未来艺术

关键词： 节奏 舞蹈 音乐 艺术

未来艺术（精选十篇）

未来艺术 篇1

一、实在的舞蹈艺术

在谈论舞蹈艺术之前, 我们要先说一下“节奏”问题, 因为瓦格纳在《艺术与革命》中写到:“通过节奏, 舞蹈才成为艺术”1。瓦格纳认为节奏是音乐的骨架, 没有它的存在, 音乐只是零散杂乱、游离的音符颗粒, 这就好比高楼大厦结构内部的钢筋, 没有它的存在, 高楼就无法层层建起。可见, 它是一种必定遵循的规律, 不但是舞蹈艺术得以形成的内在法则, 而且是连接舞蹈艺术与其他艺术的不可撕裂的纽带, 更为重要的, 它还是舞蹈艺术的精神之所在。

由于节奏制约着舞蹈艺术的形成与发展, 所以瓦格纳结合着节奏来对舞蹈艺术进行讲述。舞蹈是人们可以用肉眼直接感受到的, 它通过节奏这一途径, 借助舞蹈演员肉体的有张有弛摆动和起伏, 表达内在的情感, 展示内含的故事。它是不需要欣赏者太多的考虑, 直接接受的一种艺术, 所以瓦格纳称其为“一切艺术品种中最实在的品种”2。

在由节奏引申到舞蹈艺术, 并且讲述完两者密不可分的关系后, 瓦格纳又论述了舞蹈艺术在戏剧中的作用:他认为戏剧是以最完美抒情诗的形态呈现给人类的, 它包含着多种多样的艺术种类, 每种艺术都各尽其职发挥着独特的作用, 舞蹈艺术也不例外。不论是舞蹈艺术居于主导地位, 还是从属地位, 都全心全意戏剧贡献自己的力量, 或使人魂迷心醉, 或使人惊心动魄。

瓦格纳较为全面的论述了舞蹈艺术, 首先从对它起决定作用的构成因素方面进行介绍, 而后从其本身作详细讲述, 最后又透视戏剧这一综合艺术体中舞蹈艺术的作用, 呈现出由小到大, 局部到整体的思路安排, 将舞蹈艺术全面细致的论述出来。

二、依赖的声音艺术

声音艺术与舞蹈艺术、诗歌艺术有相同的祖宗。3在对其进行论述时, 瓦格纳采用比喻的手法, 论述了声音艺术的两个重要的作用。首先, 他把声音艺术比作大海, 把舞蹈艺术和诗歌艺术比作大陆的两端, 声音艺术分隔着并且连接着两端。从中我们可以看出声音艺术的“连接作用”, 它是不可或缺的一环, 作为舞蹈艺术和诗歌艺术的媒介, 贯通两者, 使得两者完美的结合有了保障;其次, 瓦格纳还把声音艺术比作人类的心脏, 这个简单的比喻未用很多的言语就突出了声音艺术的重要性。在《未来的艺术作品》中, 他讲到人类脑的活动和外在肢体的活动都是受心脏活动支配的, 是人体所有器官中最为重要的, 如果没有心脏的活动, 那么脑部和肢体的活动都只是没有感情的、机械的动作罢了;并且心脏还是理智与感情相贯通的器官, 只有它的存在, 理智才会融入人的脑中, 并使得人类感官的快感变为高尚, 使得非感官的思想合乎人性, 这些都认证了声音艺术的“支配作用”。

在讲述完声音艺术的作用后, 瓦格纳还简短地提及了声音艺术的构成成分——节奏和旋律。他把节奏和旋律比作声音艺术的手臂4, 正是这双手臂将舞蹈艺术和诗歌艺术紧紧地拥抱, 使得她们健康的发育。笔者认为, 瓦格纳把节奏和旋律当作是声音艺术最主要的构成部分, 并且认为它们是声音艺术去用来接触其他两种艺术的工具。

虽然前面论述到声音艺术的“连接作用”、“支配作用”以及它的重要性, 但是局部只有在整体中才能发挥其作用, 单就局部而言, 脱离开整体, 那它的作用也是空空而论。所以在讲述这一部分的最后, 瓦格纳着重强调了声音艺术最卑微的依赖性, 它是需要依附于其他艺术种类的。不独立、承受不了孤独就是声音艺术最特殊的特点5。他认为声音艺术是流动在舞蹈艺术和诗歌艺术中的自然元素, 这是它存在的方式, 节奏和旋律是它存在的载体, 它通过节奏和旋律深入到两类艺术之中, 并且将起初模糊的自己以清晰可辨的外貌展现出来。正是由于它的依赖性, 决定它不能单独的存在, 必须要和其他的艺术形式结合, 只有通过这种方式方能显示它的存在。每一种艺术品种在和它结合过程中, 汲取声音艺术中能够为己所用的成分, 借助声音艺术来更好的表现自己, 而从不考虑声音艺术的需求, 在这些艺术品种索取的同时, 不会把自己给予声音艺术。

声音艺术在众多艺术种类中有不可磨灭的功劳, 有着不可替代的作用, 但是它还是不能孤立存在的。因此, 依赖性是声音艺术最大的特点, 只有在和其他艺术品种结合时, 它才是完整的, 它的作用才能够淋漓尽致的发挥出来。

三、孤独的诗歌艺术

之所以会论述诗歌艺术, 因为瓦格纳的着眼点是放在未来的艺术作品这一综合艺术体上面的。这里提到的诗歌艺术, 瓦格纳强调, 只是局限于与音乐相关连的那一部分, 至于原本的文学诗歌, 并不在瓦格纳考虑的范围之内。

诗歌艺术不比声音艺术, 它是存在于文本层面而非表演层面, 因此它只能够用来描写事物而非演绎事物, 这就是瓦格纳眼中的诗歌艺术。瓦格纳认为诗歌艺术来源于生活, 生活是最深刻的科学能够去了解的, 它包括人类和自然界两个方面。如果对人类和自然界的描写能够共同出现在一部艺术作品中, 并且其中有科学的指导和贯彻, 那么这就实现了生活转化为诗歌艺术的过程。瓦格纳在讲述到这里之后, 更进一步的说到, 如果这样的诗歌艺术再结合其他姊妹艺术, 协力之下促成的完美的艺术作品, 就是戏剧。6诗歌艺术只有通过音乐向它自由的渗透, 它才能够成为孕育一切的戏剧艺术。诗歌艺术的层次越深, 那么它所探究的生活方面就会越全面, 反过来讲, 只有在对生活的各个方面, 较大范围内彻底的研究之后, 才会有更高水平的诗歌被写作出来, 形成更高层次的诗歌艺术。这样一来, 诗歌艺术涵盖了生活的方方面面, 凝聚了人类智慧的结晶, 变成了有思想性的诗赋。

在论述诗歌艺术的时候, 瓦格纳还提到了清唱剧这一体裁, 对清唱剧并没有给出较好的评价。之前我们在讲述声音艺术的时候, 曾讲到其他艺术品种都只会一味的从声音艺术中得到能够利己的成分, 但从不给予声音艺术任何成分, 正是因为诗歌艺术这样对待声音艺术, 才产生了清唱剧这一体裁, 使得它从教堂移到了音乐会堂中。他认为清唱剧很难成为戏剧, 除非清唱剧容许音乐成为它唯一的主体, 唯一起控制作用的时候, 它才有可能成为戏剧。在瓦格纳看来, 清唱剧中的音乐并没有很好的运用诗歌, 只是让诗歌来暗示一下人的性格和戏剧的联接7, 以便给它提供发展的依据, 这就是瓦格纳眼中的清唱剧。

只用来描写, 不能再表演的诗歌艺术终究还是孤独的, 它只能起到中介的作用, 不能再直接提供其他姊妹艺术需要的东西。

在对舞蹈艺术、声音艺术和诗歌艺术分别讲述完之后, 瓦格纳还是回归主要的话题, 着重讲述“戏剧”这一概念。戏剧是由这三种姊妹艺术高贵的同盟缔结起来的, 它们各有各自的功能, 互为补充, 紧密联系在一起。其中, 诗歌是文字层面上的, 只能够对音乐进行文字陈述和示意;声音艺术只能通过节奏和旋律主动和另外两种艺术结合, 向它的姊妹表示效忠;舞蹈艺术具有最高的能力, 它通过人类躯体的运动将诗歌艺术和声音艺术直接的外现出来。舞蹈艺术不能和诗歌艺术相分离, 如果舞蹈艺术从诗歌艺术中脱离出来, 那么它不仅放弃了其最高的能力, 而且也丧失掉了它的特性。而声音艺术分隔着又连结着舞蹈艺术和诗歌艺术这两个人类艺术极端的对立物, 通过声音艺术, 舞蹈艺术和诗歌艺术可以相互了解, 相互贯通。反过来, 声音艺术之所以能够获得种种形式, 也是舞蹈和诗歌的功劳。可见, 每一种艺术品种都在戏剧这一综合体中各行其职、各干其事, 各自起着其他艺术没有的作用, 正是因为三者的共同存在, 才使得它们得以相互补充, 相互作用。这三种姊妹艺术只有拥有相同、一致的追求, 只有两两之间取其利, 去其弊, 它们才能够融为一体, 成为真正的艺术作品。

