中国歌剧艺术（精选9篇）
篇1：中国歌剧艺术
中国歌剧表演艺术的民族特征
歌剧表演水平的高低直接影响到一部歌剧作品的成败，可以说，表演是对歌剧的二次创作。歌剧作为一种独特的艺术形式，它凝聚了艺术的精华。对声乐演绎方法和舞台表演形式两大要素的全面把握是歌剧表演艺术的关键点。歌剧在中国近百年的发展历程中，已经和中国的历史和文化形成了紧密的融合，并受到中国传统戏曲艺术的巨大影响。在经历了几代中国歌剧艺术家的不断探索和艰苦实践后，中国歌剧表演艺术的民族特征呈现出愈发浓重的民族特色，并收获了一定的国际影响力。歌剧作为中国表演艺术的重要组成部分，对具有浓郁民族特征的中国歌剧表演艺术的研究，对于发展和提升中国歌剧创作和表演艺术水平，有着重要的意义。
一、歌剧在中国的民族化进程
歌剧起源于欧洲，孕育于独特的历史人文环境。它是一种汇聚了歌唱、舞蹈和文学的艺术佳品，具有令人震撼的舞台表现力，并蕴藏着深厚的文化底蕴。歌剧艺术是在20世纪传入我国的。近百年间，我国的歌剧艺术家通过不断的创作摸索，形成了独具东方魅力的中华民族歌剧。《白毛女》《江姐》和《洪湖赤卫队》等作品是我国早期的歌剧作品，它们具有一个共同特点：都是基于民间曲调创作，且以红色故事作为剧本，这主要是受到创作条件限制以及作品受众群体的因素所致。民间曲调的歌曲曲调朗朗上口，老百姓耳熟能详，易于口耳相传。而红色的故事剧本则是因为其表演和传播区域主要是在解放区，受到当时特定的社会政治环境所影响。随着红色政权的发展壮大，直到新中国的成立，这样一种中国歌剧样式在20世纪中叶发展到了一个高潮。当时的中国歌剧作品以描述反帝反封建和近现代中国艰辛的革命历程为主要内容，经过一遍又一遍的精雕细琢而成的歌剧精品，成为百姓缅怀革命先烈的重要抒情载体，并不断推动着歌剧在中华民族化的发展进程。
二、中国传统戏曲艺术对中国歌剧的融合和影响
中国传统戏曲艺术起源于原始的歌舞，它融合了民间说唱、歌舞以及滑稽戏等多种艺术形式，是一种具有悠久历史的舞台艺术形式，是中国传统民族文化的精髓。中国歌剧则是在保留西方歌剧剧本的写实风格的前提下，融入西方歌剧音乐、美术和文学的艺术因素，并融合诸多中国传统艺术元素的中国戏曲的基础上发展而来的。所以，中国歌剧受戏曲的影响很大。《白毛女》称得上是中国第一部真正意义上的歌剧作品，其在融合西方歌剧的基础上，受到中国戏曲的影响很大。在《白毛女》的创作过程中，创作团队顶着巨大的压力先后尝试和探索了多种表现形式。在确定以斯坦尼斯拉夫斯基体系表演方法之前，创作团队曾经尝试过传统秧歌剧加戏曲和芭蕾舞电影的形式排练，这两种处于两个不同极端的表演方法效果都不甚理想。传统的秧歌剧加戏曲的表演方法过于原始，无法刻画出人物形象丰富的内心活动。而芭蕾舞电影的表演方法又过于注重生活实际，过度强调戏剧表演的合理性与真实性，结果就陷入了自然主义，效果也不理想。最终，创作团队选用了斯坦尼斯拉夫斯基体系表演方法，在表演过程中，一方面关注主人公喜儿的内心真实情感变化的演绎，另一方面又将传统戏曲当中的虚拟化表演方式融入进来，使整个《白毛女》的表演效果更为饱含真切情感，又能用虚拟化的表演方式唤起观众的想象，收获了极佳的效果。在《白毛女》的第三幕中，主人公喜儿得到张嫂的帮助，艰难地逃出黄世仁的魔爪。她在一路逃亡的路上，被一条河流给挡住了去路。剧中的女主角就运用传统戏曲的虚拟化表演方式，用肢体语言和表情语言向观众描绘出剧中的场景。这样一种摆脱实物的虚拟化表演方法，就是中国传统戏曲的常用表演方法。自此以后，中国歌剧作品在创作和表演过程中，都纷纷借鉴《白毛女》的表演方法，在歌剧演唱的同时，用肢体语言和表情语言将作品的表现力发挥到极致，充分体现出中国戏曲表演艺术所独有的韵味和美感。
三、探索美声唱法民族化，塑造民族特征
美声唱法又称柔声唱法，它起源于意大利，是现代东西方歌剧语言的主要演唱方式。中国歌剧表演对剧本语言演唱方式的借鉴起源就是意大利的美声唱法。然而简单的照搬照抄是不行的，这主要是语种的不同导致文字的发声方法不同，另外，中国汉字语言系统结构复杂，简单的照搬照抄会造成艺术感染力和表现力的弱化。如何恰当地将西方的美声唱法与中国的民族语言以及群众的审美观念融合在一起就成为了歌剧创作者和演唱者们不断尝试和探索的关键点。语言作为歌剧作品情感抒发的载体，不同的语种选用不同的行腔技巧对于歌剧表演的表现力和感染力有着很大的影响。依字行腔声情并茂以及字正腔圆是中国歌剧艺术家根据中国汉字语言特点研究出来的美声唱法表演原则，这也符合中国传统戏曲的演唱手法，形成中国式的美声唱法，为中国歌剧表演艺术的民族化道路指明了发展方向。中国歌剧探索民族化美声唱法的道路是艰辛而漫长的。坚持走民族化的道理，形成中国歌剧表演更具民族韵味，不可以照搬照抄他国的发展方式与理念。从事声乐工作的艺术家，要努力创建属于我们中国歌剧的民族学派。
四、中国歌剧表演艺术的民族特征
中国歌剧表演艺术的民族特征主要表现在对西方歌剧的借鉴和学习之后，受中国传统戏曲舞台表现手法影响而形成的特有表演方法或技巧。中国传统戏曲是经历了汉、唐、宋、金近千年历史发展起来的一种比较完整的艺术表现形式，人们对于传统戏曲抱着听故事和看戏的欣赏习惯已经根深蒂固。中国歌剧虽然借鉴于西方歌剧，但是传统戏曲对中国歌剧的影响巨大。使得中国歌剧表演艺术在借鉴和保留西方歌剧写实艺术风格的同时，也吸收了一定的中国传统戏曲程式性和虚拟性的舞台表演手法，并形成了中国歌剧表演艺术两个主要民族特征。
篇2：中国歌剧艺术
孟州市赵和镇中心学校
冯其艳
歌剧《白毛女》教案
课题：第三单元歌剧之夜 年级：八年级 教学内容：
一、音乐知识—歌剧的定义及歌剧音乐的分类
二、欣赏—《北风吹 》、《扎红头绳》
三、活动—
1、学唱《北风吹》
2、分角色演唱《扎红头绳》
3、舞蹈表演《北风吹》 教学目标：
一、引导学生了解歌剧的有关知识；
二、引导学生欣赏歌剧《白毛女》选段，领略歌剧艺术的魅力，感受音乐刻画的人物形象及性格；
三、学唱歌曲，表现音乐，加强学生对中国歌剧的喜爱之情。教材分析
本课主要欣赏的是中国第一部新歌剧《白毛女》中的二个选段，《北风吹》和《扎红头绳》。其剧情根据民间传说改编，采用了中国北方民间的曲调，吸收了戏曲音乐及其表现手法，并借鉴西欧歌剧的经验创作而成。教学重、难点
