。演奏他的作品，跟随他的乐思，每一次都能有新的理解和体会。他内心的寂寞无助、挣扎、痛苦、哀伤掩藏在明快、欢乐、轻巧的音乐面具之下，可见，莫扎特是第一位对人的情感、心理和性格特征进行深度刻画的作曲家，这种创作方法对以后浪漫主义时期的音乐家产生了深远的影响，这也是莫扎特音乐经久不衰的根源所在。

结合笔者个人的演奏实践来看，克服莫扎特钢琴奏鸣曲演奏的困难，首先要达到演奏技巧上的准确、灵活，对莫扎特音乐语言的特性有敏感的触觉，比如装饰音的演奏是轻盈、不突兀的。其次，对音乐的内涵加深体验，对每段、每句、每个音符的疾徐轻响及其包含的意义透彻感悟。这就需要对莫扎特的人生经历全面地了解，站在既定的时间和空间，从他的角度去理解音乐所表达的内涵。再次，在符合世界音乐所认同的基本标准下，准确把握莫扎特音乐的演奏风格。有很多著名钢琴家演奏过这部作品，但是获得广泛认同的寥寥无几，我们在寻求观摩学习的版本时要慎重，个人推荐席夫的演奏版本，清新透丽又不显过于明朗，值得借鉴和学习。

每一个作曲家都是在用生命写作，把对生命的感悟融进音乐作品，这样的音乐才更具生命力，才能流芳百世，经久不衰。莫扎特就是这样的音乐家，他把生命中最美好的一切都溶解在音乐里，把他的情绪，他的思考，他的憧憬都化作音符和旋律。读懂莫扎特，才能读懂他的音乐，才能在演奏时真正体现莫扎特音乐的本质，让他的音乐流淌进每个人的心里。

参考文献：

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莫扎特钢琴协奏曲的音乐演奏风格 篇5

一、莫扎特的经历

莫扎特是一位杰出的奥地利作曲家, 1756年出生于萨尔斯堡一个宫廷乐师家庭。早在少年时代他就被世人公认为是最伟大的音乐天才之一, 他3岁开始弹琴, 6岁开始作曲, 8岁便写下了第一部交响乐……16岁时他被任命为宫廷管风琴师, 虽然在此期间他创作了大量的优秀作品, 但他为了不受大主教的任意欺凌, 终于在1781年来到维也纳, 成为历史上第一位自由作曲家。在这段时间里, 他接触了巴赫、亨德尔的作品, 并结识了海顿, 从而也丰富了他的音乐理念。在位也纳, 莫扎特的音乐成就令人惊叹, 他曾这样描述他的音乐创作:“无论多长的作品都是在我的脑海中完成, 我从记忆中取出早已储存好的东西, 当他们在纸上呈现出来时, 竟和我的想象几乎毫无二致……”尽管莫扎特一生充满坎坷和艰辛, 但他的音乐始终给人带来真正的纯美。

二、莫扎特钢琴协奏曲的特点

莫扎特无疑是一个细腻的人, 所以他的钢琴音乐会让人感到一种柔和之美。莫扎特的音乐没有贝多芬钢琴协奏曲的激昂, 也没有他富有戏剧性演进历程, 只是用当时比较流行的奏鸣曲式的结构来构成, 但是却向人展现出他协奏钢琴音乐的魅力, 将他的内心世界充分展现在世人面前。莫扎特的音乐作品就像是山上的一泓清泉, 它很纯洁、每一个音符都有一种柔和之美, 在这样的柔美细腻中让人可以感受到作品的变化和戏剧性, 让他的钢琴曲更加生动, 更加饱满, 同时也更加充实。在他的协奏曲中往往都会出现三、四个主题, 并且在这样的主题中逐渐将听众引入到新的主题中, 主题与主题之间的变化是如此的和谐, 如此的美妙, 这是在其他钢琴音乐作品中不曾感受到的。如果说贝多芬的钢琴协奏曲主要是通过双主题的对立来表现人物人性的抗争, 那么莫扎特则是通过多个主题来描绘主人公活泼开朗乐观的一面, 展现出他对生活的热爱, 对生命的阐释。莫扎特一起独特的音乐视角来创作出自身的钢琴音乐风格, 将自身的音乐天赋展现的淋漓尽致, 让人可以感受到他音乐表情上的变化魅力——在一种平和的状态下来诠释他对生活的认知, 对人性的认知。莫扎特的音乐自然流畅, 没有音色的变化, 但是他的作品中却蕴含着一种复杂的情感, 需要人们仔细去体会其中的情感, 感受情绪之间的起伏。通过对莫扎特音乐风格的把握, 可以更好的体会莫扎特刚起协奏曲创作的精髓。