第二节 关于“未来艺术作品的基本特征”

未来的艺术作品是瓦格纳设想的最完美的艺术作品, 它来源于生活, 又运用到生活当中。它是所有艺术品种同盟而形成的, 在文字层面上, 有诗歌艺术作示意;在听觉层面, 有声音艺术作解释;在视觉感官层面, 有舞蹈艺术作展示, 是完美的艺术作品。通过对瓦格纳《未来的艺术作品》这部著作的阅读, 笔者总结出未来的艺术作品的几点基本特征, 分别是:自由的艺术性、真正的戏剧性、戏剧意图的明确性、管弦乐队的重要性, 在接下来的章节中对这四点基本特征进行详细的讲解。

一、自由的艺术性

瓦格纳认为, 艺术性不是孤立存在的, 它由两部分构成:艺术性的人和艺术作品, 它需要两者共同配合来实现。艺术作品, 尤其是未来的艺术作品中存在着众多的艺术品种, 这些艺术品种整合后成为共同的艺术作品, 艺术性的人只有进入到这样的艺术作品中, 才能得到完全的满足, 获得自由的艺术性。并且自由的艺术性也只有在众多艺术融合的情况下才得以实现, 如果其中一种艺术分隔开来, 由于这种艺术的空缺, 艺术性的人就没法在完整的艺术环境下得到心里设定的满足感, 最初的想象和满足受到约束, 内心的自由感荡然无存, 这正好与未来艺术作品应给人以舒畅、自由的感觉相矛盾, 所以这样就构不成未来的艺术作品。由此可见, 自由的艺术性是未来艺术作品得以存在的基础, 是未来的艺术作品最基本的特征之一。

二、真正的戏剧性

瓦格纳对“戏剧”给出了很高的评价, 这点是毋庸置疑的。在讲述完自由的艺术性这一问题后, 瓦格纳接着谈到了“戏剧”这一问题, 他认为:人类的最高目的是艺术性的目的, 最高的艺术性的目的则是戏剧。8可见, 瓦格纳把“戏剧”摆在所有艺术作品中最高的位子上, 但是, 瓦格纳强调的“戏剧”只有发挥其真正的戏剧性, 才会成为最完美的艺术作品, 也就是未来的艺术作品。

如何发挥它的真正戏剧性呢?第一步, 瓦格纳是从戏剧这一本体出发, 运用了整体与部分的关系原理进行说明。他把戏剧看作是一个整体, 而其中的每一个艺术品种就是部分, 各个部分只有在最优化的情况下, 整体才会达到最佳的状态, 同样的, 只有各个艺术品种发挥到尽致时, 戏剧才可能发挥到尽致的程度。第二步, 瓦格纳是从观众的接受层面出发, 他认为戏剧的一切艺术追求需要面对共同的观众, 并且每一个别的艺术品种要与戏剧里面其他的艺术品种共同的表达, 做出最直接地共同努力, 这样一来, 戏剧的真正戏剧性才有可能被想象出来, 戏剧的观念才有可能深入人心, 才能使得共同的观众对戏剧性达到充分的理解。一切艺术作品间的彼此沟通、融合, 互相了解, 最高的艺术性的目的不仅达成, 而且在观众心中也对其得到了充分深入的了解, 戏剧的目的得以实现。

由此可见, 最高的艺术性的作品就是戏剧, 就是瓦格纳认为的“戏剧作品”。真正的戏剧性是戏剧作品的必须具备的条件, 没有了真正的戏剧性, 戏剧作品也完成不了, 更不用提在观众心中的认可问题。所以, 真正的戏剧性是构成戏剧的必要条件, 是未来艺术作品不可或缺的前提条件, 是它的基本特征之一。

三、戏剧意图的明确性

戏剧意图是存在于具有真正戏剧性的艺术作品中的, 只有真正的戏剧性才能够实现明确的戏剧意图。在讲述这一问题时, 瓦格纳论述了戏剧意图的指向问题, 更多强调的是戏剧意图能够实现的条件。

他认为, 戏剧意图是戏剧唯一的意图, 是其真正的艺术的意图。9戏剧意图的实现, 首先是建立在舞蹈艺术、声音艺术和诗歌艺术这三姊妹艺术统一起来的艺术作品之上的, 也就是强调戏剧作品的存在是先决条件。其次, 在戏剧作品存在的前提之下要想完成明确的戏剧意图, 在选择这些艺术作品方面也有一些必要的条件, 那就是要选准合适的艺术作品。就它本身而言, 它必须是真正的艺术作品, 就它的对象——观众而言, 它又必须是观众能够了解的, 最为普及的艺术作品。

三种姊妹在为戏剧意图的实现问题上贡献出很大的力量, 普及的、大众化的、真正的艺术作品成为了表现戏剧意图的载体, 为公众体会其明确的戏剧意图起到了积极性的作用。瓦格纳不仅强调艺术作品戏剧性的重要, 而且他还很注重艺术作品的实际应用, 也就是观众对其的认可接受。以上讲述的两点基本特征——自由的艺术性和真正的戏剧性, 都是归于未来艺术作品基本特征之中理论层面上的, 而这里讲到的戏剧意图的明确性是未来艺术作品特征当中实践层面上的。理论总归要在现实实践当中运用和检验, 所以他把明确的戏剧意图看作是公众对戏剧的理解问题, 把明确的戏剧意图同样看作是检验未来艺术作品成立的标准之一, 也是未来艺术作品的基本特征之一。

四、管弦乐队的重要性

众所周知, 瓦格纳在管弦乐配器方面有着自己别具一格的特点, 他或追求宏伟气势的音响来表达激烈的战争场面;或追求委婉纤细的音响来展示人物内心细腻的情感……

在瓦格纳的专著中, 对管弦乐队给出了非常精彩的文字描写, 他把管弦乐队比作成“一个拥有无可估量地多样化的和声的生气勃勃的物体”;比作“音乐孤独状态中能够胜任无可估量表现的一台道具”。1 0笔者通过对该部分的熟读, 发现瓦格纳在谈论管弦乐队时涉及以下几个方面:首先是管弦乐队本身的问题, 其次是管弦乐队的功能问题。

管弦乐队是音乐在孤独状态下被作曲家构造出来的, 它主要运用多样化的和声手法, 来写作旋律音调。管弦乐队有着取之不尽、用之不竭的源泉, 它有着十分强大的功能:

1、表演者的环境基础。

虽然说建筑设施为表演者提供了置身于物质的自然环境的机会, 但瓦格纳认为能够使得自然环境永不枯竭的源泉却是管弦乐队, 它为表演的个人提供了环境基础。

2、情感表达的土壤。

在表达情感方面, 管弦乐队有着十分强大的优势, 无穷无尽的力量, 它不仅可以通过不同乐器的演奏, 丰满地表达演员的个人情感, 或是细腻婉约, 或者柔情似火, 或是义愤填膺等等, 还可以把真实场景中僵硬的、呆滞的画面活灵活现的展示出来, 流动柔美的表达加深了人们的印象感受, 身临其境的感觉油然而生。

在瓦格纳的心里, 管弦乐队的作用是巨大的, 尤其是在表达感情方面, 它不可能被其他所取代, 因此它是未来艺术作品得到公众认可的保障, 是未来艺术作品的基本特征之一。在上述讲述的未来艺术作品的四点基本特征中, 每一点都不可或缺, 都各行其职, 各干其事, 相互补充, 共同为未来的艺术作品贡献自己的力量。

参考文献

[1]廖辅叔:《瓦格纳论音乐》, 上海音乐出版社, 2002年5月第1版, 第65页。本文是通过阅读此书归纳出文章的主要观点, 因此《瓦格纳论音乐》是本文的主要参考文献。

[2]同上, 第63页。

[3]同上, 第74页。

[4]同上, 第74页。

[5]同上, 第108页。

[6]同上, 第99页。

[7]同上, 第109页。

[8]同上, 第138页。

[9]同上, 第147页。

电脑艺术设计未来发展趋向 篇2

论文摘要：本文主要从电脑艺术设计在当今社会中的广泛运用及需求，来阐述电脑艺术设计专业在人才培养和就业方面的一些看法和观点。

目前，我国将电脑艺术设计广泛地应用于各个艺术设计领域，从工业设计、平面设计、建筑设计、室内设计到影视动画、电脑游戏„„等等。由此可见电脑艺术设计专业市场前景甚好。电脑艺术设计专业的人才培养和就业已成为人们关注的焦点。如何来培养电脑艺术设计人才呢?他们的就业又将是一个什么样的处境呢?因此我借鉴许多前辈的优秀经验和观点阐述了我对电脑艺术设计人才的培养和就业趋向的一些看法。