一、了解歌剧定义
二、学唱北风吹，表现歌剧音乐 课时安排：一课时
教学准备：多媒体课件、键盘 教学过程
一、教学导入
1、师范唱《北风吹》
师问：这首歌其实是一部歌剧的选曲，大家知道这首歌剧的名称吗？《白毛女》
2、师：歌剧是一门感染力很强的艺术，《白毛女》是在新秧歌运动基础上发展起来的中国第一部新歌剧。今天就让我们走近歌剧，一起去领略它的迷人魅力。
二、新课教学
1、音乐知识介绍（出示幻灯片）
歌剧的定义：歌剧是将音乐、戏剧、文学、舞蹈、舞台美术
等融为一体的综合性艺术，简单而言就是以歌唱和音乐来交代和表达剧情。通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序间奏曲、舞蹈场面等组成。
2、作品欣赏（1）作品分析
《白毛女》起源于晋察冀边区白毛仙姑的民间传说故事中的主人公“喜儿”，其因饱受旧社会的迫害而成为少白头，顾名思义被称作“白毛女”。
1945年延安鲁迅艺术学院据此集体创作出歌剧《白毛女》。这部1940年代抗日战争末期在中国共产党控制的解放区创作的是一部具有深远历史影响的文艺作品。出示幻灯片--白毛女的故事
学生叙述故事：在华北一个偏僻的农村，贫苦农民杨白劳的女儿喜儿与青年农民王大春相爱。地主黄世仁见色心动，逼债上门，强令杨白劳把欠他的六斗谷子利上加利，在腊月底前还他二十五元大洋，否则就以女儿抵债。当杨白劳拿着一冬的血汗换来的七块五毛大洋到黄家还利息时，黄要本利一起还，硬逼着杨自劳在喜儿的卖身契上画了押。杨心如刀绞，自觉对不住女儿，除夕夜喝卤水自杀。初一早晨，刚死了父亲的喜儿被抢进黄家。大春搭救喜儿未成，只身投奔红军。后喜儿在二婶的帮助下，逃出黄家，匿身深山丛林，在山上喜儿生下的不足月的孩子夭折了，非人的山林生活亦使喜儿
变成了一头白发。喜儿常去山中的奶奶庙取供果和香火，有人遇见，便传说遇到了白毛仙姑。两年后，大春随部队返回家乡，开展减租减息运动。为粉碎地主借白毛仙姑的谣言动摇民心的阴谋，十五之夜，大春等人潜伏在奶奶庙，寻找白毛仙姑，没想到这白毛仙姑竟是当年的喜儿。地主被镇压了，喜儿报了仇伸了冤。她重又回到自己的村庄，与大春建立了幸福的家庭，头发也渐渐变黑了。（2）欣赏《北风吹》
白毛女歌剧中的第一幕第一场的第一首歌曲。根据河北民歌《小白菜》与《青羊传》创作而成的。讲述喜儿盼爹爹回来和杨白劳躲账后回到家里的情景。问题
a这段音乐表现了喜儿一种怎样的复杂矛盾心理？（表现了喜儿高兴、喜悦、担心和盼望父亲回家过年的一种复杂心情。）
b歌曲旋律是怎样进行的，是上行还是下行？表现了怎样的情绪？（旋律下行，表现情绪低落、忧伤。）学生分组讨论，分析问题，得出问题结论，师总结（3）音乐活动：唱一唱《北风吹》1=E 出示北风吹歌谱--学生画出旋律线--跟琴演唱歌曲（4）欣赏《扎红头绳》
这段音乐表达了怎样的思想感情？
b
表现了喜儿天真活泼的性格和父女之间的深厚情感.（5）总结两段音乐的特点
(6)音乐活动
分角色演唱《扎红头绳》
（7）综合表演歌曲《北风吹》（找舞蹈特长学生展示舞蹈，其他同学跟琴演唱)
3、课堂小结-延伸
今天大家一起学习了歌剧的有关知识，欣赏了中国第一部新歌剧《白毛女》的两个选段《北风吹》和《扎红头绳》，下面考考大家
1、歌剧是将音乐、戏剧、文学、舞蹈、舞台美术等融为一体的，简单而言就是以和来交代和表达剧情。通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序间奏曲、舞蹈场面等组成。
2、是在新秧歌无能运动基础上发展起来的中国第一部新歌剧。
在课堂的尾声，老师布置大家一个课外作业
说说中国有影响力的其他几部新歌剧，请同学们在课外时间查找并欣赏
篇3：中国歌剧的艺术精神
一、中国歌剧
中国歌剧是中国艺术家对西方歌剧学习和借鉴的产物。“五.四”运动前后, 随着“西学东渐”的大潮, 西方的科学、文化、艺术以不可阻挡之势撞开了中国封闭的大门, 在这样的大环境下, 欧洲歌剧也不期而至, 但要在中国扎稳根, 必须将其本土化, 所以, 中国歌剧没有完全复制西方歌剧, 而是创造性的在西方歌剧的形式下融入了中华文化和地方戏曲等诸多因素, 形成了以中国元素为内容, 以西方歌剧表演为形式的中西结合的复合的艺术特色。
20世纪20年代, 黎锦辉创作的儿童歌舞剧拉开了中国歌剧的序幕, 在中国歌剧艺术家们不断的探索和努力下, 中国歌剧不断发展, 并在一段时期内, 创造了骄人的成就, 涌现出一批优秀的作品。如《白毛女》, 《红霞》, 《红珊瑚》, 《阿诗玛》, 《江姐》等。中国歌剧在一代又一代歌剧艺术家的不断探索中成长, 每诞生一部优秀作品都可能使它向前迈出一步。在未来的发展中, 仍需我们的歌剧艺术家不断学习借鉴中外音乐戏剧, 以充实并强大中国歌剧, 使其走向成熟, 走向繁荣。
二、中国歌剧艺术精神
艺术是人的创造, 马克思说:“人也按照美的规律来建造”。艺术品一旦诞生, 便被抽去了灵魂, 只有审美的感官才能对应出艺术的灵魂, 而且艺术品的灵魂只有在对映过程中才能在对映主体的大脑中呈现。这里所谓“灵魂”, 即艺术精神, 是即艺术精神, 是艺术品所追求并达到的哲学高度。
在短短的一百年时间里, 中国歌剧象一个初生的婴儿, 在一路坎坷中艰难的成长。回望他走过的艰辛历程, 显而易见, 中国文化是她“安身立命”的根本, 尤其儒道两家的思想可以成为她追求的艺术精神。
1. 以孔子为代表的儒家思想