三、旋律与节奏变化特点

摸扎特的钢琴协奏曲旋律非常丰富, 它的主调旋律可以充分的表达出人的思想情感, 而且常常处于主导地位, 因此需要演奏者需要对其进行正确的理解, 演奏时既要充满歌唱性, 表现出钢琴协奏曲的丰富表情, 还要保持音乐演奏的淳朴性。演奏者在演奏莫扎特的钢琴协奏曲时首先需要将旋律的线条理清, 抓住每一个音乐细节, 逐渐去体会旋律的轮廓, 如旋律进行的上升、下行、拱形以及波状等。在演奏时要保持旋律的歌唱性, 将旋律能够立体化、流畅的演奏出来, 同时还要避免旋律处理的孤立性。除此之外, 莫扎特钢琴协奏曲的演奏中, 演奏者还要将自身的情感抛开, 善于控制和调整自身的情绪, 将自己内心对莫扎特音乐的感受充分表现出来, 用自己的内心去进行钢琴演奏, 让自己的双手展现出更加美妙的钢琴协奏曲。莫扎特的音乐具有严格的节拍, 因此在演奏时需要对其节奏和韵律进行精确定位, 左手在弹奏时要保持节拍的严格性, 发挥它的音乐推进作用, 演奏时要防止停顿感的出现, 要将音乐流畅的表现出来。

四、触键与音色特点

莫扎特的钢琴协奏曲比较重视声音的灵活性和华丽性, 能够将古钢琴和羽管键琴的动作相结合, 这样弹奏出的乐曲不仅充满灵动性, 同时还给人以流畅的气息, 表现出古典钢琴的典雅和华贵的气质。尤其是在钢琴的演奏中, 触键的方法不同, 会出现不同的音乐感受, 这就需要演奏者在演奏过程中去真正把握莫扎特的音乐创作感情, 将他内心的纯真表现出来。如果旋律需要进行连奏时, 手指必须要十分接近琴键, 要有组织有目的的进行弹奏, 手指尽量贴着键盘移动, 这样可以将音乐的演奏达到最高层次。同时在音色的处理上要保证其圆滑和明亮性, 手臂要有松而不懈的力量, 让指尖发音比较敏捷。在音阶的处理上, 要求要干净利落、流畅准确, 手指和键盘之间要保持者比较密切的联系, 降低指尖的动作幅度。

莫扎特的钢琴协奏曲音色比较明快、纯净, 演奏者要想把握住这样的音色, 就需要对声音有着较为敏感的处理能力, 也要有着敏锐的听觉, 将音乐的精髓抓住。通过对音乐的想象, 发掘出自身的音乐天赋, 培养音乐表现能力, 展现出莫扎特钢琴协奏曲的真正含义。

五、总结

莫扎特的钢琴协奏曲是纯洁的、是典雅的, 在这样的音乐中, 我们可以充分体会到他内心的宁静, 对生活的热爱。演奏者在对其进行演奏时需要去体会莫扎特的创作这些作品时的内心世界, 准确把握作品的音乐情绪, 掌握好音乐节奏和速度的变化, 充分展现出自身对莫扎特协奏曲的认识, 按照钢琴弹奏的要求, 将自己对莫扎特的理解演奏出来, 提升自身对音乐的感悟能力。

参考文献

[1]张艳.分析莫扎特钢琴奏鸣曲的音乐风格[J].边疆经济与文化, 2010, 7 (20) :99-100.

[2]姜晨.莫扎特《c小调钢琴协奏曲 (KV.491) 》第一乐章创作特点分析[J].北方音乐, 2010, 5 (36) :78-79.

莫扎特钢琴奏鸣曲的艺术风格探析 篇6

一、莫扎特钢琴奏鸣曲的旋律与调性特征

旋律是音乐艺术的生命所在,对音乐的艺术风格有着直接的影响。莫扎特在钢琴奏鸣曲演奏的过程中,以极其丰富的旋律吸引着每一个听众。在莫扎特的艺术作品里面,我们很容易就发现不同的演奏旋律带来的艺术效果。这些不同的音符让听众有了更多精彩的音乐享受。莫扎特在钢琴语言演奏的过程中,通过使用调性对不同的艺术色彩进行了描述,尤其是莫扎特的奏鸣曲,更是造就了其音乐艺术的不朽篇章。

二、莫扎特钢琴奏鸣曲的复调与主调融合

在钢琴演奏的过程中,多声部音乐结构的类型包含主调、复调两种,莫扎特的钢琴音乐以主调作为主要特色。莫扎特的主调音乐表现出来的是艺术的全新多变与演奏的有效融合。这两种不同的类型在相互交织的同时,展现出良好的独立性。例如:在莫扎特的D大调奏鸣曲演奏的过程中,就非常的注重复调因素的使用,这也让莫扎特的钢琴奏鸣曲具备了更高的识别特征。

三、莫扎特奏鸣曲的旋律歌唱性

钢琴演奏家莫扎特在其一生的艺术风格打造过程中,最为突出的表现是其创作的钢琴奏鸣曲,钢琴奏鸣曲也成为莫扎特艺术创作中最为闪亮的体裁。莫扎特标志性的艺术作品淋漓尽致的表现出莫扎特个性化的钢琴语汇与艺术表现的方法,其高超的艺术品质在这些作品当中得到了个性化的彰显。第一是歌剧性,因为莫扎特在音乐创作的过程中,对歌剧音乐情有独钟,是的莫扎特在奏鸣曲创作的过程中,经常通过歌剧的写作方式来进行表达。莫扎特将歌剧里面形成的音乐艺术特征,延伸到其钢琴作品的创作实践里面,就歌剧中的人物角色进行细致的刻画与描绘。在欣赏莫扎特奏鸣曲的过程中,我们能够清晰的感触不同角色之间的戏剧化转变与冲突。莫扎特歌剧角色对话通过两架钢琴之间的有效配合、艺术对比,让其艺术风格得到了有效的体现与表达。