一、专业教育的改革与实施

电脑艺术设计专业起步晚，发展快。我们要从社会实际需要出发，按照“实际、实用、实践、必需、够用”的原则和专业技能培养的实际需要，对课程设置作一些调整，突出技术应用能力培养。在设计教学中，注重理论教学，突出技能培养，通过计算机辅助设计教学，使学生具备运用计算机辅助设计的能力，适应人才市场需求。在教学过程中，以校内操作实训室为依托，让学生在学中做，在做中学。通过实践，提高动手能力，初步掌握设计的流程和制作工艺。而我们在具体教学设计中，难以确认固定的秩序和搭配关系，因此拘泥于课堂常规教学形式，无法满足市场的希望。因此鼓励教师带领学生走向社会、走向企业，使专业必修课在工作实践中完成。为保证实践教学和学生就业的落实，可以和一些用人单位挂钩，建立校外实践教学产学研合作基地。毕业设计采用顶岗实习方式，让学生以设计师的身份到产学研合作单位参与项目的开发和设计，做到“实题实做”。即由学生动手完成实际设计项目，又使学生在项目中学习设计和管理，在实际工作中完成设计作品完成毕业实践、毕业设计。

二、电脑艺术设计在平面广告中的运用

电脑艺术设计无论从排版到字体设计还是到图形图像处理上，都为平面设计注入新的血液。电脑艺术设计对平面设计的影响不仅是表现在技法上，还从设计师的初步定稿到对整体设计的控制、印刷制版以及和客户的沟通，都取代了传统平面设计中繁复的制作工作。电脑艺术设计给设计领域带来了一场翻天覆地的变革。

电脑艺术设计的加入使得广告设计、报纸设计、杂志设计、招贴设计、标志设计、包装设计以及企业形象设计等更具有多元性。走在喧嚣的都市，放眼过去都是色彩斑斓的各种海报和形色各异的各类广告，比如服饰、小商品、房地产、招生、饮料、计算机、电影海报等等，构成了一道美丽的风景线。特别是海报，它是某一特定商品、某一特定商业活动进行商业推销的制胜法宝。商家为了使自己的商品有好的销售，给自己带来丰厚的利润，到处进行广告宣传，为了达到最好的宣传效果，将广告贴到人口流动比较大，引人注目的位置。因此制作精美而又有创意的画面成为各大商家首选。过去，我国的商品在国际市场上总是被嘲笑，老外戏称咱们中国的商品是一流的产品，二流的包装，三流的价格。现在，由于电脑艺术设计的加入，我们产品包装外观的设计达到了相当精美的程度，包装内在质量也得到空前的提高，减少了由于不美观外包装和包装质量问题所造成的经济损失，也基本上改变了“一类产品，二类包装。三类价格”的旧貌。电脑艺术设计的出现，并运用到平面设计领域后，便以其独特的语言给平面设计创造了一种前所未有的表现形式，极大地拓展了平面广告的创造空间。它在很大程度上改变了传统的设计观念和方法。

三、电脑艺术设计在网络广告中的运用

随着互联网的迅速发展，电脑已普及到亿万家庭，网络广告逐渐成为网络上的热点，无论是网络媒体还是广告主都对其充满冀望。网络广告作为所有网站的一项重要收入来源，而网站的点击率和浏览人群是广告主投放广告的依据。因此网站要吸引多的浏览人群和广告客户就必须有一个精美的网站，于是就需要设计师进行网站的建设和设计制作。

当前，我国还基本处于广告设计人员与网页制作人员相脱节的状态，即广告设计人员不懂制作网页的知识，网页制作人员欠缺广告专业知识，因此电脑艺术设计专业毕业的学生正好符合其需要。因此电脑艺术设计专业的毕业生正好可以把握好这样一个契机。

四、电脑艺术设计在建筑设计领域中的运用

电脑艺术设计在建筑设计领域已经运用了较长的时间。建筑学上许多的传统理论通过电脑得到了延续和发展。随着电脑艺术设计在建筑设计方面的不断创新和发展。它能通过高度复杂的视觉方式来表达设计师对建筑的构思和创作。

看见艺术的未来 篇3

他们在角色转变中不断更迭视角，面对不一样的世界。

而最为弥足珍贵，或许便是其挥别校园的那一幅作品。

欣赏这些新锐的作品，恰如乘上时光的列车，

此刻你驻足的一幕风景，或许便成为下一位大师的曾几何时。

艺术的未来

这一年的毕业季悄然临近，许多艺术生或将结束自己的学业，走上职业艺术家的道路，至此便与高墙内的学生生活挥手致别。而在此之前，我们尚有一次机遇，去一览这些明日艺术家于校园内的“最后一笔”。

“看未来——重庆2013第二届高等院校毕业生油画作品品鉴展”开幕于一个淅沥的雨天，虽然出行不便，但展览现场——501艺术基地独立映像艺术空间却门庭若市，诸多艺术家，收藏家，媒体，以及市民均前来观展。本次展览集结四川美术学院，西南大学等七所高校的研究生、本科生的作品。在这些或写实，或达意，或淡雅，或热情的作品中，不难解读出各高校学生间的迥异风格，从而使这一次的展览更似将万象景致与不同思想汇于一处，借以舒展学生们对艺术的多彩见解。“川美学生的创作风格多样，而西南大学学生的作品题材多以人物、静物等为主，风格沉静。”本次展览艺术总监傅文俊如是说。

未来艺术 篇4

自从进入上世纪90年代, 不只是文字数字化的难题被先进的计算机技术所征服, 比文字更复杂的声音、图象也全部完成了数字化。报纸、广播、电视和书籍、杂志、电影等传统大众传播媒介在形式之间的差异正在缩小或消失, 人类社会开始正式地进入了以数字为主导的时代。数字媒体技术已经完全成为核心, 随着数字媒体技术的发展, 在设计领域得到了广泛的应用, 以及数字媒体的日趋成熟和完善, 大量的设计工作逐渐由计算机完成, 传统的手绘设计逐步退出舞台的趋势。现在人们对于手绘的忽视已经导致了许多错误认识的产生。首先, 工业设计的发展, 特别是在相对成熟的设计师和这些没有经验的设计师中, 都认为, 计算机是可以取代手绘的设计, 甚至认为是不需要学习或研究手绘创作, 这种观点显然是不正确的。

正确认识手绘和其重要性, 必须从研究传统重新审视设计艺术的发展历程, 只有理解其本质, 才会意识到任何设计都要为设计理念服务, 具体设计手绘或电脑, 必须服从设计要求。目前电脑是设计的主流工具, 但手仍然是设计思想的关键。我们不仅要熟练地操作计算机设计, 坚持手绘更是关键。我的研究的特点, 即说明不同设计对现代设计的意义。数字媒体设计的特点就是它的高效率, 方便于它的更改, 还可以大量复制、改变大小等。但是数字媒体设计的缺陷就在于它的思维模式的固定, 表现手法也是比较呆板的, 在某些方面的设计, 还是比较冰冷的, 没有生机, 不细腻。而手绘设计却可以在设计创作进行当中更有利于思维的创造性, 开阔性, 可以更好地表现自己的想法以及个性在里面。手绘设计从构思一直到成品, 它的任何一个细节以及每一笔都是设计者内心的释放, 灵感的花火。手绘在最初的阶段可能仅仅只是一个模糊的概念, 只是一个框架, 并没有血肉在里面, 而在一步步深入的过程中在血肉逐步生长的过程中也是设计延伸的一个过程, 从抽象思维到慢慢的具象思维的漫长的过程也是设计的成长、设计的完善过程。手绘是一个设计师成长的重要历练, 手绘的处理, 对于物体的塑性能力、明暗、虚实、颜色的搭配等一系列的手法都是一个设计师养成的重要条件。手绘也是体现一个设计师能力的重要因素之一, 想要成为一个成功的设计师, 手绘是必修的课程之一, 两者相辅相成, 缺一不可。