众所周知, 孔子是儒家文化的代表, 其思想涉及治国齐家、处世为人、艺术修炼等方方面面, 影响中国发展两千余年。在礼乐方面, 儒家坚持“文质彬彬”的观点, 认为“文犹质也, 质犹文也”, “君子义以为质”。礼乐并重, 并把乐安放在礼的上面, 认为乐才是一个人格完成的境界, 这是孔子立教的宗旨, 所以他说“兴于诗, 立于礼, 成于乐”。艺术只有在人们精神发现中才存在, 徐复观说:“孔子可能是中国历史上第一位最明显而又最伟大的艺术精神的发现者”。《史记.孔子世家》中有“孔子学鼓琴于师襄”的记载。文中写到:“丘已习其曲矣, 未得其数也”、“丘未得其志也”、“丘未得其为人也”、“丘得其为人”、“丘得其为人, 黯而黑, 几然而长, 眼如望羊, 心如王四国, 其文王其难能为此也”。“曲”与“数”, 是技术上的问题;“志”是形成一个乐章的精神;“人”是呈现某一精神的主体人格。孔子对音乐的学习, 是要由技术以深入于技术后面的精神, 更进而要把握到此精神具有者的具体人格。对乐章后面人格的把握, 既是孔子自己人格向音乐中的沉浸、融合。由此不难理解“子谓韶, ‘尽美矣, 又尽善矣’。谓武, ‘尽美矣, 未尽善矣’。”仁是道德, 乐是艺术, 道德求善, 艺术求美, 孔子把艺术的尽美和道德的求善融合在一起, 使达到“美”与“善”的统一, 这是孔子以自己对音乐的切身体验而来的对音乐, 对艺术的根本规定、要求, 也是孔子倡导和追求的艺术精神。
《乐记》有言:“乐也者, 圣人之所乐也, 而可以善民心。”歌剧是音乐和戏曲的完美结合体。中国有五千年的灿烂文明, 在这五千年的历史长河中, 有无数为真理、为正义、为人民鞠躬尽瘁的英雄, 在儒家文化的长期熏陶下, 他们为了成仁、尽善, 用生命书写了可歌可泣的诗篇, 这都是中国歌剧创作的源泉。歌剧艺术家通过自己丰厚的文化素养、高尚的艺术修养、精进的专业素养, 将自己从中国文化中领悟的美善合一的艺术形象对映于歌剧作品中, 将自己追求的艺术精神渗入作品中, 从而达到以“善”的行为教育人, 以“美”的艺术陶冶人, 实现“为天地立心, 为生民立命, 为往圣继绝学, 为万世开太平”的宏愿。
2. 以老、庄为代表的道家思想
老子是道家思想的奠基人, 将老子思想发展到高峰, 形成道家正统的是庄子。老庄思想中的最高概念是“道”。他们所说的道, 既是宇宙的法则, 又是至上的人生精神, 而且也是一种最高的艺术精神。他们倡导学道、得道的艺术化人生, 道是他们生活、人生的全部内容。他们所谓的道, 扩宽了艺术家的世界观, 同时也为艺术开阔了视野。老子认为“孔德之容, 惟道是从”, 即人最大的德便是遵循自然、宇宙的规律, 一切按规律办事。庄子在对“庖丁解牛”的描述中也借庖丁之口阐述了自己的追求, 即“所好者道也, 近乎技矣”。一般而言, 解牛是纯技术性的行为, 而在庄子, 他刻画的庖丁解牛之特色在“莫不中音, 合于《桑林》之舞, 乃中《经首》之会”, 从而达到艺术性的享受, 实现道在人生中, 亦即艺术精神在人生中呈现时的情境。中国的歌剧艺术家若能潜心钻研老庄的学问, 领悟道的内涵, 按照艺术美的规律将自己的精神世界完满地化入歌剧作品中, 那么中国歌剧艺术的境界将会得到空前的提高, 不久的将来, 在世界歌剧艺术的海洋中, 中国歌剧的份量将会举足轻重。
歌剧艺术的魅力是无穷的。中国歌剧艺术尽管起步较晚, 但已取得了一些成就, 与西方歌剧的辉煌成就相比, 我们的成绩实在微不足道, 有很长的路等着我们去走。歌剧艺术精神是歌剧的灵魂, 我们期待有伟大的歌剧作曲家的降生, 创作出优秀的歌剧作品, 通过歌剧形式将中国的思想文化传播到全世界。
参考文献
[1]杨伯峻.论语译注[M].北京:中华书局, 1958
[2]陈鼓应.老子今注今译[M].北京:商务印书馆, 2003
[3]陈鼓应.庄子今注今译[M].北京:商务印书馆, 2003
[4]刘庆苏天啸.歌剧艺术发展史[M].北京:中国戏剧出版社, 2012
[5]徐复观.中国艺术精神[M].南宁:广西师范大学出版社, 2007
篇4：探析现代中国歌剧艺术创作特色
关键词：现代中国歌剧 艺术创作 创新 木兰诗篇
一、 中国歌剧的发展
“歌剧”是一种用音乐来表现的戏剧。它全部或大部分剧词都需要唱，还需要适当的器乐用来伴奏或烘托剧情发展。歌剧可以说是一种综合的艺术形式，是音乐与戏剧、文学、美术、舞蹈等多种艺术的结合，它的起源可以追溯到古希腊时代的悲剧，其直接来源与16世纪末意大利北部的宫廷娱乐活动以及在这个活动中产生的幕间剧。
1919年中国发起的五四新文化运动高举“民主”“科学”的大旗，提倡引进西方文明，歌剧也在这时传入中国。这时的中国音乐家们在接受西方音乐文化的同时，也对西方歌剧这种体裁形式结合着中国的国情以及民族审美习惯等进行着大胆的尝试。黎锦辉是最早开始从事歌剧创作的作曲家，他首先创作出了儿童歌舞剧这种体裁，在创作出第一部儿童歌舞剧《麻雀与小孩》，之后又相继创作了《可怜的秋香》、《葡萄仙子》、《小小画家》等12部不同题材、不同表现手法的儿童歌舞剧，在当时的社会产生了相当大的影响。可以这么说，以黎锦辉为代表的20年代是中国歌剧的“萌芽时期”。30年代进入到了中国歌剧的探索时期，这时的中国作曲家大胆尝试歌剧创作，他们注重借鉴西方歌剧的艺术形式，也在创作中坚持民族化，对中国传统戏曲形式的改良进行了大胆的尝试，如《岳飞》。不仅如此，这时的作曲家也服务于革命的需要，力求反应新思想，更加注重音乐的大众化，产生了聂耳田汉合作的贴近劳动人民生活，鼓舞中国人民奋勇向前的歌剧《扬子江暴风雨》，以及以安波的《兄妹开荒》、马可的《夫妻识字》为代表的反应劳动人民现实生活的秧歌剧等一系列小歌剧，为中国新歌剧的诞生积累了经验。
1945年在延安诞生的《白毛女》是中国歌剧探索中里程碑式的作品。它深刻的反映了社会现实，也使中国歌剧发展进入到一个崭新的阶段。它为中国歌剧的发展找到了属于自己的美学特色，也标志着符合中国人民审美的民族歌剧的形成。《白毛女》的成功实践给当时以及以后的中国歌剧艺术家带来了巨大的鼓舞，他们继续坚持走属于中国自己的歌剧创作道路，并相继创作出大量的优秀作品，有60、70年代创作的《江姐》、《洪湖赤卫队》等新歌剧，以及上个世纪末以及21世纪初创作的《伤逝》、《苍原》、《赵氏孤儿》、《木兰诗篇》等现当代歌剧。
二、 从《木兰诗篇》中看中国现代歌剧的特点
1.《木兰诗篇》的创作背景
《木兰诗篇》是于2004年由中国人民解放军总政歌舞团公演的大型歌剧，关峡作曲，刘麟编剧，首演由中国著名歌唱家彭丽媛和戴玉强担任主角。《木兰诗篇》在北京首演成功后便先后在国内外巡演，并于2008年在维也纳国家歌剧院成功上演，成为维也纳国家歌剧院自创立以来首次上演的唱词全是中文的中国歌剧，也从此奠定了《木兰诗篇》在中国歌剧舞台乃至世界歌剧舞台上的地位。