四、莫扎特钢琴奏鸣曲强大的融合创造力

为了更好的对莫扎特的钢琴奏鸣曲进行把握,需要我们将莫扎特的音乐与其创作生活有机的结合在一起。莫扎特从小就跟随父亲进行演出,这种童年的耳濡目染让其对钢琴的体裁、风格等有了更为深刻的认识。同时,莫扎特所感受到的音乐艺术,为其后期的创作增加了无尽的素材。在莫扎特的格局里面,其经常使用的创作手法之一就是宣叙调,最为代表的一个作品是《D大调双钢琴奏鸣曲》。莫扎特钢琴奏鸣曲充满着叙述的温婉与特有的感情流露方式,在作品的表现过程中同宣叙调独白的第一钢琴有机的呼应,让男女主人翁在迟疑中表现出来的是一种忧郁与连贯的对话。主人翁复杂的内心世界在作品当中得到了完美的展现。在作品的展开部分,第一钢琴与第二钢琴互换旋律。莫扎特式的对话在这段旋律中成为其作品创作的经典代表。

五、莫扎特钢琴奏鸣曲自然的流畅性

莫扎特以艺术的方式将高雅脱俗的旋律与音乐风格,转化成自己艺术人生的表达方式,让其艺术风格具备了更高的识别性。莫扎特将单板单调的阿尔贝梯进行低音改变,让其恰当的分解和弦在高低声部上面,并且能够适时的出现。莫扎特的艺术语言在和弦音之间穿插了丰富的经过音,让旋律的美感更加的突出,也更加的流畅生动。莫扎特在音乐作品创作的过程中,吸收了库普兰的钢琴经典装饰艺术方法,把艺术家洛可可音乐经常使用的八分音符、四分音符上的短小装饰音,巧妙的转化为十六分音符、三十二分音符的长线条的经过句,这就让其作品的旋律变得更加的有机与高度的融合。莫扎特创作出个性化的钢琴艺术语言,这些风格特征对后来的肖邦和其他作曲家带来了很大的艺术影响。

六、莫扎特钢琴奏鸣曲的歌剧性与交响性

莫扎特所处的音乐时期,表现出了强烈的人声感受,歌剧对莫扎特的艺术创作有着重要的地位,歌剧里面的不同角色与人物,都有着非常鲜明的个性特征。莫扎特奏鸣曲特有的交响效果,让听众能够深刻、清晰的记住其艺术风格。K331作为莫扎特奏鸣曲中最为有名的一首,在这一作品的终乐章的小快板里,标记有“土耳其风”字样,明显有着当时盛行的东方风味,这一点让此乐曲深受广大爱好者的欢迎。

七、结语

浅述莫扎特的钢琴曲的演奏风格 篇7

莫扎特钢琴曲演奏的正确速度是极其重要的, 任意变化速度, 均有损于莫扎特的音乐风格。莫扎特从未为他的作品标上节拍和速度记号, 但演奏他的作品要有个速度的定量:即一个包含4个16分音符的速度通常每分钟介于120—126之间, 一般不超过132, (Allegro快板) 。柔板 (Adagio) 可慢至八分音符, 即48—50。倘若一拍有8个音, 相当于16分音符, 即100左右。更快或更慢的速度都比较少见。在慢板乐章可以有少量适度的节奏自由性, 但要贯穿相同的、稳定的速度, 千万不能渐强时快, 渐弱时慢。要以极其灵敏的反应能力, 保证动作下的速度极为准确。

莫扎特在钢琴曲中标明的力度记号是多于巴赫, 但一般只在P与f之间的范围内。从乐谱上看, ff则极少使用。我们从钢琴艺术史上知道, 力度表现较能揭示出明与暗、动与静、远与近的关系, 而莫扎特的全部键盘作品都是为古钢琴写的, 而在现代钢琴上演奏莫扎特作品最大的音量也仅仅相当于“mf”, 最轻的音量则应相当于“PPP”。因此, 处理作品的力度方法一般可领会几点:

首先, 力度的对比应以乐句为基础, 指触的变化必须符合乐句语态的需要, 力度的特征是表现在句与句之间的细致程度上。

其次, 力度的风格既要鲜明又要恰当, 其分寸的限度一般为:PP—最轻弱地触键, 带有秘密、神秘的回声性质;P—可爱的、柔软的、安静的, 触键需坚定而有表情;mp与mf—介于轻与响之间, 像平静地说话语气。

再次, 重复句可以根据前后乐句的衔接和乐段情绪发展的需要作f, p的力度对比或明暗对比;模进句是加强语气使音乐有伸缩性的有效手法, 一般上行模进句多用于情绪上涨的乐段, 力度处理多为层层推进的递增;下行模进句多用于情绪转落或收尾时, 力度处理多为层层减弱。

最后, 力度范围必须是手的任何动作坚挺与弹性的结合, 支撑与顺活的结合, 要做到灵活平和、转合顺柔;轻而不虚, 强而不硬。

二、触键

莫扎特所处时期的钢琴发音明亮, 颗粒清脆, 而在我们现代的钢琴上是很难做到的。莫扎特钢琴曲注重声音的灵巧和华丽, 将古钢琴和羽管键琴的动作结合, 以均匀清晰的音粒, 生动活泼的节奏, 流畅悠扬的气息, 圆润优美的歌唱性, 从而表现出古典主义特有的典雅与高贵的气质。[1]因此, 不同的触键法对手的独立感、协调感, 乃至应变力及指尖控制是极为重要的。