属于中国艺术的未来 篇5

今日美术馆馆长，中央美术学院博士，伦敦艺术大学博士访问学者，切尔西艺术学院客座学者。

经历了九个年头的大学生提名展终于开幕了，经过了将近半年的筹备、筛选，如今，优秀学生的作品正静静地陈列在展厅当中。今日美术馆自创办之初， 即展开了一系列探索与改革。在关注中国当代艺术、当代艺术流派及其关键人物的同时，更注重对有潜力的当代年轻艺术家的发现与培养。2006年，今日美术馆创办了针对大学生群体的公益艺术奖项——“大学生提名展”。九年中，我们持续关注年轻一代的艺术探索，关注他们给未来中国当代艺术带来的可能性。“大学生提名展”也伴随着一批批青年艺术家共同成长，其组织策划日渐成熟，运作体制日渐完善，成为青年艺术家踏入艺术殿堂的重要起点。

不同于商业艺术机构，作为国家认可的“民办非企业机构”，今日美术馆的任务不是盈利，而是推动中国当代艺术事业的发展。这样的美术馆和博物馆都有一个非常明确的存在意义，社会传播的宣导与教育意义。美术馆不仅仅是一个艺术品容器，而是一个切实记录艺术史、从社会主流推动艺术发展的地方。这个功能让美术馆成了一个国家，甚至一个城市必不可少的组成部分。而作为一个美术馆，只有为更多的艺术家提供一个平台，让越来越多的人关注艺术，才能实现自己的社会宣导和教育意义，丰富其社会功能以承担更多的社会责任。大学生提名展，无疑是今日美术馆无比自豪和骄傲的成就。从全国将近7000多件作品中选拔，囊括各大艺术院校的各大艺术门类，并且组成了豪华的评委阵容。

这一届大学生提名展的艺术品质量之高，连国外前来参观交流的教授们都嗤嗤称奇；更是高兴地看到学生们的作品越来越真实而准确地描述他们对这个世界的看法、他们的情感、他们的迷茫和失落，他们在这个看似喧嚣杂乱的世界中，慢慢地寻找自己，用艺术悄悄发出自己的声音。在他们的作品里已经逐渐看不到西方赋予中国当代艺术的那些特定符号，反而凸显了学生们独立思考的能力。青年艺术家们在文化领域的成就往往与他们所处时代受到的价值观冲击成正比，其原因并不难理解，社会价值观剧烈转变的时代总是能带出各种各样的社会问题，而这些社会问题都会被敏感的艺术家们吸收融化，作为素材体现在艺术品中。这也正是本次大学生提名展选用“思无界”这个名字的原因。

今年大学生提名展专门安排二号馆一层作为影像展区，希望提供更多的机会和空间给坚持用影像表达自己艺术情感的同学（影像艺术目前在国内，几乎很难被销售），做影像的学生要付出不亚于架上绘画的时间和精力，但是却很难得到应有的商业回报和社会认同。在给今年作品评分的时候，有一件影像作品深深地打动了我，作品的名字叫《听说》。影片的画面其实十分简单，就是两个人的对话。小小的影像里，艺术家随机说的一句话或一个词，盲童第一反应后的话语或理解。在海量作品评审时，我竟然不知不觉地看完了这件影像作品。在盲童的世界里，世界又是一个什么样子呢？这也许是我们每个成人都好奇过的问题。艺术家企图用艺术的方式表达看见与看不见，不同的世界精神空间，艺术家用她的作品平静而残忍地告诉了我们在视觉之外的理解距离。一些平常人司空见惯的词语原来是那么的特殊，一些我们以为的事原来不是那么的理所应当。“豪门”的意思是“豪华的门”、“宗教”其实不仅仅是“伊斯兰教”、原来“地铁”是“舒服”的。这件影像作品似乎有些过于残忍地把人们内心的柔软彻底打碎，向那个不可预知的黑暗世界发出邀请，一同面对，共同寻找生存在这个世界的迷茫、欢乐和价值。

另一件有趣的作品《撞 ji》则让人想起就不禁莞尔一笑。安静严肃的展厅里，时不时传来不规则的叫声，这种鸡在国外作为恶作剧道具，一直以其滑稽的叫声闻名，在一个布满艺术品的展厅里听到这样的声音让人牢牢地记住了这件作品。一个飞机头撞击一只发出惨叫的鸡，叫出了生活中地无奈与压力，这件作品用它独特的诙谐幽默成了全场最受大家欢迎的作品。艺术家的阐述很简单“我也更希望大家从现场叫声中听到什么。”

很高兴能看到越来越多的大学生能够独立将自己的艺术理念从生活中提炼出来，再通过艺术手法加工传递出去。大学生最大的优势就是他们的年轻，他们无所畏惧的艺术态度，总是渴望突破，寻找属于自己的独特艺术语言。他们不断地挑战着艺术的界限，希冀自己的艺术语言成为下一个被社会认可的艺术潮流。为此，他们必须像海绵一样吸收外来的能量，不断的自我完善、改正、突破。我在他们身上看到了无穷的可能性，非常欣慰，属于中国自己的未来维系在这群独立思考的年轻人身上。而作为一个美术馆的馆长，我也衷心地希望，将来有一天，我们能够为这群年轻人提供一个能够真正的“思无界，行无疆”的艺术创造环境 。

国内企业艺术品收优缺及未来走向 篇6

国内企业涉足艺术品收藏

国内企业涉足艺术品收藏最为轰动的案例,无疑要属在纽约佳士得拍卖夜场中万达以1.72亿人民币买下毕加索的名画《两个小孩》。而大连万达集团其实早在20世纪80年代中后期,就开始涉足艺术品收藏。他们此前主要收藏中国近现代书画名家、知名油画家以及当代艺术家,目前已经收藏了吴冠中、赵无极、吴大羽、石齐等多位现当代书画名家的多件精品力作。而此次购藏毕加索的作品,则是大连万达集团首次尝试西方艺术品收藏,并且一出手就如此的大手笔,因而立即引起各方的关注。大连万达集团的收藏策略是收藏那些他们认为作品有价值的艺术家的作品,收藏标准其实主要参照艺术家在美术史的定位,选择价值已经得到确立的艺术家的作品。并且,大连万达集团也正在北京建立自己的美术馆,他们准备将自己企业的收藏面向公众展示。大连万达集团的这次高调购藏毕加索的作品,可以看成是近几年国内企业艺术品收藏发展的一个缩影。

事实上,国内艺术品市场从不缺乏企业、机构的参与:2004年,南京天地集团在北京翰海春拍以6930万元将陆俨少的《杜甫诗意百开册》买下,创下当时中国书画的最高价;2005年起,湖南电广传媒每年固定斥资买进徐悲鸿、李可染等现代名家书画;2007年,泰康人寿以4032万元拍得陈逸飞《黄河颂》;2009年,新理益集团花费12亿元左右,买进了明代吴彬《十八应真图》等多件藏品;2010年,新理益集团又以3.08亿元拍得王羲之《平安帖》;2012年,凤凰出版传媒集团以2.162亿元拍得“过云楼藏书”……

“大型企业和机构进入市场是未来发展的趋势。”中央美术学院艺术市场研究中心执行总监马学东谈到。他认为,机构收藏的活跃说明国内艺术品市场进入了新的、更加成熟的阶段。“就像股票市场,过去以散户为主,市场显现出一种无序、稍显混乱的状态;而有了机构参与之后,市场的购买力在深化,各个层次的艺术品都有了自己的购买人群,这对艺术品市场的健康发展很有好处。”在他看来,现阶段的国内艺术品市场属于散户和机构并存的时代,未来市场仍会是这样的格局。

“首先是买家群体丰富了,需求增加了,参与的力量和购买力都强大了。市场的分级会越来越明显。资金实力雄厚的企业和机构或者‘团购’意义上的艺术品基金,会更多地出现在拍卖市场上,购买一些精品。”

企业收藏艺术品益处多多

企业做艺术品收藏不仅是企业资产配置、财务安排的得力手段,而且还是对企业品牌、企业文化、企业社会责任的一种战略性建设,更是彰显企业文化形象和软实力最好的一种方式。

提及最早和经典的案例无疑要追溯到1959年美国摩根大通开始以企业的名义进行艺术品收藏,这项企业收藏事业的开启者是大卫·洛克菲勒。大卫·洛克菲勒作为公司的主管和一位狂热的艺术品爱好者,建议公司可以开始进行艺术品收藏,既可以来装点办公室,也可以同时鼓舞员工。迄今,摩根大通集团已经收藏了来自全球100多个国家的7800多位艺术家的近3万件作品,这些藏品分别收藏在摩根大通在全球的450个分公司中。摩根大通的艺术品收藏从萌芽到发展,主要是由于公司中一位重要人物对艺术抱有相当高的热情,当然这个重要人物既要有足够多的资源,又要在公司拥有最高的话语权,才可以促成企业艺术品收藏政策的建立。