歌剧《木兰诗篇》剧情来源于中国民间代代相传的花木兰代父从军的传说，剧作家刘麟以最早讲述这个故事的乐府民歌《木兰辞》为基础，将剧情延伸并稍作修改，并以现代人的审美为标准来讲述这个大家耳熟能详的故事，为这个古老的传说注入了新的内涵并为其创造了更高的历史价值。《木兰辞》是我国南北朝时期的一首叙事民歌，这篇叙事诗以质朴的语言记述了木兰女扮男装替父从军，征战沙场十余年，凯旋回归，受封领赏以及最终辞官还乡的故事，将木兰赋予了传奇色彩。表现了木兰善良勇敢，纯真质朴，孝敬父母，热爱祖国，热爱父母的优良品质。《木兰诗篇》也由此表现了中华民族热爱和平，追求正义的崇高境界。它是中华民族向中国人民以及世界人民展现中国民族精神的法宝。
2.《木兰诗篇》中体现出的中国现代歌剧的创作特点
（1）以历史题材为创作素材
《木兰诗篇》以花木兰代父从军这个中国最古老的故事素材进行创作，这是中国歌剧最具历史性和民族性的特点。中国作为世界上最古老的国家，五千年的文明史给中国的艺术创作提供了取之不尽的素材，中国歌剧艺术家利用这些古老的历史素材加以创新形成中国现代歌剧领域中所特有的民族风格，从最早的歌剧《白毛女》到《江姐》以及之后的《秦始皇》、《西施》、《赵氏孤儿》等，都取材于中国古今的历史故事及传说。这不仅向世界展现出中国悠久的历史文化，还刻画出历代人民勇敢坚韧、自强不息的品格以及大气正义的民族气概，这是任何一种体裁都无法表现出的震撼人心的感染力。
（2）运用西方音乐的曲式结构以及歌剧创作手法
歌剧《木兰诗篇》一共分为“序曲”、第一乐章“代父出征”、第二乐章“军队生活”、第三章“巾帼情怀”、第四乐章“和平礼赞”五部分，歌剧描绘了四个场景，这也是典型的西方四幕歌剧。不仅如此，作曲家还借鉴了德国作曲家韦伯的“主导动机”的手法，将剧中两个主要人物花木兰和刘爽的主题贯穿于四个乐章，使整部歌剧更加完整，给人一气呵成之感。从歌剧传入中国以来，中国歌剧艺术家的创作就借鉴西方歌剧，取其精华，并加入中国民族元素，形成中西合璧的中国民族歌剧之路。
（3）以诗歌、戏曲等中国风为创作元素
《木兰诗篇》的创作是以南北朝著名的叙事诗《木兰辞》为基础的，在歌剧中，对古典诗词大量的运用，并对《木兰辞》加以引申和创新，不仅保留诗歌的叙事体裁以及古文中特有的古典风格，并加入新的散文诗等体裁形式的优美语言创编歌词，使歌词更加朗朗上口并且烘托了剧情的发展和人物情感的表达。如：几乎每一个乐章都贯穿着原诗中的开头“唧唧复唧唧，木兰当户织，不闻机杼声，惟闻女叹息”，并根据剧情加入新的歌词。古诗词在现代歌剧中被大量运用，就如歌剧《西施》中有些唱词就运用了《诗经》中的词，使得歌剧增添了不同的韵味。
《木兰诗篇》的作曲关峡是地地道道的河南人。作为中华文明的重要发祥地之一的河南有着悠久的历史，也在这片土地上出现了许许多多的历史人物以及传奇故事，木兰代父从军的故事就发生在这里。豫剧的《花木兰》也是众多以木兰代父从军故事为背景的艺术作品中的典范，一首《谁说女子不如男》也成为全国人民耳熟能详的曲调。这也使得《木兰诗篇》必定与豫剧元素紧紧相连。《木兰诗篇》中很多选段都以民歌以及豫剧的曲调为基础创作。最赋豫剧色彩的选段当属木兰唱段《假如我是个女人》其中运用了很多具有豫剧音乐的特色音程以及豫剧特有的乐句收束方式，不仅赋予了木兰像河南人一样的爽朗性格，也表现出木兰作为一个女人可爱俏皮的一面。这首唱段运用豫剧这种极具中国地方色彩的元素，与西方歌剧大气磅礴的咏叹调形成对比，这体现出《木兰诗篇》作为中国的民族歌剧中独特的韵味。像这样与豫剧艺术相结合的歌剧，既具有独特的民族风格，又能恰到好处的抒发人物情感，形象的表现剧中人物的特点。这是中国歌剧走自己道路的一个创新。
（4）用中国自己的唱法演唱歌剧
传统意义上的西方歌剧大多使用意大利美声的唱法，但在《木兰诗篇》中却并没有完全效仿西方歌剧，它不仅从剧本以及音乐中使用中国元素，在演唱方面也完美的呈现出它作为中国歌剧所独有的民族特点。这点从女主角的选择上就可以看出。从首演到之后的将近200场巡回演出，女主从彭丽媛到雷佳再到谭晶等，这些都是中国民族唱法的著名歌唱家，这些歌唱家的声音及唱法都不同于西方传统的美声唱法。她们的声音清澈明亮中又不失中国女人亲切婉约的气质，这种民族唱法能与戏曲以及民族音调巧妙的结合，能完美的呈现出花木兰作为中国古代女人所独有的特点，这样的效果是用国际化的美声唱法无法达到的。
不仅如此，在歌剧中演员用民族唱法将西方歌剧中所具有的二重唱、三重唱、合唱等完美的演绎，这也是中国歌剧一个开拓性的创举。也是中国的民族元素与西方歌剧结合下的产物。这也奠定了中国歌剧在世界舞台中的地位。
从上述的特点我们可以看出，中国歌剧中西合璧的特点，近百年来几代音乐家都受到了西方音乐的影响，在音乐创作中会吸取西方音乐大师创作中的精华，采用西方音乐的手法以及艺术表现形式，不仅如此，他们还致力于开辟中国特色的作品，在创作中加入中国元素，并随着时间的推移加入当代人的审美特点，从而形成了这种结合中国民族特点和西方传统文化以及现代文化艺术的这种具有多元特点的中国现代歌剧。
三、 结语
《木兰诗篇》选用古代历史题材，并首次将中国古代诗歌与歌剧结合，将中国歌剧融入了更多的民族元素。从2004年这部歌剧首演至今十多年间的影响力，可以看出，中国歌剧的创作手法和艺术表现方向是成功的，中国歌剧也渐渐走出国门汇入世界舞台。
回首中国近百年的歌剧之路，从盲目的引进西方音乐到结合中国实际情况加入民族元素开辟中国自己的歌剧之路，中间经历了百年。通过这近百年的探索，我国的民族歌剧也取得了举世瞩目的发展，中国歌剧也开创出了自己的道路——中国歌剧借鉴西方歌剧，取其精华，并与中国本民族的文化相结合，诗歌、戏曲、民歌等中国风的元素在歌剧中大量运用。不仅如此，在中国现代歌剧中，歌剧艺术家还加入了新时代的元素，在歌剧内容的改编和创作手法上跟上时代潮流，使其符合现代人的审美趣味。可以说中国现代歌剧是民族性、时代性与西方古典歌剧的完美结合。这便是适合中国人自己的歌剧之路，中国歌剧艺术家也会在歌剧道路上继续创新，会创作出更多活跃于世界舞台的好的中国歌剧。
参考文献：
[1]周庆恬.浅析《木兰诗篇》的成功对中国民族歌剧发展的启示[J].淮南师范学院学报，2011（4）.