为了准确表达莫扎特音乐的自如感, 获得良好的、真正的、纯粹的钢琴音色, 触键的原则可遵循以下几点:

首先, 手腕要有把位感, 根据音乐的走向, 使手指总是处于五指的位置, 任何时候手腕都要在放松的位置上, 绝不能有任何生硬之感。尤其要求表情的力量贯穿始终, 贯穿在音乐蕴底。当旋律要求连奏时, 手指必须十分接近琴键, 手指应很有组织、很有控制地下键, 手指贴着键盘移动, 重心从一个指头自然地无缝隙的交移到另一个指头, 使连音演奏达到高层次。

其次, 音色要明亮而圆滑, 就要求手臂用松而不懈的通透力量, 使指尖发音敏捷、略有“点”的感觉, 控制好自己的肌肉感觉。无论是跳音还是强音, 指尖都应有力, 让手腕的弹性与灵活性结合好, 不需要增添任何外加压力。音阶型的经过句要求干净、流畅、光辉、准确, 触键要爽快, 多用弹性的手腕和臂膀控制结实的指尖, 弹奏有弹性的跳音和圆滑的小连句, 句头和句尾的起落动作是作好句子的根本关键。每一组音阶和琶音都充满了虚和实的变化, 要有灵活的3、4指。低指可以加强手指对键盘的控制能力, 加强演奏的准确性。

再次, 手掌与键盘尽可能保持密切联系, 手指与琴键的接触方式比较垂直, 手指比较收拢, 弯曲成圆拱形, 防止手掌摇摆干扰手指的自主运动。指触要非常敏感, 动作越小越好, 指触以颗粒清楚的non legat。[2]为主, 触键的速度也在比较快的范围内, 即使稍慢的触键也需要中等的速度。下键时指尖一定要支撑住, 挂在键盘上, 手指要抓得住音, 而不是靠臂的重量压出声音, 发声后立即放松, 不要用臂力压迫键盘。要注意灵活与离键高度的适当, 保持自然放松状态, 要控制好发力点、击弦点、发声点的统一。重音永远不要直的下去, 重音是在呼吸, 要特别注意乐句的呼吸, 手腕尽量平稳, 可以左右移动, 而不要高低起伏太多。弹轻和弦时要注意声音的谐和、统一, 不漏音, 有和声感, 要认真探索指触垂直与水平的细腻对比。

三、音色

优美而富于变化的音色是所有演奏者追求的重要而困难的目标。音色则说明了演奏者千变万化的指触所能获得的永无穷尽的音响魅力。莫扎特的钢琴曲十分需要音质美感的演奏, 要求音色清脆、明快、透明、纯净, 一般可掌握几个要领:

(一) 要有正确的声音概念。

把握住音色造型上的完美;对声音须有敏锐的听觉, 使内心有个明确的追求。要经常用听觉的想象力去解释和调整音响层次的各种变化, 对键盘的轻重软硬的特性和偏向做到心中有数。要用理性去鉴别你所弹的每个音是否达到它所应具有的质量, 要根据个人的生理条件去追求莫扎特钢琴声音的细腻、均匀。音色变化幅度大, 发音才充实饱满, 才有共鸣的、圆润的透亮的声音。

(二) 音质有穿透力及柔美性。

必须对legato、leggiero、pp等加强训练, 审视和对比自己的演奏, 处理好手指的层次平衡与明暗, 时刻驾驭着音乐的空间感, 从而发出既有速度又清晰, 既均匀又明亮, 既轻快又细腻的声音。要不断想象, 想象越丰富, 发掘音乐内涵深度的可能亦越大。要依靠自己的音乐本能, 注意聆听, 随时调整触键, 造就好自己的内在听觉, 懂得极其细致而敏感的指触差别:弹奏慢乐句时注意声音的延长;弹奏富有弹性的快速音群时, 注意音质独具的铿锵、干净;弹奏歌唱性旋律时, 注意音色的温暖。

结语

关于莫扎特钢琴曲的演奏, 通过近百年来不断的学术考据、探讨以及演奏实践, 演奏的处理有较大的发展和变化。本文笔者初步的探索了莫扎特对钢琴曲所作出的开拓及贡献。希望文章的完成对如何忠实地再现莫扎特钢琴曲的原貌, 追求其演奏风格的纯正性提供一定的学术参考。

摘要：莫扎特的钢琴曲主要不是为音乐会而是为家庭或个人奏乐所用。主题大都富于歌唱性, 深切寄托着作者对个人生活经历的感受, 具有很强的内向性质。为此, 关于莫扎特钢琴曲的演奏, 通过近百年来不断的学术考据、探讨以及演奏实践, 演奏的处理有较大的发展和变化。如何忠实地再现莫扎特钢琴曲的原貌, 追求其演奏风格的纯正性, 是摆在每一个专业演奏者面前亟待解决的问题。我们从以下几个方面阐述如何正确地演奏莫扎特钢琴曲的演奏风格。