企业收藏的发展,通常会经历如下三个阶段:第一阶段是企业负责人的个人收藏爱好形成规模后,最终转换成一个企业的收藏行为。此阶段艺术收藏发起人的个人收藏趣味和方向,在一定程度上通常会成为一个企业收藏的主题和未来发展的方向。第二阶段是企业收藏在数量和质量上达到一定的积累和水平之后,企业收藏会与企业开展的主营业务方向产生某种关联。比如国外很多知名企业尤其是奢侈品牌都有关注自己的品牌历史和文化,更有许多与之相关的收藏。这类收藏一般都有一个或多个大型主题,也会逐渐形成收藏的序列。第三个阶段是借助企业收藏,推动企业收藏制度的建设、艺术教育的发展。这时的企业收藏就不仅仅只是一个企业的自身行为,而是赋予了企业收藏更多的社会责任,发展到一定规模,企业收藏也会带动相关产业的发展。同时,随着企业收藏意识的增强和能力的提高,也会推动一个国家和地区对企业收藏、免税捐赠等文化政策的出台,促进艺术品收藏的多元化和良性发展。

将会向“私”到“公”发展

由于大机构、大企业通常有足够的资金用于系统性、规模化的收藏,很多人也期待未来国内机构收藏能够走出私藏的“深闺”,仿照西方机构收藏模式,行美术馆、博物馆之实,促进全社会的艺术教育。

“西方的机构收藏,之所以能转化为社会化的博物馆、美术馆,首先是因为遗产税等法规的引导,购置艺术品并建立美术馆,一方面可以躲掉遗产税,一方面可以保证藏品的整体性存在,子孙后代还可以依托于基金会拥有固定的职务、过优越的生活;而这方面的法规,我们目前是缺失的。其次,西方有着被社会各阶层普遍接受的基督教的博爱思想,文化中有‘公益’事业的传统,而对中国人而言,自古以来收藏家都是‘私藏’,东西是传给自己的子孙后代的。将‘私有’的藏品转变为‘公有’,对于当代绝大多数收藏者和机构来说,都是短时间内难以接受的事情。”季涛分析认为,对于今天中国的收藏机构而言,走西方的道路不是没有可能,但需要漫长的时间,机构收藏实现为社会服务是发展的最终趋势。

“其实国内机构收藏在艺术教育方面的公益性已经初步有所体现,很多企业和机构已经建设或正在准备建设自己的美术馆、博物馆,把他们的收藏拿出来与公众进行分享。然而收藏毕竟是个人行为,是否能由‘私’入‘公’还是看机构本身的意愿。”马学东说。他表示,针对眼下很多机构准备做民营美术馆开放收藏,政府应该出台对于民营美术馆的相关扶植、鼓励发展政策,同时也要把好审批的关,防止鱼目混珠,保障和促进民营美术馆的良性发展。

国内企业收藏存在的问题

正如马学东提到,国外的企业进行企业收藏可以免除或者抵扣部分企业所得税,但国内尚无类似的政策能使企业收藏艺术品获得部分企业税收的减免或抵扣。政府相关部门应该尽快出台支持企业收藏相关的配套发展和扶植政策,切实地鼓励和支持企业艺术品收藏的发展。

另一面,艺术管理专业在国内艺术高校设立的时间已经有十余年,但是面对国内蓬勃发展的文化创意产业、艺术产业,这些人才却满足不了日益增长的文化机构对于专业艺术管理人才的需求。因此,高质量艺术管理人才的缺乏也制约了企业艺术收藏的发展。

在国内企业收藏艺术品萌芽的过程中,除了外界的因素,企业本身也存在着诸多问题,具体表现在以下几方面:

1.目标定位不明确

国内很多的企业收藏依然属于临时性的行为,缺乏系统性的设计安排,容易受到市场面的左右,导致在收藏面貌上的重复和单一化。

2.决策程序随意化

由于国内企业收藏大多以民营企业为主,企业制度管理相对薄弱,企业领导者个人的趣味好尚往往成为企业收藏的决策依据,决策和程序的随意化制约了企业收藏的学术性高度。

3.藏品管理意识弱

藏品管理是企业收藏专业化的重要考核指标,也是提高企业收藏效用的重要依托,藏品管理既包括了如何做好日常的藏品登录、藏品保护等工作,更包括了藏品学术研究、藏品展览策划、藏品画册印刷出版以及藏品衍生品开发等内容,而目前国内企业收藏的藏品管理意识淡漠,管理队伍素质和专业化程度不高,从而直接影响了藏品管理的发展水平。

4.收藏亟待专业化

现在国内企业收藏处于一个“收”的阶段,还远没有达到“藏”的阶段。从“收”的角度而言,企业收藏什么样的作品,怎样通过合理的机制去有效建立起自己的收藏,这对于企业而言是非常重要的。如果仅依靠企业负责人的喜好就选择收藏什么类型的作品,或是仅凭借一两位专家帮助企业来建立收藏,这样的机制不能够保证建立起一个好的企业收藏。好的企业收藏是基于美术史价值判断基础上呈现出企业收藏价值观,在此基础上才会使收藏目标定位明确、富有特色。在建立企业收藏的过程中,企业美术馆必须先行在藏品收藏、藏品策划、藏品研究和藏品管理等方面做足功课。

5.缺乏研究

已经初步建立了企业收藏的企业或者集团目前大都还没有能够对于收藏的作品进行系统性深入的梳理和研究,艺术品的价值和研究对于艺术品而言很重要,对藏品透彻的研究才能更好地挖掘和发现艺术品的价值。因此,国内企业需要提高自身的学术研究能力。

结语

未来中国国内企业的艺术收藏将会继续快速发展,企业收藏艺术、赞助艺术将不会只是企业与艺术之间一种简单交换资源的方式发展,而是会更加强调双方的互动及参与程度。在企业赞助艺术的策略性合作规划中,企业的参与程度会逐渐增加,并且不再只是单纯的金钱资助和等着利用艺术所带来的附加值收成。未来企业收藏艺术的发展趋势将会是企业品牌与艺术品牌的对等合作、强调企业与艺术的互动也就是加强企业的参与度、企业与艺术都强调顾客的体验与参与、企业与艺术将会更多的跨界与多元合作方式。PR

未来艺术 篇7

年画是伴随着丰稔祭祀、驱邪禳灾为主要内容的年节风俗而产生的一种装饰艺术, 是民众民俗生活的写照。它的题材丰富, 涉及信仰、艺术、历史、民俗、文学等诸多领域, 是研究民间传统艺术及民俗文化的重要资料。另外, 年画继承了传统绘画技法以及绘画材料等, 也是研究中国绘画历史发展的宝贵资料。

1. 表现形式

在年画的发展进程中, 有些表现题材和表现技法从文人画中吸取营养, 文人画在发展中也吸收年画中的有益成分, 二者既对立又融合, 雅和俗互相对垒或揖让。尤其是现代, 新年画与传统的年画也产生了一定的差异, 不仅有许多专业艺术工作者参与其中, 而且年画在表现形式上也吸收了不少新技法。随着现代生活方式的改变, 年画的表现形式从原先具有较强的功利意义, 逐渐走向了具有独立的审美价值, 年画雅与俗的差别也在不断消失。

2. 题材

就题材而言, 年画可谓包罗万象, 它以民众喜闻乐见的题材进行创作以满足城乡民众的心理需求及节令农事的需要。粗略分, 包括神仙信仰、生产生活、戏文小说、吉庆祥瑞、风光景时、讽喻劝诫、时事趣闻题材等。如《天官赐福》《天地全神》《喜报三元》《连生贵子》《刘海戏金蟾》《财神进门》《八仙庆寿》《魁星点斗》《九九消寒图》等多寄托民众信仰及生活的美好愿望;如宋代苏汉臣的《货郎图》《五瑞图》, 李嵩的《岁朝图》, 佚名画师的《百子戏春图》《戏婴图》《闲忙图》《大傩图》《九阳启泰图》等反应社会现实, 与民间年画有异曲同工之妙。

二、年画的艺术特征

年画是一种雅与俗共赏的艺术形式, 与其他绘画相比, 它深刻体现了民间文化观念和道德观念以及民间审美观念。绝大多数年画是以功利性的精神观念的创作为灵魂, 这也是年画的起源。从年画的发生来看, 它是作为一种对自然崇拜的形式, 后来又成为人格化的体现, 随后又成为人们祈福禳灾、盼望美好生活的反映。年画画面的构图与布局不仅表现了年画的主题和内容, 而且对构成年画的装饰性、突出画面氛围等都起到了重要作用。构图追求饱满完整、匀称丰富, 从而使画面和谐统一。这与人们崇尚圆满和完美的心理有一定联系的。