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[3]卜大炜.“戏曲风格咏叹调”——《木兰诗篇》的中国歌剧音乐核心价值观[J] . Opera，2015（1）.
[4]潘琼.20世纪90年代后中国古代历史题材歌剧的多元化创作特征[D].华东师范大学硕士论文.
[5]王娟.歌剧《木兰诗篇》艺术美之探析[D].兰州大学硕士研究生学位论文.
[6]徐瑞岳、黄建健.试论中国现代歌剧艺术的形成与发展[J].徐州师范大学学报，2000（2）.
篇5：歌剧艺术教案
歌剧艺术
尹安丽050506001 一：教学目标：
1通过聆听歌据选段《清粼粼的水来蓝滢滢的天》和《这一仗打的真漂亮》感受和体验音乐情绪了解歌剧在音乐中的作用，了解我国新型歌剧的基本特点。
2通过舞剧、歌剧、音乐剧、话剧和高甲剧的对比欣赏让学生了解歌剧是一门综合艺术形式激发他们认识歌剧价值。二：教学内容
1《清粼粼的水来蓝滢滢的天》选自歌剧《小二黑结婚》 2《这一仗打的真漂亮》选自歌剧《洪湖赤卫队》 三：教学重点和难点
让学生初步了解歌剧的艺术魅力和艺术价值
2能够让学生积极参与体验歌剧音乐，开始喜欢它去了解它接受它。四：教学参考书
普通高中课程标准实验教科书《音乐鉴赏》 五：教具
多媒体、幻灯片、U盘 六：教学过程 〈一〉 设问导入
师问：在同学门印象中歌剧是什么？有没有会唱几句的？或能说出几部歌剧的名字？
播放音乐剧《猫》舞剧《天鹅湖》歌剧《清粼粼的水来蓝滢滢的天》话剧《雷雨》地方戏剧《高甲戏》选段录象，让学生判断哪段是歌剧。代入新课 ——歌剧艺术
〈二〉 认识与感悟
1播放歌剧《清粼粼的水来蓝滢滢的天》视频
2你们能够看出和感受到这段录象里包含了哪些艺术种类吗？ 学生回答：
师归纳：歌剧构成的要素囊括了当今世界上现存的绝大多数艺术品种，是以歌唱为主，综合音乐、戏剧、诗歌、舞蹈和舞台美术等艺术要素的一种形式。师问：那么歌剧起源产生的根源是什么呢？
师言：歌剧起源于悲剧最早可追溯到古希腊时期的悲剧，这种艺术形成是歌剧艺术产生根源。
第一个歌剧院的建立是在1637年于威尼斯——圣卡西亚诺剧院。3在听一便感受小芹当时的情感起伏。
师问：说了这么多现在知道歌剧最主要的表现艺术是什么了吗？
以歌唱为主的歌剧音乐
4在让学生门欣赏另一首经典歌剧《这一仗打的真漂亮》 思考：（1）具有怎样的风格特征？（浓厚的乡土气息和个性化的音乐形象）与前面一首歌剧《清粼粼的水来蓝莹莹的天》在演唱或形式上有什么不同？
前首歌曲采用独唱的形式来表示音乐，有北方的语言音调特征。而这首是用领唱、齐唱、合唱的形式，有湖北地方民间音调、浓厚的乡土气息和个性化的音乐形象 3再听一遍，让学生感受一下歌曲的音乐情绪表现感受如何？学生回答：
师补充：用灵活多样的音乐形式（合、齐、领）坚定有力的表现了赤卫队员乐观开朗的精神风貌。
4在播放《一道道水一道道山》让学生听感受一下，并给予文字解释和出示图片 七：扩展
1欣赏西方歌剧: 《晴朗的一天》选自歌剧《蝴蝶夫人》唱段感受西方和中国的不同的韵味。2播放《晴朗的一天》 3文字解释
《 晴朗的一天》是西方歌剧《蝴蝶夫人》中最著名的唱段，是世界名曲之一，常被女高音独唱家选为音乐会上的重要曲目
这部歌剧讲的是日本艺妓巧巧桑姑娘的爱情悲剧。
《晴朗的一天》是该剧第二幕中巧巧桑的咏叹调，描写在她的幻想中平克尔顿<她的丈夫，美国海军上尉>回来时的那种情景。她站在海滨的山坡上,遥望着丈夫的军舰飘着轻烟,驶进了港湾。丈夫下舰后急忙地向她奔来,呼唤着她的小名,要她快些投入他的怀抱的情景。在她幻想的美景中,她几年来所受的痛苦都全部忘掉了!歌曲的开头节奏舒缓甜美，描写了蝴蝶夫人幸福的心情，中段之后节奏逐渐趋向紧凑，结尾出现了旋律的高潮，生动地描绘了蝴蝶夫人此时情绪的热烈兴奋。4总结
篇6：中国歌剧艺术
教案
一、学习目标：
（一）在聆听中熟悉《清粼粼的水来蓝莹莹的天》（4分11秒）和《这一仗打得真漂亮》（3分10秒）这两首作品，初步探究这两首新歌剧选曲在歌剧中所刻画的人物性格，了解新歌剧音乐的一般特点，及其在歌剧中的作用。
（二）欣赏《清粼粼的水来蓝莹莹的天》《这一仗打得真漂亮》，并学唱片段，体验用音乐四要素形成的歌剧浓郁民族地方特色。
（三）聆听《蝴蝶夫人》（4分16秒）片段，对比中外歌剧作品，了解歌剧音乐的构成要素因时代、民族、地域、体裁、创作方法而异，重点作比较分析中西歌剧在题材、形式、风格的不同特点。
（四）在参与扮演人物角色歌剧片段的基础上，了解我国新歌剧的发展概况以及新歌剧的基本特征，进一步认识歌剧是将音乐、戏剧、文学、舞蹈、美术等融为一体的综合性艺术。
二、教学重点、难点
重点：在聆听和学唱中熟悉两首作品，了解新歌剧音乐的一般特点，及其在歌剧中的作用。
难点：体验音乐四要素对歌剧浓郁民族地方特色的影响。
三、教学内容安排
（一）聆听中熟悉《清粼粼的水来蓝莹莹的天》《这一仗打得真漂亮》，并学唱片段，体验音乐四要素所形成的地方民族特色。
（二）拓展欣赏《蝴蝶夫人》《图兰朵》中的一个经典唱段。
四、教学过程
教学步骤
教师活动
学生活动
导入
一、播放视频：独唱、表演唱、歌剧选段《清粼粼的水来蓝莹莹的天》片段，鉴别其不同的艺术表现形式。
二、提问
欣赏、辨别、归纳、分组回答
1、以上分别是什么演唱形式？