关键词：莫扎特,钢琴曲,演奏风格

参考文献

[1]林逸聪:《音乐圣经》, 华夏出版社, 2005年1月版。

浅述莫扎特的钢琴奏鸣曲的演奏风格 篇8

一、历史环境对莫扎特钢琴奏鸣曲风格的影响

从音乐史上看, 处于一定历史时期的作曲家, 其创作风格必然要受到该时代的思想动态、文化倾向、社会风尚的影响, 并在其作品中显露出历史的个性。维也纳古典主义时期正是钢琴艺术发展的极其重要的环节, 风格必然渗透着不同的个性和特点, 从而构成钢琴演奏的实质内容。我们可以发现, 古典主义时期的作品可能较为直率地表现作曲家内心的情感, 但仍然是有所控制的, 音乐的韵味深蕴于风格之中。莫扎特的音乐是纯的、真的、直率的、洒脱自如的;他的音乐很容易显现出高洁、清淡的气质和“性格刻画”的能力。[1]而音乐又保持着自身的内在逻辑——倾注于美好的理想, 诉诸心灵的渴望, 那样的怡静、优美、甘甜, 这是一种风格, 一种“纯音乐”的变革。这种风格逐渐替代巴洛克风格, 成为可感的、新的维也纳古典风格。

莫扎特早期的器乐创作风格受J·C·Bach的影响较深, 在技巧的运用上也比海顿等前辈的作品更近代化, 更富于效果, 更趋于成熟。莫扎特力求掌握听众的心理, 始终注意到对听众的影响力。在他的钢琴奏鸣曲中, 主题形象生动, 富于歌唱性的旋律, 多半是生活风俗性的。快板乐章极其明亮、灵巧、典雅, 表现出阳光般的明朗和乐观的情操, 更重要的是必须看到他这些成就的获得是与他在当时反封建的斗争中意志愈来愈坚定、思想觉悟日渐成熟和对社会现实的认识愈来愈深刻分不开的, 莫扎特的内心世界始终与其时代的风云是密切相交的。

莫扎特在18世纪70年代紧紧追随海顿, 创造了区别于巴洛克风格的音乐。[2]在钢琴奏鸣曲的写作风格上, 着眼于取悦公众和使之易于理解, 在大众化与通俗化上勤于思索, 顺从了社会的形势。他的风格是前后一贯的、比较稳定, 基本上是一种风格模式。

首先, 在自然状态中构成了他的音乐。他的内心世界十分丰富, 音乐出神入化, 乐思敏捷, 人文主义的音乐内容取代了宗教性的内容。对信仰、正义、道德的颂扬, 对“人”的尊严主题有很深的内心体验, 善于表现人性的深刻。

其次, 主调音乐代替复调音乐, 以“旋律与和声背景”为主体的主调音乐占据主要地位。在主调音乐中有着极其广泛的复调展开模仿性因素。由“I一ⅳ一V一I”建立起来的功能和声及其调性关系体系成为音乐结构的骨架, 大胆采用了调内离调和转调的手法, 和声语言富于动力, 烘托出旋律形象的表现力和美感。

再次, 奏鸣曲式代替了古组曲、二部性古奏鸣曲、托卡塔等曲式。变奏曲的形式和技巧被广泛运用, 主题的构成在技术上富于动机的展开, 容易在发展部自由的发挥。

莫扎特以极其热爱音乐的职业态度, 创作了标新立异、自然而优美的钢琴奏鸣曲。在他身上, 灵感不是经过苦思冥想而来;不是经过智力和意志同大自然的斗争后才在头脑中显现的;不是在过分的激情和狂热的状态中表示出来的, 正相反, 他似乎处于通常的环境下, 平衡的状态中, 酷似宁静的泉水涓涓不绝, 无穷无尽。莫扎特的天才正是懂得吸收音乐艺术中的一切精华而弃其糟粕, 以那颗敏感而善良的心不断地求索和探寻, 并善于综合各地不同风格于一体, 形成他独特的表现生活真情实感的风格。

二、莫扎特钢琴奏鸣曲的旋律特征

莫扎特钢琴奏鸣曲的旋律演奏的色彩极为丰富, 是它音乐的精髓, 它的主调旋律最能表达人的情感, 常常处于主导地位。为了正确地理解和表现莫扎特音乐的歌唱性, 在既忠实于原作又带有自己个性的旋律演奏中, 必须掌握几个问题:

首先, 要将旋律线条理清, 不断感受到旋律的轮廓, 即旋律进行中的上升、下行、拱形、波状。要让旋律有丰富的说话语气, 注重主调音乐的立体感和流畅动感的韵律, 要注意旋律不是孤立存在的, 它需要衬托、扶持。在弹奏单音的旋律线条时, 要体会连贯时大臂的细微动作, 在极连贯的旋律时, 大臂的调节对于乐句的气息连贯显得尤其重要。当遇到双音或和弦构成的旋律时, 一般应着力勾画高声部。

其次, 要努力发现作品中指法与旋律的各种规律, 一般要用较深的触键, 保持旋律的流动性、完整性。歌唱性的旋律要用慢而深的触键方法, 臂膀、手腕、手掌、手指须协同一致, 上下左右活动自如, 融会贯通。