1. 色彩

色彩的明快鲜艳是年画最突出的艺术特征。这一特征除了与色彩的视觉规律有关, 民间传统的文化观念和审美观念也影响了年画色彩的搭配和使用。在尊重观念的、历史的、色彩的前提下, 年画的用色也很讲究意境, 注重色彩的视觉冲击感, 整体效果鲜艳、热烈、明快、轻松既追求红火热烈的对比, 又注重和谐和统一。当然除了有色彩浓重、对比热烈和谐的年画, 也有的追求调和雅致的色彩效果。这些年画在使用较高纯度的色彩后, 常以粉绿、粉蓝、灰色、金色等加以调和, 又加上墨线的稳定和衬托, 因而画面素雅委婉、清淡雅致。即便如此, 也仍以绚丽、喜庆、丰富为主, 而那些用色沉闷、消极无力的年画深为人们所摒弃。

2. 表现手法

民间美术中的表现手法通常以象征寓意较为普遍, 尤其是在年画中的使用更为广泛, 是以谐音、比喻、象征等手法, 采用广大民众熟知和喜爱的内容, 表达人们的思想情感和愿望。如以桃子、仙鹤、松鼠、灵芝寓意长寿, 牡丹象征富贵, 石榴象征多子, 龙、凤、麒麟代表祥瑞, 等等。谐音是以读音相近的词组代表某些吉利祥瑞的含义。如以“莲”谐音“连”, 以“鱼”谐音“余”, 画莲花、鲤鱼寓意“连年有余”;“蝙蝠”谐音“福”, 画五只蝙蝠与寿桃, 寓意“五福捧寿”。寓意象征的巧妙不仅是年画中富有美学特色的艺术表现手法, 而且以其美好的寓意和深刻的内涵为人们所承传。直至今日, 这些富有吉祥寓意的图案已成为传统民间艺术的标志性符号。

三、西北地区年画

西北地区相对于中原地区而言, 属于偏远地区。然而就是这偏远地区也产生了丰富多彩的年画艺术。在陕西、甘肃、宁夏、新疆、等地都曾有过年画印制的历史, 不同地区的年画印制也各有其地方特色。其中甘肃庆阳年画以灯画最具特色。其灯画内容多以历史故事人物和神话传说为题材, 富有浓重传统的说教意味。《虞舜孝亲》系列灯画就是表现虞舜大孝的事迹, 借以感化人们。相传上古舜帝为民时, 曾躬耕于历山之下, 称“舜耕历山”。

宁夏年画的宗教色彩较为浓重。新疆年画据说是受天津杨柳青年画影响而产生。尽管新疆少数民族信仰伊斯兰教, 与汉族历法不同, 春节不贴年画, 但由于长期的年画交流, 在当地产生了尊重穆斯林习俗的年画, 题材为博古花卉、洋楼园林之类, 不画人物、动物等, 以求民族团结和睦相处。

随着时代的变迁, 战乱的影响, 以及人们的生活方式的重大转变, 年画市场渐趋萎缩, 年画产业也随之衰落下来。经历了“文革”十年之后, 能够完好保留的年画资源仍是凤毛麟角, 少之又少。我国西北地区属西部经济大开发区域, 分布有34个少数民族, 民间文化积淀和文化底蕴深远而厚重, 内容丰富, 形式独特, 今天年画流失或损害的程度如何?这些传统的民族民间文化与当地的经济发展的关联性如何?从国家层面上讲, 主管全国民族工作的国家民委应该如何应对?拿出哪些措施实行保护?都是值得深入研究和探讨的。

作为重要的民族民间文化遗产, 在这传统文化复兴的又一大好时机下, 许多有识之士正在呼吁抢救与保护年画, 以挽救这宝贵的民族财富。虽然过程艰难, 但无论如何, 作为重要的民族文化遗产值得我们品读、借鉴。

摘要：近年, 中国民间传统文化倍受国内外艺术界的关注, 像我国的民间信仰、农耕文化、地域文化、饮食文化等等。这个由社会底层的劳动人民创造的民间传统文化在中国人的心中根深蒂固。民俗文化是人民群众创造的最古老的文化, 因为它的根源追溯到人类发展的初始阶段。而年画同时也是最年轻的文化, 因为它仍然活生生存在于人民的日常生活和口碑之中。

关键词：民俗文化,年画,民间艺术

参考文献

[1]《中国民间美术》上海画报出版社.孙建军著.

未来艺术 篇8

手把手,绘画梦想色彩

三个小时的山路颠簸,漫长而曲折的行程也无法消退支教团队的兴奋心情,因为没有人知道在这个极度贫困、交通极其落后的山区小学中,同学们对这位“天外来客”和艺术支教老师们有什么期待。

“大家好,我是老师杨!”Andrew Yang以语法混乱的简单中文开场自我介绍,同学们却一听就懂了,并被他的真诚打动,露出笑容。第一天上午的公开课Andrew选择了进行open class (户外授课),他首先分享并引导大家讲出自己的梦想,并特地带来了自己创作的第一个布偶,向同学们绘声绘色地讲述自己童年的经历。同学们渐渐对艺术课产生了兴趣,Andrew Yang坐到孩子当中,手把手教他们运用色彩把头脑中的想象画到画纸上。一幅幅色彩斑斓的作品被萨拉族、藏族、回族与汉族的同学们慢慢绘画出来,这是他们的第一个艺术梦想之作。

废墟变多功能教室

一栋原本是慈善人士捐赠给孟达山小学的平房教学楼,却因为年久失修变成了学校的杂物房,长满苔藓彻底荒废。当MO&Co.支教团队的先头部队看到这座教室时,顿觉心痛,决定翻新改造这栋小楼房,将其拆分为三个不同功能的空间,包括画室、电脑教室和小型图书馆。除了捐赠电脑教室以及远程电脑艺术课程,MO&Co.这次更增添了搭建图书馆的构思,在教学平房中修葺出一个小型图书馆,将超过一万册艺术、人文、小说类的图书陆续运送到。因为路途曲折且交通极度不便,现在仅到了大概七千册,而同学们对这些丰富的书本已经产生了浓厚的兴趣,在这个光亮的小型图书馆中寻找自己喜爱的书籍阅读。

有了这个小图书馆,与有互联网的电脑教室一起,艺术支教便可以持续下去,不会因为MO-art支教团队老师们的来去匆匆而成为一个形式。而大家踊跃捐赠的书籍、画具在这个新改建的小教学楼中,成为同学们源源不绝的精神食量。

Andrew自编自导木偶剧

Andrew Yang为这次支教活动特地准备了一出布偶剧《Moon Goddess》,利用后羿射日与嫦娥奔月的故事,让同学们参与角色扮演,通过古老中国传说的改编与创作,为呆板单一的教学形式带来活泼新鲜感。Andrew让大家将桌子围成一圈,这个新的形式让孩子们雀跃起来,纷纷流露出跃跃欲试的表情。第二天的静物写生,Andrew Yang鼓励大家放开尝试不同的颜色组合。当看到贴满孩子们作品的墙时,我们感觉到这就是一幅由孩子们梦想组成的墙,这些色彩斑斓、天马行空的作品,代表了同学们放飞的梦想!六位老师分别选出他们最喜爱的作品,然后为孩子们颁奖,他们得到的奖品是我们带去的MOMO COCO娃娃!而最后,这些作品将被送去参加亚洲青少年艺术展,与其他国家地区同学们的作品共同展出。

爱无疆界,心系一起

未来艺术 篇9

不可否认这些画坛上迷惑世人的“流行歌”和“江湖把戏”时至今日尚起着不可忽视甚至是代表性的作用, 这就迫切需要我们发展形成一种认真而具有一定思想高度的新内画艺术体系, 担当起这一时代所赋予的神圣使命。

内画艺术不是才子佳人, 低吟浅唱的小把戏, 它应具有在其他造型艺术中所普遍存在的最高指归, 那就是艺术代表一个时代的精神, 他不仅是一个人思想风格的体现, 而更主要的是表达艺术家对宇宙人生的认识和关注。如果我们不否认做为一切艺术门类所具有的也应该具有的这一特殊使命, 那么, 作为其中之一的内画艺术在现今呈现的又是什么?事实却令我们很失望, 因为无论内画在形式内容题材上如何拓宽和丰富, 但最终所展现给世人的却是充当了其它造型艺术的附庸角色, 形成这一结果的原因不外有三:

一、表现形式

做为一切造型艺术门类, 均是采用各种独特的技巧方式来达到塑造形象的目的。内画可以说具备了自己的一套较完整的制作方法程序, 但表现形式尚没有达到或超越中西绘画中所采用的最基本的甚至是原始幼稚的造型手段, 根本谈不上丰富与创造, 如果说有区别, 那不过是将外面能自由发挥的基本造型手段搬至壶内这一有限的空间而已 (当然此过程不乏具有发明独创之处) , 但其最终呈现的仍然是严重重复着水墨画中的线、点、皴、染等处理方法和效果, 未有发明或强化任何具有表现力的技法, 总之我们在壶内所表现的无非是在运用或达到这些在其它画种内所采用的初浅的造型处理方法。这就造成内画制作技艺本身的精美与追摹物象程度之逼真而以表象取悦于人的偏误现象。内画之所以难以成就自身的体系, 关键之一在于缺乏有别于其它画种的独特表现语言。

二、精神内涵

由于现今的内画多为仿制之作, 我们均在远离生活闭门造车地单一描摹着事物的外在形态, 追逐着其精确与真实, 通过那麻木不仁不为所动的机械心态与操作过程, 呈现出充其量不过是摄像机所能起到的再现图像而已。而恰恰缺少一种内在具有感召力的精神世界的存在原因。由于这种争相比赛造像, 而不去比赛造境, 致使作品内容空洞, 苍白无力, 起到的不过是图解式的说明而已 (如百猫、百美等百字图) , 最终导致了内画进入了工匠绝技的误区。人们为能在这狭小的空间范围内, 不知采用何种超常的魔力编织与罗列众多繁杂的图像而惊叹, 以及为作者在时间上需付出巨大代价所折服, 从而确定她的艺术价值, 致使这种带有病态的内画成为一种约定俗成的规范性画种, 这大概就是内画难以超越工匠手艺的误区范围, 注定了她只有在艺术大门外徘徊而无力迈进的可悲命运。

三、题材范围

题材是代表一个画种所擅长表现的范围特征, 传统的内画是以擅长表现民俗传说、历史故事题材为代表的, 而现今发展的内画却冲破了这一传统禁区, 走上了“中西合璧”的道路, 亦或是师传上的误导, 亦或为收藏市场所取向, 还是因为我们大都缺乏最基本的艺术素质, 以及抱此谋生心态事之的原因, 我们放弃了原本聪慧的头脑, 争相追逐在前人为我们所遗留下的文化表层的浅显图像上。在长此单一的效仿乏味之后, 继而又将这双精巧但缺乏创造性的手伸向了西方及日本, 可谓上追晋代的顾恺之, 下效清末的任伯年, 东仿日本的浮世绘、西摹油画的写真术, 题材之广, 涵盖量之大, 真是盛况空前, 造成了在作品中很难辨别作者出自何人之手的现象。至于个性的发挥、风格的体现, 均被这股凶猛的摹仿浪潮所淹没, 即使某些作者少有创意, 别出心裁, 但因尚欠成熟, 所以均在不用程度内呈现着这种“它山之石”的赝品图式, 造成了只要内画自身 (应该说市场) 所能承受的题材, 一概照仿不误而失去自我的迷茫结局。

假如我们确定艺术的标准应首先建立在它具有的创造性和建设性上, 那么当今的内画呢?只不过是一门缺乏创造与生机, 严重地重复着其它姊妹艺术的“附庸画种”。

如果说科学揭示自然的内在规律, 哲学开启人类以智慧, 那么艺术应表现的当是自然与人的内在精神, 它起着冲撞与开启潜藏在人们内心深处的灵知作用, 悲鸿先生写马与可染先生画牛均是有一定寓意和象征性的, 古人写人写物无不注重挖掘事物内在的这种“形而上”的精神世界, 以崇高的激情赋予作品以丰富的内涵和使命感。相反近年来发展中的内画却逐渐在背离这一精神, 我们笔下的人与物除了如实反映一种自然的真实性外, 再也很难找到其他可品味的东西了 (如“中国鼻烟壶新貌”一书就很有力地证明了这一点, 恕不一一列举, 因此类作品俯拾皆是) 。“但不知失掉灵魂与血肉, 只余骨架与皮毛, 其僵死之命运乃理所必然”。

内画艺术如何才能走出这一困境, 获得新生, 我们也时常听到这样善意的“忠告”:“内画本来就是一种手艺活工艺品, 这是由它制作材料工具的独特及诉诸空间的局限性所决定的, 她岂能和其它绘画艺术相提并论”。不可否认这种对艺术规律缺乏深入认识的错误观点, 在当今仍起着不可忽视的消极作用。而另一种关心内画命运的观点则是:“内画必须和我们日常生活的实用相结合, 即把内画搬到我们生活中不可或缺的日常用品上”, 这无疑是将内画推到实用美术的边缘, 这不仅抹杀了内画自身的所特有的独立性, 反而使其成为了单纯而具装饰意味的商品。我们求发展不能建立在牺牲内画的自律性与独特性为代价的基础上, 既然我们确定她为一种以造型为表现艺术的画种, 就不能因为我们将情感通过艺术的表现形式尚未诉诸于宣纸或画布 (而是将其移植在其它媒体质料上) , 从而否认她存在的艺术特性。因为单凭塑造形象所使用的工具媒体和制作方式的各异不能决定她艺术的归属, 只能确认她艺术的个性特征, 更何况这不过是追求艺术途径的不同而已, 绝非目的。确定艺术属性的然与否, 首先应该关注你是否通过一种艺术上的独特运作过程, 表达了你的内心世界, 因为任何艺术均是人类思想的产物, 使我们借以抒发情感交流思想的一种手段和工具, 它终极的目的是将观者带入那画家通过艺术的表现形式所塑造和呈现的“精神家园”里, 使之窥探到他的忧思、悲欢、喜怒等对待自然人生的心境, 最终使观者得到哲理的启迪与精神的升华。

如果确定内画与其它艺术有着共同属性的话, 那么它的个

新时期社会主义和谐新社区建设之我见

——以吉林省双辽市为例

吴凤兰 (吉林省双辽市辽南街文体站吉林双辽136400)

随着中国经济文化的不断发展, 国家对社会主义新农村建设的工作越来越重视。同时也出台了一系列的文件通知, 实践证明了建设和谐新社区是当前落实科学发展观的客观要求, 是科学发展观在基层工作中的具体体现。同时, 建设和谐社区也是促使社会环境的稳定策略之一。然而由于我国的地域差异、民族文化不同、经济水平的不同, 在新时期社会主义和谐新社区的构建方法和策略上也必定不同。和谐社区的评价内容主要有社区服务、社区环境、社区文化、社区稳定 (就是安全问题) 、居民自治、党的领导等六个方面。那么如何科学有效地进行和谐新社区的建设呢, 这个问题摆在了我们的面前。近年来, 在双辽市委、市政府的正确领导下, 全市从实际出发、按照科学发展观的要求, 在建设和谐新社区工作上走出了自己的特色, 收到了较好的效果, 为了将其经验和做法进行推广, 笔者对其进行了思考与分析, 认为在新时期社会主义和谐新社区的构建上应对以下几个方面的问题给予关注和重点解决。

一、失地农民的再就业问题

随着城镇的快速发展, 一些农地被征用, 导致了一批原先以地为生的农民变成了无地的社区居民。然而, 经济上补偿不能长期性维持生活, 因此必须对其进行再就业的培训, 这也是减少社会不稳定因素的关键所在。双辽市相关部门看到这一问题, 并高度关注城乡弱势群体生产生活, 尤其在关系到群众利益的问题解决上给予了政策性的倾斜。组织相关部门制定与建立健全失地农民的教育培训机制、就业服务机制、社会保障机制等突题。通过积极开展产业扶持机构, 多渠道为失地农民的生活找出路、寻机会。如, 组织失地农民到外务工等。与其同时, 市委、市政府非常关注“完善低保、优抚对象优待抚恤、五保供养和救灾应急援助制度”的健全工作。形成了以市政府委主导、其他社会部门共同参与的管理体系。例如, 农村福星工程、党员结对帮扶工程、整村脱贫工程等有效的实施。

相关主管部门在双辽市委、市政府的领导下坚持在发展中解决就业问题、认真落实再就业的各项扶持政策, 通过培训职介机构为农民寻找更多更合适的就业机会, 通过辖区的职业教育资源的有效整合 (如卧虎职业技术学校的资金投入) , 加大失地农民劳动力的新技能培训。这一系列的动作落实, 使全市失地农民的再就业率大幅度提高, 实现了征地、拆迁的平稳过渡, 加快了双辽市的城镇建设步伐, 也提高了城市的发展步伐。