2、能否说出歌剧及该唱段的名称和产生的年代？
3、请哼唱出歌剧片段中一个乐句。
教学过程
新歌剧的时代划分及一般特点（PPT或看课本该内容说明）
观看PPT，了解新歌剧的时代划分及其特点
1、播放《清粼粼的水来蓝莹莹的天》与《这一仗打得真漂亮》，出示题板题。
2、播放两个歌剧音乐片段
1、聆听两个唱段，感受并说出唱段的速度、情绪变化的不同点（分组做题板选择题）。
2、跟唱两个唱段片段
根据旋律特点，鉴别音乐等要素对作品民族地方特色的影响。
3、各组推选、一位代表，选择你认为两个作品最能代表人物性格特点的一至两个乐句进行演唱，并可各抒己见。
播放（拓展）：《蝴蝶夫人》
讨论：对比中外歌剧作品，了解歌剧音乐的构成要素因时代、民族、地域、体裁、创作方法而异。重点作比较分析中西歌剧在题材、形式、风格的不同特点。
播放《图兰多》尾声
1、欣赏
2、小结：什么是歌剧艺术
评价：做好记分评价的组织工作，并决出胜负。
篇7：艺术瑰宝，歌剧的五年级作文
4月20日，扬子晚报的几位小记者一同赶往坐落在苏州工业园区金鸡湖畔的文化博览中心，一起去参加一次有趣的讲座——歌剧的爱恨情仇。原本只是抱着好玩、有趣心理的我，听完之后，使我对“艺术”这两个字有了更深层次的理解。
为我们演讲的是上海音乐学院图书馆馆长助理、副研究员韩斌韩老师，他知识渊博，对歌剧很有自己独特的看法。他为我们介绍了几部著名的歌剧，有：《茶花女》《弄臣》《图兰朵》《罗密欧与朱丽叶》《卡门》。仔细、耐心地为我们 一一讲解，让我们从不懂到清楚，又从清楚到熟悉，近一步了解歌剧，品读歌剧。
这次讲座勾起了我对歌剧的`好奇心。于是，我一回到家，便开始寻找关于歌剧的资料，观看《罗密欧与朱丽叶》等许多世界著名的歌剧。我认为歌剧将音乐、戏剧、文学、舞蹈、舞台美术等融为了一体，成为了一个综合性的艺术，是一个不可多得的艺术形式，令人眼前一亮。
篇8：探索中国歌剧艺术的发展历程
在中国, 歌剧是随着西方音乐的传入逐渐发展起来的, 在西方歌剧未进入中国之前, 可以说戏曲是最主要的舞台表演艺术。外国人把中国戏曲叫做北京歌剧。从某种特定意义上来说戏曲与西洋歌剧有许多共性, 二者都是歌、舞、音乐三种艺术形式的有机结合, 都是以唱词为主, 表现戏剧内容, 推动剧情发展的。但也有不同之处, 西方歌剧着重写实, 中国戏曲着重写意、传神;西方歌剧注重舞台背景的烘托效果, 而中国传统戏曲主要依靠艺人的表演才华;西方歌剧主要以作曲家专门创作的音乐为艺术表现手段, 而中国戏曲音乐多采用曲牌体或板腔体的结构, 所以中国戏曲与西洋歌剧显然不是一个相同的概念, 他们的形似而质不同。
“五四”以后中国的音乐家门在接受西方音乐文化观念的同时, 开始对西方歌剧这种体裁形式结合着中国国情和民族审美习惯进行大胆尝试。经历了萌芽期、探索发展期、里程碑期、高峰期, 使其渐渐与西洋歌剧接轨、成熟和完善。
萌芽期, 首先是黎锦晖的儿童歌舞剧, 这些作品虽然是为儿童写的, 而且也并不是完整意义上的歌剧, 但是他有情节、有人物, 有专门设计的独唱、齐唱、对唱, 以及载歌载舞的场面、纯舞蹈的场面、个人内心独白的场面。因此, 他基本上具备了歌剧的一些主要特征, 可以说是中国歌剧的雏型。为中国新歌剧的创作积累了经验, 揭开了中国歌剧发展史的第一页。
探索发展期, 从上世纪30年代开始的探索期内, 则有多种体裁, 多种题材的歌剧正式出现。在体裁方面, 有歌舞剧、音乐剧、秧歌剧、正歌剧等, 从形式上来讲, 则有对中国传统戏曲的形式的改造。人们不断探索西洋歌剧的这种形式如何于中国传统、与现实社会相结合, 如何为人民群众所接受。
一、吸收西洋歌剧形式的探索
1925年在北京上演的歌剧《观音》是西洋歌剧的完整形式在中国的最早探索。这部歌剧的演出服装是中国传统戏装式的, 但唱腔基本上是按照西洋歌剧的形式来写的, 此剧在北京上演后获得了一定的成功。随后歌剧《秋子》的上演为歌剧在中国取得的轰动的效果。《秋子》的剧本是根据一个真实的故事改编的, 它的音乐是按照西洋大歌剧的形式设计的, 属于分曲结构的大歌剧类型, 全剧无对话, 由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱以及序曲、间奏曲等器乐段落组成。演出阵容之整齐庞大, 在抗战期间前所未有。《秋子》的演出成为当时重庆音乐界的大事, 此间的评论认为“《秋子》接受的是意大利歌剧的传统, 虽说它尚未消化意大利歌剧传统, 但是我们的作曲家却至少制成立一个像样的歌剧了”。这部歌剧的开创精神和艺术上的大胆探索, 对当时中国歌剧的发展具有积极的影响, 是值得肯定的。
二、与传统戏曲形式相结合的探索
1936年《岳飞》上演, 大胆采用了中西混合乐队的形式, 以民族乐器为主体, 使用了小提琴、大提琴, 管乐器与钢琴的西洋乐器。剧中基本上保留着类似昆曲的舞蹈和唱腔, 剧中所采用的形式多是中国古典音乐和戏曲音乐, 容易被人接受。将中国传统戏曲进行改革以探求新歌剧发展的道路, 对中国歌剧的发展是非常有益的尝试。
三、关于小歌剧类型的探索