三、莫扎特钢琴奏鸣曲的节奏特征

莫扎特钢琴音乐是以严格节拍组成的音乐, 而节奏是音乐的时间形式, 是音乐必不可少的要素。为了提高演奏水准, 获得精确的节奏脉搏和韵律, 要提高对节奏的感受力, 增加手指的稳定性及指间肌的灵敏度。其次, 每一小节的第一音可以非常轻微的强调一下, 使小节的划分有明显感。休止符要处理准确, 不能使人感到音乐的停滞。每个乐句的走向要以节奏来强调骨于音。掌握好有限度的节奏尺寸, 千万不要夸张, 节奏不宜太快或太慢, 应极其含蓄, 给人一种自然的感染。掌握好节律感, 容易使双手整齐, 小指稍加重音也有利于节奏平均。

结论

莫扎特是古典主义时期重要的作曲家。钢琴奏鸣曲是莫扎特作品的重要组成部分, 他的作品富于创新精神, 思维活跃。他的钢琴奏鸣曲对维也纳古典主义音乐风格的形成做出了巨大的贡献。莫扎特的17首钢琴奏鸣曲, 在海顿的基础上有了更大的发展, 使钢琴奏鸣曲这一体材在维也纳古典主义时期发展到了成熟的地步。

关于莫扎特钢琴奏鸣曲的演奏, 通过近百年来不断的学术考据、探讨以及演奏实践, 演奏的处理有较大的发展和变化。本文笔者初步的探索了莫扎特对钢琴奏鸣曲所作出的开拓及贡献。希望文章的完成对如何忠实地再现莫扎特钢琴奏鸣曲的原貌, 追求其演奏风格的纯正性提供一定的学术参考。

摘要：钢琴奏鸣曲是莫扎特作品的重要组成部分, 本文从莫扎特钢琴奏鸣曲的旋律、节奏以及织体结构来初步的分析莫扎特奏鸣曲的风格。

关键词：古典主义,奏鸣曲,风格

参考文献

[1]林逸聪:《音乐圣经》, 华夏出版社, 2005年1月版。

浅谈中国钢琴作品的演奏风格 篇9

关键词：中国钢琴作品 演奏 风格

作为西洋乐器的典型代表，钢琴的发展与完善是在对西方乐曲的演奏中进行的。20世纪初钢琴艺术流入中国，开始在这片拥有博大传统文化的土地上生根发芽。在诸多优秀的中国钢琴演奏者当中，有许多在演奏中融入了中国传统乐器的演奏手法，从而同时兼具了西方与西方的演奏技巧，这样，就诞生了一批彰显中国特色，能够显示民族韵味和风格的钢琴作品，且中国钢琴作品的独特演奏风格也逐渐形成。这一独特演奏风格的形成并非一日之功，而是几代中国钢琴演奏家、作曲家的积淀。钢琴艺术就如同一粒希望的种子，被播撒在中国的大地上，正是这几辈钢琴艺术家的探索、耕耘和创新，才使得中国钢琴作品的演奏独树一帜，形成特有的风格。基于此，文章着眼于中国钢琴作品的演奏风格，从音色、音韵、留白、踏板四个方面来就其演奏风格进行分析研究就显得极具显示意义，对于中国钢琴作品演奏风格的进一步深化具有积极的现实意义。

一、钢琴的发展概述

钢琴为什么会被称作“钢琴之王”，究其原因有四：第一，在众多独奏乐器当中，能够与整个交响乐团相抗衡的唯有钢琴；第二，交响乐团的全部音乐，包括最高音、最低音均包含在钢琴音域当中；第三，用于音乐会的演奏钢琴（九尺大三角钢琴）能够发出雄浑、嘹亮、光辉的印象，与交响乐度的合奏效果相类似；第四，在钢琴中，四声部以上复调和十余音和旋能够被同时演奏出来。正是上述特点的存在，决定了钢琴在乐器王国中的显赫地位。追溯钢琴发展的历史，大键琴（以拨弦发音）和小键琴（以撞弦发音）是钢琴的前身，这两种键盘乐器于16世纪末逐渐盛行，发展到18世纪末，由钢琴的崛起而开始退出主流乐器的行列。而钢琴凭着其显著的特点，发展至今依然经久不衰，立足于世界乐器之林。

二、中国钢琴作品的特征

（一）围绕民歌进行创作

民歌的创作来源于劳动人民的生活，在随时随地的传唱中受到风俗、地理、历史等因素的影响。中国主调钢琴曲的改编很多都是由民歌作为素材的，典型的有《采茶扑蝶》《卖杂货》《谷粒飞舞》《旱天雷》《中国民歌主题变奏曲》等。这些作品贴近人们的生活，生命力旺盛，是社会脚步的缩影，对人们的情感进行了展现。既然是以民歌为创作源泉的，当然少不了传统乐器的参与，而钢琴就可以进行很好的模仿。就拿古筝来讲，其清凉高远、坚实圆润，在进行模仿时，就可将在指尖作为发力点，主要通过指头内弹来实现，且动作要兼具弹性和灵巧，这种模拟出的音色就有着独特的美感。

（二）是西方技法与中国传统音乐的结合

在中国钢琴作品中，作曲家们在改编中借鉴西方作曲技法，进行了大量的运用，将其与中国传统音乐结合在一起，使创作出的作品具有丰富的“中国味”。如《梅花三弄》《春江花月夜》《二泉映月》等，均是在原作基础上的改编。这些作品中，为对民族色彩进行表现，运用了传统乐曲中的装饰音、滑音等，在民族乐器的模仿与民族特色的追求上进行了大胆尝试，这些作品的诞生也象征着中国钢琴作品的创作水平进入了一个新的领域当中。