二、社区居民自治问题

实践证明新时期社会主义和谐新社区的构建不仅仅需要从上到下的推进模式, 还需要从内向外的构建模式。社区居民的自治就是这种从内到外构建模式的一种形式。居民是社区的主人, 社区环境的好与坏直接影响到居民的生活质量, 因此通过这样的性当是制作上的独特及表现空间的局限, “这个局限固然正是不同艺术独特性格的所在, 但不可讳言, 此局限可造成表现上的缺憾”, 如何弥补这一缺憾, 使内画走出困境, 从而突破工具材质与技巧所造成的阻碍, 那就必须使其在有限的空间表现出一种无限的境界, 使时间得以延伸, 空间得以拓展, 使其自身成为一种传情达意的工具, 从而达到具有活生生可感知的精神世界的再现目的。如果违背这一艺术的发展规律, 尽管自身的表现技巧如何精到和完美, 造像能力如何逼真, 充其量不过是“手艺”, “艺术如果不能传达经验, 沟通感情, 引发共鸣, 艺术就不能为人类所分享, 艺术的意义与价值也无从衡量”, 而那些“单纯追求细节精确的绘画是商业画家之所为, 而真正称得上是艺术的绘画应该致力于表现精神”。

我们多么需要重复古人“读万卷书, 行万里路”这一通向艺一种关系激发居民的自我管理的模式是非常有效的举措。通过对双辽市的经验分析, 笔者发现要有效的进行社区居民自治必须要做好这样几件事, 即:社区居民委员会的有效组建和相关制度的健全, 如, 建立《居民公约》和《社区自治章程》;社区事务听证制度和社区事务通报制度的建立以及居务公开制度的建立和实施。通过调查发现双辽市所辖的社区中有80%以上签有共建协议, 完善了共建机制。同时, 为了丰富社区居民的生活, 还要加大相关社区公益性设备添置和场地的修建。通过这些方面的落实, 加大社区居民的居住幸福指数, 提高社区居民的生活质量, 最终实现和谐社区的构建宗旨。

三、做好社区居民思想政治工作, 促进社会稳定

实践结果证明社区居民的思想政治工作开展的好与坏对社区文化形成针、社区稳定性等有着直接的影响作用。心理学上也讲人地行为是受意识所支配的, 好的意识形态将导致所做行为的积极性, 反之将是消极和负面性的。因此, 加强对新社区居民的思想政治工作是一件非常重的事。实践后的经验告诉我们社区居民的思想活动具有相当的独立性、选择性、多变性、差异性, 因此在进行具体的工作时要讲究方法和策略, 不能硬来、不能只注重说教, 要动之以情晓之以理, 多形式多方法进行。

在社区稳定工作上要以建设“平安社区”系列活动为载体, 立足“全员参与”, 坚持“预防为主、标本兼治”的工作原则, 积极进行新时期和谐社区的治安防控的体系建设。比如, 加大矛盾纠纷排查, 居民纠纷的调节机制问题等, 实现层层落实到位, 人人形成维护社会稳定的工作责任感。大力发展以村、街道和社区为工作抓手的共建体系, 以抓好村委会、治保会、调解会为契机进行社区居民的稳定工作落实。努力实现“以基层党组织为核心、群众自治组织为基础、基层政法组织为骨干”的社区稳定维护网, 将不稳定因素消除在萌芽之中。工作中始终要坚持“三个贴近”, 用“三个代表”重要思想, 占领思想阵地, 对社区居民进行思想政治的宣传、教育、提高、组织、动员等。

总之, 要加强城乡基层自治组织建设, 必须从建设和谐社区入手, 使社区在提高居民生活水平和发挥服务作用, 在维护社会稳定、为群众创造安居乐业的良好环境上发挥促进作用。

参考文献:

[1]李德军.城市和谐社区建设研究[J].才智.2010 (14)

[2]李世泽.和谐社区建设的路径选择[J].广西社会主义学院学报

[3]应葵花.繁荣社区文化构建和谐社区[J].科教文汇 (中旬刊) .2009 (05) [4]陈虹, 俞晓敏.关于构建和谐社区的发展思路[J].中共南昌市委党校学报.2006 (06)

术高峰不可或缺的过程, 以提高自身内在的素质与修养, 因为艺术最终体现和需要表达的正是这一画外修养。唯有我们思想达到一个较高的文化层次, 才有可能提高作品的思想力度, 开拓和打破她表现上所带来的局限, 扩充作品以视觉范围, 使有限的语言产生无限的境界, 这当是我们为内画艺术的未来勾画的前景。

亚文化：艺术与未来 篇10

近日，由中央美术学院发起，中央美术学院美术馆策划主办的“首届CAFAM未来展”正在中央美术学院美术馆举办。满满当当的展厅内展示了近百位来自全国各地的青年艺术家们的作品，架上、装置、影像.……无所不包。这是从80位全球重要美术馆馆长、批评家、策展人、艺术家、艺术媒体和机构负责人所提名的290位艺术家中挑选而出的93位代表人物，近200件作品汇聚一堂的目的只有一个——意在对当今青年艺术生态做田野式考察，分析、研究当下及下一个阶段华人艺术的趋势，鼓励青年人的艺术语言探索与新方式的推进。重点考察新生代艺术家在今天的全球语境、文化格局、生产方式之下的，属于这一代人特有的“艺术方式”。从这个意义上讲，展览本身已经超越以往的展览模式，它更像是一个“未来中国艺术趋势报告”。

青年亚文化，是伴随着现代社会形成才出现的新术语，并最终在城市化、工业化和消费社会的进程中获得了相对稳定的人群区分和理论建构。其特点是：抵抗性、边缘性和风格化。根据这一青年文化的特质，结合中国当下青年艺术生态现状，本次“亚现象——中国青年艺术生态报告”展览归纳出蔓生长、自媒体、微抵抗、宅空间、浅生活、未知数六种视觉修辞。

蔓生长是借助自然界植物枝茎生长的象征性隐喻，将青年一代艺术家的自我选择、自我认同、自我放逐的生存方式，比附为滋生、攀引、缠绕、蔓延的成长状态，具有多样、野生、杂乱、繁复、顽强的意味。不像上世纪50、60年代出生的艺术家，他们在稳定的计划经济与社会压抑中生存，在政治运动中被规定性地接受时代的裹挟与摆布，从而在创作中，表现出对国家命运的直接关注，或将问题意识表述为“环境”支配的无能为力的痛苦。当代青年艺术家是在比父辈相对稳定的政治环境中长大成人、在不确定的经济与价值观的社会生活中体验人生，当新一代已经有机会在一种普遍的、碎片化的个体命运中展开自身的选择时，他们的作品反映出与过去不同的、多样化的 “蔓生长”方式，意在建构自我的自由世界。

自媒体则是大家所逐渐熟悉的一种全新的生活方式，随着人们越来越多地使用互联网、手机、微博、iPad等新技术手段进行阅读、发布信息、传播图片、发表言论、交流咨询等活动，人人都有机会拥有了属于自己的媒体平台。这种新技术造就了新一代人感知世界的方式和机会，他们在网络世界里不断与各类异质群体展开互动，参与着甚至左右事件的传播、演变以及影响着他人的生活。这种新的社会化媒体和社交方式带来了一种不同的社会关系，这种社会关系又反过来会影响独立的个体。但他们并未因此解放自己，使自己获得真正的独立性或者个体存在的荣耀。相反，自媒体的出现增加了他们的不安和困境，造成某种程度的自我认同焦虑症和迷失感。

微抵抗是个体行为的自我调节，体现着含蓄的批判性、社会问题的揶揄以及一种不合作心态，折射着个体价值的自我确认。这类艺术家们往往选择嬉皮式、无所谓式地对主流文化予以无视和消解。

宅空间则是指在当代都市中的个体的悬隔状态，它自足于自我想象、自我完美，阻隔社会聚变下的心理震荡，在个性化的虚拟世界里存在与抉择。青春世界的想象与消费主义的双重力量，连同其生机勃勃与厌倦不堪是他们主要的内心冲突。这些阳光的、自我的、理想的、立志的、忧伤的、反叛的、放纵的、出轨的、穿越的青春体验，构成了他们作品主要的题材内容，并成为他们创作的出发点和选择。

浅生活指生活的多样选择超出以往想象，青年一代在轻松、调侃、放松的姿态下重新解構与建构着自我的生活状态与行为意识。他们的创作没有界定，不设终极，而是一种“浅生活”或“泛生活”的存在状态。这种自我抑制或自我放任的艺术转化，触及了一种情感上或者心理上的真实，也许，他们希望抓到的正是“不确定”，而并非如以往几代艺术家那样，重视艺术与作品本身的“确定意义”。

最后一类未知数，其实最难界定含义。作为在青年一代艺术中，对艺术语言具有实验性、突破力的创作，但又暂时难以归类的，都可以以此概括。

为了满足“青年”的条件，这次展览入选艺术家以35岁为限，都是1977年以后出生的人。除了年龄上的选择因素，相同的成长背景，出身自专业美术学院的学习模式等，使得这群活跃在当今艺坛的年轻人，有着直接或博弈的关联。