小歌剧这个概念在中国, 包括当时的歌曲剧、小调剧、秧歌剧、音乐剧等形式。这种形式在中国, 是在特定的历史条件下应运而生的, 它能够较为直接和迅速地反映现实生活, 通俗易懂, 适宜流传推广。其中《农村曲》和《军民进行曲》, 这些作品在音乐创作上进一步把群众歌曲与西洋歌剧中的经验结合起来, 在曲式上采用了重唱、合唱、朗诵唱、前奏曲等, 极大地丰富了音乐的表现力。秧歌剧在这一时期也得到了较大的发展。秧歌剧是将话剧、戏曲和秧歌揉和在一起, 在化妆、对话方面, 吸收了话剧的特长, 在歌唱方面, 更多地吸收了老百姓所喜爱的民间小调, 因此, 收到了比其他形式更深刻而有效的教育效果, 深受欢迎。出现了像《兄妹开荒》、《夫妻识字》、《牛永贵负伤》等秧歌剧, 这些秧歌剧在内容和形式上都有了新的发展, 有较为完整的故事, 分场多, 用人物的穿插来表达剧情的发展。结构较复杂, 在音乐上采用过场音乐、齐唱、对唱等形式表现剧中情节和人物感情。乐队方面在注意运用以中国民间乐器为主的同时, 也使用西洋乐器。秧歌剧的发展、探索为中国歌剧的发展提供了宝贵的经验。
里程碑期, 上世纪40年代中期, 中国歌剧的创作在多种途径探索的基础上取得了突破性的进展。延安的文艺工作者创造性地从新的角度、运用新的形式, 创作了大型歌剧《白毛女》, 深刻了反映了社会现实生活, 标志着中国歌剧的发展进入了一个新阶段。是中国歌剧史上第一个灿烂的里程碑。作曲家在民间曲调基础上吸收西方歌剧音乐性格化和戏剧化的创作经验, 运用人物主调贯穿发展的手法使音乐形象的塑造获得成功。在歌剧音乐中, 尝试使用了重唱与合唱的形式, 运用了和声、复调等多声部音乐手法;在乐队方面使用了中西乐器的混合编制。《白毛女》的上演收到了群众热烈的欢迎, 这种形式从我国戏曲中有所继承借鉴, 又有所发展和创新, 它符合我国广大人民群众的欣赏习惯和审美情趣, 特别是它的内容与人民的生活息息相关, 这些正是《白毛女》的成功之处。作曲家在民族民间音乐的基础上, 把河北梆子、山西梆子、河北民歌作为素材, 借鉴西洋歌剧的歌唱手法, 经过独具匠心的编排处理, 创作出了一部具有中国风格、中国气派、里程碑式的巨作《白毛女》。此后又产生了《赤叶河》、《刘胡兰》等优秀歌剧作品, 使歌剧领域在风格、样式、题材等方面都更加广阔。
1957年, 第一次全国歌剧座谈会召开, 按照“百花齐放、百家争鸣”的方针, 歌剧创作上又出现了一个高峰阶段, 涌现出了一大批歌剧, 重点应该提到的是《洪湖赤卫队》和《江姐》, 这两部歌剧在民族化方面取得了可喜的收获。歌剧《江姐》是中国民族歌剧的丰碑之作, 该剧优美的音乐旋律。鲜明的人物形象, 强烈的艺术感染力征服了无数观众的心, 成为久演不衰的民族歌剧精品。其中《红梅赞》、《绣红旗》、《五洲人民齐欢笑》等经典唱段影响了几代观众。
篇9：中国歌剧艺术
一、历史发展
京剧最早的形式是皮黄腔。皮黄腔源于湖北襄阳一带,二黄源于江西安徽一带,与戈阳腔有较多的渊源。清初时西皮成为汉调的主要声腔,来自江西的二黄与徽调相结合,汉班、徽班艺人同台演出而形成皮黄腔。1790年乾隆皇帝八十大寿,诏令四大徽班艺人进京祝寿,遂使通俗流畅的皮黄腔风靡京城,为清末京剧的形成奠定了基础。京剧在后来的发展过程中又不断吸收昆腔、吹腔、高拔子、四平调、南梆子等其它优秀的戏剧演唱和表演形式,不断完善自己而形成具有200多年历史的、在我国影响最大的、发展最快的、最为系统的一门艺术。
欧洲歌剧是从古希腊的戏剧中分离出来的,诞生于欧洲资本主义萌芽时期,已有400多年的历史。文艺复兴时期,人们向往着古希腊的文化,意大利佛罗伦萨有一位爱好艺术的贵族bardi,开始和一些文人研究如何复兴古希腊悲剧。有人构思剧本,有人翻译希腊悲剧唱诗队的歌词,作曲家根据歌词及想象创作音乐,他们创作了一些以希腊悲剧为模板的剧目。最早的一部是取材于希腊神话的音乐剧《达夫内》(daphne), 1597年非正式上演,人们把这件事看作是歌剧的诞生。“达夫内”的乐谱没有保留下来,现存的最古老的歌剧是1600年上演的《优丽狄茜》(eurdice)[1]。
从两种戏剧的发展历程来看,尽管它们最初都是当时一些贵族和风流雅士在宫廷里聚会(社交)时附带的一种艺术欣赏活动。但二者文化形态差距较大。中国的思想学派以儒家和道家为主,我国的哲学也是由老子和孔子开始的。在清朝的时候,儒学占主要位置,代表人物有孔子、孟子。孔子认为:仁,是人类的理想关系,是人的完美道德行为,人们应该接受适当的 “礼”的约束。孟子认为人性本善,只有私利压倒责任心时,他才会是恶的。儒家对音乐的要求是以实用为原则的,而道家则不同,从老子开始就具有一种缥缈浪漫的情结,老子认为“大音希声”,真正高尚的音乐应该是虚无的,难以轻易聆听的。如此看来,京剧中的那些反映现实的剧情,君臣父子的礼教就是儒学影响的具体体现,而其中道具、布景表演的虚拟,颇有些道家学说的影子。歌剧则是受西方哲学思想的影响。著名哲学家、美学家黑格尔认为,精神的本质是自由,它标志着自由的存在;精神的另一特征是自我意识。著名学者培根也认为,学者应该重视调查研究,不应当在空洞的思考中浪费自己的时间。在这种思想意识的指导下,西方歌剧的表演形式也向真实的方向发展,从而逐渐形成了一种力求在各个层面上都达到真实的审美取向。
二、艺术表现
(一)、表现形式
中国京剧与欧洲歌剧在艺术表现上既存在着相似之处,又存在着“质”的差别。