（三）作品的改编很多来源于舞剧音乐

在中国钢琴作品中，有很多是由舞台音乐剧为依据来进行改编的，比较具有代表性的有《红色娘子军》《红头绳》等。其中钢琴曲《红头绳》的创作灵感来源于歌剧《白毛女》，该剧中以“扎红头绳”为背景的一段唱腔在作曲江江静的改编中，成为了有着变奏曲特点的钢琴作品。这首作品既有对传统风格的继承，有融入了些许时代特征，十分特别，哪怕将其放置于众多优秀钢琴小曲当中也毫不逊色。钢琴作品《红色娘子军》的创作灵感来源于其同名舞剧，该作品既有对原有风格、旋律的保留，又与钢琴化的组织体相呼应，在经反复又该后，成为一首优秀的钢琴改编曲。

三、中国钢琴作品的演奏风格

（一）独特的音色

在音乐中音色是能够直接触动感官、吸引听众的重要途径。音色的存在是音乐神韵的凸显，动听优美的乐曲是对作品细腻情感的有效表现。不论理论或时间，中方或西方，都应给与音色极高的重视。在中华民族的历史长河里，在追求音色上有其多样性和个性化，并没有统一的标准。这也使得先辈们创造了风格多样、形式各异的乐器，从而也形成了多种音色，它们能够对人们的情感进行充分的表达。钢琴属于舶来品，其在中国的发展基础是与中国人审美的相匹配，与中国人的音乐习惯相适应，因此，对传统乐器音色的模仿就显得十分重要。这决定了在中国钢琴作品的演奏中，演奏者需要通过运用特定音型，掌握适当的音量与触键力度，使发出的声音与中国传统音色尽可能的接近，而这对于钢琴演奏者的技巧就提出了很高的要求。

（二）对气韵的把握

气韵指的是音乐作品所带来的一种整体风貌和精神风采，音符组合下所蕴涵的韵味使得音乐具备了感染人的力量。韵是一首音乐的核心，也是音乐演奏者孜孜不倦的追求。在中国钢琴作品的演奏中，应对气韵进行很好地把握，注意意趣与声音的配合。具体而言，即在演奏中国钢琴作品时，应注重整体性的把握，做好整体上的和谐，将气的贯通与流转融入到整个演奏当中。可以说，中国钢琴作品的演奏基础是对于作品气韵和意境的贯通。基于此，来进行起伏旋律的设计，来使音乐流畅自然、行云流水，既有着优美的线条，有极具韵味。

（三）留白运用讲求艺术性

在中国传统艺术当中，在运用留白时是十分有讲究的，就拿水墨画来讲，简单几笔就能够描绘出一幅有着深刻意蕴的图画。留白的存在给了受众更多的想想，使得每个人都能够用自己的经历和解读来进行填充。可以说，中国艺术的完成是创作者与欣赏者共同参与的结果。而对于中国钢琴作品来讲，亦是如此，合理运用空白，赋予音乐以一种含蓄的美，将自由丰富的创作空间留给演奏者，将广阔的想象空间留给听众，可谓“此时无声胜有声”。就拿钢琴作品《夕阳箫鼓》来看，伴随着乐曲情感的变化，演奏者完全能够依照自己的解读来进行一定程度的发挥，来提升乐曲演奏的张力，赋予作品本身一种灵动美。可以说，合理运用留白使得中国钢琴作品的演奏更具深意，引人思考。

（四）合理运用踏板

在中国传统音乐当中，对于韵味的表现十分注重，因是运动的、变化的，且有着许多虚音的衍生，从而使得总管传统音乐具备了无限的魅力与韵味。但钢琴的发音主要凭借槌击，在发出一个音后便不能改变，而踏板就成弥补这一不足的重要方式，其通过对原来音色的改变，来使声音获得延长的听觉效果。如在进行钢琴作品《筝箫吟》的演奏时，演奏者手上动作灵活细腻，再配以连音踏板与弱音踏板，就产生一种虚无的感觉，在听众的感官下就形成了一种悠远飘渺的美。然后半醉着音流的逐渐加强，慢慢将左脚弱音踏板松开，这是，通过对延音踏板的抖动来达到演奏的高潮。之后，渐渐走远的音流，加之连音踏板与弱音踏板的配合，表现出了一种深远、幽静的美感。

四、结语

中国钢琴作品时运用西方乐器来对中国音乐进行表现，是对中国民族历史积淀下的音乐心理和审美情感的反映，在其现实演奏当中，中国传统文化和审美意蕴的融入是必不可少的，这样才能够使钢琴在中国获得真正的发展。在中国钢琴作品的演奏中，注意对音色、气韵、留白、踏板等因素把握和运用，从而使其演奏风格具有“中国味”，亦只有这样，具有独特风格的中国钢琴作品才会在世界舞台上绽放光彩。

参考文献：

[1]吕庆权.浅谈中国风格钢琴作品的演奏[J].北方音乐，2014，（06）.

[2]夏一瑾.浅谈钢琴作品演奏风格的时代变迁[J].北方音乐，2014，（11）.