特定的演出场所——戏剧舞台是一个与观众所处环境不同的虚拟的“第二世界”。随着中国京剧的开场锣鼓的响起与西方歌剧院的三声开场铃声,观众“进入”与己不同的“第二世界”,去观看在虚拟时空中演绎的故事,在这一点上中西是相同的。从其舞台设置、时空表现来看,中西方的处理手法却截然不同。中国京剧舞台地点设置随意性比较大,可以是宫廷承应、贵族堂会或是民间戏园,甚至农村草台戏,一般也都有或大或小、或豪华或简陋的舞台。西方歌剧对舞台要求比较高,上演在金碧辉煌的歌剧院。
(二)、表现内容
中国京剧舞台演绎以虚拟为核心,写意性极强,舞台上只需要极其少量的道具。大道具虚拟处理,如车、马、船等,小道具则多用实物,如手帕、扇子等。在时空表现上更具有极大的自由度和灵活性,实少虚多。在京剧里,开门就用手做出开门的动作,其实没有门,但一看就是开门了。上楼,只要腿脚像上楼那样一走,就宛如上楼了。几个打旗的军士,就象征千军万马,在台上绕上一圈,就是千里行军了。京剧的写意表演,有些就是舞蹈。如在“白蛇传”一剧的水斗里,“虾兵蟹将”挥舞着旗子,就表示水的流动,他们翻跟头,就表示在水里交战了。
而欧洲歌剧受到现实主义戏剧的影响,舞台使用大量的写实性装置道具和布景,在时间和空间处理上受到三一律制约,不像中国戏曲那样自由,虚少实多。无论是传统的意大利正歌剧,浪漫的法国轻歌剧,还是20世纪的现代派歌剧,舞台布景装置、道具服装、灯光照明无不运用最新的科技手段,以追求舞台效果的豪华、绚丽和逼真,如威尔第的著名歌剧《茶花女》的第一幕场景:幕启后,我们看到的是薇奥列塔房中的客厅。舞台深处中央和左右两侧均有门。中门通向另一个房间。左边有壁炉,壁炉上方有一面镜子。客厅中央的桌上摆满美酒佳肴。宴会在欢快的舞曲声中进行。歌剧《塞维利亚理发师》中,要表现阳台就搭建了实景,理发师的手里也真的拿着刀具。欧洲歌剧的写实性反应了人们喜爱“逼真”的艺术,而中国京剧所表现“第二世界”这种高度的简约,好比中国画的“布白”,留给观众无限想象的空间,这正是中国人内敛、含蓄的民族性的体现。
三、以个人表演为中心和以演唱为中心的区别
(一)、中国京剧是以个人表演为中心的
首先,中国京剧的表演是按角色来分的,如生、旦、净、丑等诸行,各行有各行的表演程式。念白、上下场、动作、舞蹈、感情的表达、哭、笑甚至咳嗽都有严格的规范,这就是表演的程式。京剧的唱腔一唱三叹,节奏平缓,剧情进展缓慢。因此,中国观众除了要看剧中的故事内容之外,更看重的是演员的表演。同一出戏,同一个角色,不同的演员可以赋予角色不同的性格色彩。同样是《贵妃醉酒》,贵妃醉酒后的表现可以贵而娇、贵而荡、贵而刁,如何演绎,全凭演员的理解。同样是《四进士》,马连良与周信芳所用程式大体相同,但他们所演的“宋士杰”却有不同的特点。京剧表演艺术家们总能在严格的法度、规矩之中自由的创造美,使京剧的“程式”不断得到丰富、发展,从而形成了京剧的流派。如老生有程(长庚)派、谭(鑫培)派、马(连良)派;旦行有梅(兰芳)派、程(砚秋)派、荀(慧生)派等。京剧没有作曲家传世,却有众多的流派为人们所熟知,这都是因为中国京剧的表演是以演员个人为中心的缘故[2]。
其次,京剧对演员嗓音的要求重要的不是音质,而是演员对唱段的创新和理解,观众需要的是韵味和唱腔的个性化创造。如老生周信芳、余叔岩;青衣程砚秋等等。他们特殊的嗓音制造出了一种迷人的韵味。同样一出《失控斩》京剧马派与言派就有不同的唱法和处理。由此可见,京剧是更为个人化的,由杰出的个人化表演来感染大众的。
(二)、西洋歌剧则是以演唱为中心
首先,西洋歌剧是作曲家根据历史而创作的,作曲家的权威超过一切。咏叹调一旦写出就不再改变。角色的个性在作曲家分配声部时已确立(抒情、花腔女高音或男高音),如威尔第的《弄臣》,普契尼的《托斯卡》等。剧中男女主人公以及一些重要的角色,都有各自对应的乐谱和曲调,其中男女主角演唱篇幅较大,也容易产生著名咏叹调唱段。如《茶花女》中的《饮酒歌》,《蝴蝶夫人》中的《晴朗的一天》等[3]。
其次,西洋歌剧表演显得过于简单,站着咏叹就可以了,表演动作幅度不大,主要强调唱,有些西洋歌剧演员,他们的表演实在不能说是在表演,如帕瓦罗蒂演的《绣花女》,到了唱《冰冷的小手》前摸钥匙的一场戏,帕瓦罗蒂巨大的身躯实在蹲不下去,所以只是潦草地在桌上一摸,便按住了咪咪的小手[4]。
再次,在发声练习上,歌剧美声练习非常复杂,除了练习五个母音外,还要学习正规的练声曲。男高音大多从中央c1唱到bb2或b2,更好的是Hc3。这一音域中的五个元音的练习需要不断地打磨,几乎与歌剧演员终生相伴。这充分体现了歌剧演唱技巧的重要性。而京剧吊嗓子只练习“啊与咿”即可。
最后,中国京剧的唱腔与西洋歌剧中的唱歌是完全不同的两个概念,腔的旋律音调是固定的,而歌的旋律音调是不同的,歌者必须严格按照作曲家固定的乐谱节奏演唱,不许演唱者有任何的修饰,而京剧的唱腔却可对原有的乐谱、曲调进行加工,润饰,形成生动的、不同的、富有个性的艺术流派。
总之,通过对中国京剧艺术与欧洲歌剧艺术在历史发展、艺术表现、表演与演唱、声乐技巧几方面的比较研究,促进了京剧艺术和歌剧艺术的发展、美化了京剧和歌剧的表演与演唱、改革了我国的声乐教学,对东西方音乐文化的交流、融合、借鉴、创新具有更深远的历史意义和现实意义。
[1]薛良. 音乐知识手册(第2册)［M］ 中国文联出版社, 北京,1991-07
[2]蒋菁. 中国戏曲音乐［M］,人民音乐出版社,北京,1976-05
[3]杨燕迪.解读《茶花女》现实主义和心理洞察音乐爱好者, 2000-01