[3]于青.中国钢琴作品《浏阳河》的演奏与教学[J].中国音乐，2010，（02）.

[4]张霞.如何把握钢琴作品的演奏风格[J].大众文艺，2011，（15）.

[5]石安宏.中国钢琴作品的演奏风格研究[J].青春岁月，2013，（16）.

莫扎特钢琴作品的风格 篇10

一、表达方式的不同

在海顿和莫扎特的作品中,在织体、和声、曲式以及作品都具有属于那个时代的共同特点。但是,由于成长经历、生活环境个人天性的不同,音乐风格也存在着很大的差异。

海顿惯用管弦乐创作思维,他的钢琴作品都具有乐队效果,海顿在钢琴上模仿各种乐器,在他的奏鸣曲中,时而有乐器之间的对话,时而有乐队的全奏,声音饱满、共鸣丰富、音色变化细腻。

莫扎特的器乐作品中一切都在歌唱,他的音乐语言来自歌剧,每一句、每一小节都有很细腻的人物刻画。莫扎特的旋律大多在右手,所以要靠右手来控制力度的对比、变化,在注意音色的同时还要注重乐句的呼吸,而左手常常是带有韵律的伴奏音型,左手伴奏永远是轻轻的。

二、曲式和音乐组织对比

了解海顿和莫扎特在奏鸣曲曲式上的区别很有必要,要从音乐的整体上来把握演奏风格的准确,注重音乐表达以及音色等细节,确保演奏效果符合作者的要求。

海顿潜心研究C.P.E.巴赫的奏鸣曲,在钢琴奏鸣曲创作方面深受巴赫的影响,他热衷于奏鸣曲快板乐章中主、副部主题统一的处理手法。海顿奏鸣曲式的展开部和连接部的规模较大,体现出以小动机作为核心的奏鸣曲式的乐思发展的原则,它活跃于移动的调性与和声变化之中并推动音乐向前发展。在海顿的奏鸣曲中,最重要的是音乐形象的统一,音乐富有幽默感,充满朝气。

无论在乐曲的构造规模、主题性格的对比、和声的应用、形式的均衡统一,莫扎特在钢琴奏鸣曲曲式上的发展比海顿又前进了一步。莫扎特的主题本身很完好,但是与海顿相比,莫扎特往往通过连接部的准备才导入,在奏鸣曲呈示部中奠定了更有独立性的第二主题,更强调了它的意义。主题音乐个性丰富,是连续串快速经过句或者是新的乐思,因此,所有角色的独白、对白都要有分寸,在弹奏中要注意角色的转变,要有细腻刻画。慢板乐章常常用咏叹调来表现他的旋律天赋。

三、钢琴演奏分析

(一)触键与音色。

在弹奏海顿和莫扎特的奏鸣曲时,表达古典主义特有的典雅和高贵的气质通过动作与古钢琴的声音相结合,海顿的音乐富有幽默感、充满了蓬勃朝气,演奏时,要用均匀清晰的音律、晶亮透明的音色、流畅悠扬的气息、生动活跃的节奏、圆润优美的歌唱来表现海顿特有的风格。要多用手指和手腕的力量,快速的音符要弹得有光泽,手臂要多放松,指尖要感觉敏锐,声音要像一粒粒珠子穿在线上,手、臂、肩要放松,充分利用手腕送手指的力量,表达诙谐幽默的情绪。

(二)速度与力度。

海顿和莫扎特从未在他们的奏鸣曲中标有速度记号,钢琴奏鸣曲中稳定的速度是极其重要的,在力度上,海顿和莫扎特的奏鸣曲依据当时的作品是为古钢琴而作,力度记号一般只在pf之间的范围内,因此在处理上要对声音进行更好地控制。

(三)装饰音。

继承了巴赫的传统,海顿、莫扎特的装饰音其中倚音、回音、颤音为常见的。应遵循基本原则:在弹奏时,主要音符对分时值,长倚音一般具有留音的效果;装饰音的第一个音应该当在拍子上而不是在拍子前,回音应当包括在主要音符时值内,回音有时从拍子上开始,有时在拍子后开始,装饰音应该根据具体情况而定,颤音可奏成长倚音,可以奏为“波音”或“回音”的形式。

(四)踏板的运用。

因为当时的作品是为古钢琴而作,所以在海顿和莫扎特奏鸣曲中是没有踏板标注的,古钢琴与现代钢琴结构上有所差别。因此要适当地加入踏板,利用现代钢琴演奏他们的作品,尤其是右踏板的使用,右踏板可以给予作品更多的共鸣与音色。

四、结束语

本文通过比较分析海顿、莫扎特钢琴奏鸣曲音乐风格与演奏特点,得出如下结论:演奏不同时期不同流派的钢琴作品需要符合这个流派音乐的演奏风格,作为一种演奏中必不可少的认知概念和形态,一种音乐文化趣味和形式要素的风格,在弹奏实践中不能忽视的,只有不断提高弹奏的技能技巧和自身的音乐修养,才能培养良好的音乐审美能力。

参考文献

[1]张瑾.海顿和莫扎特钢琴奏鸣曲之比较[J].艺海,2012,(05):56-57.

[2]章荔怩.海顿和莫扎特钢琴奏鸣曲音乐风格之比较[J].黄河之声,2013,(02):107.