造型表现（精选十篇）
造型表现 篇1
在动画创作中对各类角色的形象、动作、服饰等的设计和设定都可以称为动画角色造型。动画角色造型是动画作品的基础和灵魂, 决定整个动画作品的风格、决定着整个动画作品成与败的命运。无论这些角色造型是人物, 还是动物或者植物, 甚至是幻想的神灵精怪及非生物, 他们都是动画作品中被赋予生命的表演个体。正如宫崎骏说“每个人都应该用话语来表达自己, 我要用这个动画里的人物来讲述生活的理由和力量”。动画角色造型是动画片的主角, 相当于电影或电视剧中的演员, 他们的形象与内涵是否符合动画片的整体要求 (故事情节和动画风格) , 有没有充分展示角色的性格和魅力, 有没有准确地传达出角色的情感和思想, 有没有顺利地将剧情推向高潮, 是决定动画片成功的关键。
二、动画角色造型的原则与定位
角色造型的原则与定位的目的是要明确角色设计的风格、表现形式, 使角色的性格和造型均符合于整部片子的剧情和风格的需要, 并能受到观众的喜爱并在商业上取得成功。
1. 个性独特化原则
动画片中的角色要求设计者设计每一个角色都必须表现出性格简单明确, 易于区分的特点, 他们或者善良, 或者丑恶。或者聪慧, 或者愚笨, 或者宽厚, 或者奸猾…既独特性, 不可替代性, 易于记忆, 使观看者能区别于其他角色而留下深刻印象。
2. 时尚性原则
角色造型的时尚性是指造型要有一定的时代感和时尚性。这种时尚性在动画角色造型上主要体现在以下几个方面。
(1) 动画角色的性格与精神气质的时代气息。各个历史时期和国度创作出来的经典动画角色都保留着其所处时代和民族和鲜明烙印, 那个时代的精神追求、价值标准、审美取向等都会曲折地表现在动画片的角色创作过程中, 而角色造型设计则是这些社会元素的视觉化表现。
(2) 动画角色造型中的流行文化元素。每个时期都有自己的流行文化, 或者称作大众文化、世俗文化。动画创作者应该有意识地在角色造型的创作中强调流行文化元素, 只有这样我们的作
人情、人性的拓展上实现设计的物化, 使空间更具实用性、情感性和个性化。
室内空间是拓展的, 它在听觉、视觉、嗅觉、触觉、感觉等人的临界状态下, 于现实的空间同人们的条件关系中营建出来的新的场域, 亲和地承载着人情的寄托。个性的空间设计表现能让人体验到阳光的灿烂、空气的清新、功能的合理、色彩的温馨、家具的实用、空间的丰富、尺度的宜人、生活的安逸等等, 成为人们感受生活提升设计空间质量的定位现实。
室内空间是同人行为互制互动的, 功能所置合理的, 符合情感对应的, 空间不同营建的, 感知物化多样的, 设计语言丰富的, 情化表现共鸣的, 它不在于多么豪华或多么简洁, 也不在于通过什么方式来实现, 设计的空间能使人有种依赖, 有种寄托, 有种希望, 有种合谐, 有种体现, 为人创建的生活环境就有了新的存在层面和内涵。
室内设计的目的是对人们所处的生活空间环境进行有序地规划与设计的过程, 是使自然环境生态化、社会环境艺术化、人工品才会更有时代气息和生命力, 才更易于被大众所认可和接受。
(3) 动画角色造型要有一定的前瞻性。我们要了解时尚, 预测未来发展的时尚趋势。因为从设计到动画片的制作完成, 有一个过程, 这个过程可能需要很长一段时间, 有可能你在设计时设计的手法和造型是时尚的, 但到了制作完成, 片子播出时可能已经落伍, 因此前瞻性很重要。
3、可制作性
在设计动画造型时除了要考虑造型在原画和动画制作时的难度、制片的成本因素外, 还要考虑到适不适合衍生产品的开发、制作及生产的成本等因素, 比如该造型制作成玩具、文具的效果如何, 消费者会不会喜欢等。那么这就要求在对动画角色进行造型时应考虑其制作的简洁性。简洁性原则是动画角色造型设计的基本要求。动画片因其特殊的技术特点, 要求角色的造型应该尽量的简洁。在二维动画制作过程中, 简洁的造型不仅可以节约大量的工作量, 提高制作效率;而且, 形象的简洁使得造型更易于准确把握, 提高原动画的制作水准。虽然三维动画不像二维动画那样逐张绘制, 但是复杂的模型会占用较多的计算机资源。
三、角色造型风格表现
动画艺术的表现形式与美术有着渊源关系, 动画造型的形式也是丰富多彩、种类繁多, 可以说涵盖了大多数的美术样式。在动画片的前期制作阶段中, 需要根据故事剧本来确定动画片的风格。现代动画片所面对的观众群体从以前的儿童这一单一群体逐渐向少年、成年、老年观众转移, 这也使得现代动画的风格开始多样化。在这里我们主要从造型的设计和表现形式上来分, 大致可以将动画造型分以下几类:
1、写实风格类
写实风格累造型的角色形象与自然和显示的形象比较接近、在比例、结构和形象等方面没有很大的改变, 形象虽经过概括、夸张和变形, 但结构、比例仍较为严谨, 较接近自然且具有一定的真实感, 合乎我们日常视觉欣赏习惯。这类风格的设计, 要求作者有比较扎实的基本功, 了解和掌握人物、动物的结构、比例和解剖, 因此以写实风格创作的画家常常被称为实力派画家。从动画角色的造型风格上看, 不同国家和地区在设计表现上存在着
环境和谐化的有效手段之一。由此可以看出, 室内设计首先是对以人为中心的生活“大空间”的改善和创造。随着社会的进步、科技的发展, 当今人们的活动空间范围日趋扩大, 空间的概念不只局限于建筑, 应包括人们生活和活动的场所, 因此正确地评价空间应该是人类进行生产、生活的基本条件和环境。
结论
室内空间是室内环境设计的载体, 只有对室内空间具有了功能和形式上的概念的把握以及具备了对空间的设计把握能力, 一个设计师才能完成整个室内环境设计过程。所以, 空间设计是整个室内环境设计的灵魂所在。
参考文献
1.张书鸿.《室内设计概论》.华中科技大学出版社, 2007.09
2.王东辉, 李健华, 邓琛.《室内环境设计》.中国轻工业出版社,
“中国红”在传统与现代视觉设计中的运用
于亮
(西北师范大学美术学院甘肃兰州730070)
【摘要】红色, 在中华民族漫长历史进程中扮演着重要角色, 成为人们信奉和崇拜的色彩;经过历朝历代的承启、沉淀、深化和扬弃, 人们生活的方方面面都存在着大量的“中国红”, 成为民族意识和情感的载体, 美的象征;在传统民俗文化中, “中国红”代表着幸福的生活, 是吉祥的化身;在色彩经济起步的今天, “中国红”将作为新的经济亮点和促销方式, 它不仅提高国人的生活质量与环境, 还将提高中国制造产品的附加值。“中国红”超越国界、超越语言, 既是人们实现吉祥幸福的象征, 也是一个国家走向世界的鸿鹤志向。
【关键词】中国红;传统民俗;现代视觉设计;应用
在视觉艺术中, 色彩往往具有先声夺人的力量。正如马克思说:“色彩的感觉是一般美感中最大众化的形式”。人们面对世界上各类自然物象或人造物象, 首先扑面而来的就是它的色彩。因此, 色彩无论在人们的物质生活方面, 还是在精神生活方面都起着相当重要的作用。色彩本身只是一种自然现象、客观存在, 但不同的国家和民族, 由于各自不同的历史、文化背景、民族心理, 从而给各种色彩赋予了丰厚的文化底蕴。在色彩的大家族中, “红色”是被人们最早命名的颜色之一, 也是最原始、最富有生命力的色彩之一。在世界文化史中, 红色一直扮演着重要角色, 在各民族语言中, 红色具有比其他色彩更多的文化内涵。
一.“中国红”的历史演进及尚红意识溯源
“红色”又称赤、丹、朱、绛。这里所说的中国红, 是以大红为主色调衍生出的一系列红色。纵观中国红的发展历史, 可以看出:我们的祖先用鲜明、强烈的红色表示其勇猛, 吓退敌人, 使之恐惧, 又为避免鬼怪或祭献神灵, 求得保护、平安。为缓和
一定的差异。现代动画造型的写实风格主要以日本和欧美为主。在日本比较有代表性的画家有北条司, 创作有《城市猎人》、《猫眼三姐妹》等作品;欧美的动画作品如《蝙蝠侠》、《超人》、《星球大战》等。我国的角色造型具有浓郁的写实风格, 其表现形式和内容都体现了我们文化, 具有浓郁中国画风格, 人物造型写实性强、造型严谨、生动。
2、艺术类风格
艺术类风格的造型通常以突出民主化、传统化为特点。中国动画起步较早, 20世纪四十年代至八十年代被国际上誉为“中国学派”。中国动画表现手法独特多样, 具有浓郁的中国传统和民族特色, 表现形式丰富多样。
万氏兄弟的中国第一部动画长片《铁扇公主》中铁扇公主的中国国代女侠的扮相, 孙悟空的京剧扮相;借鉴京剧脸谱图案元素和民族化装饰效果的《哪吒闹海》、《大闹天宫》;具有中国水墨画效果的《小蝌蚪找妈妈》等, 准确生动的再现了中国传统美学的精髓和质朴的艺术风格。直到今天, 此类表现形式仍然具有巨大的创作潜力和审美情趣, 是一种独特的艺术类风格。
此外, 还有一部分艺术类动画角色造型追求另类的表现形式, 借鉴世界各国的不同绘画类型, 如俄罗斯画家亚历山大.佩特洛夫克用手指沾上油画颜料当画笔, 在玻璃上完成了上万幅油画, 于2000年制作完成了油画风格的动画片《老人与海》;利用沙子的厚薄程度, 在灯箱上透光产生明暗效果的波兰艺术动画作品《天鹅》。艺术类风格的动画作品虽然追求强烈的个性风格, 但它们在对动画的表现形式上以及对观众的感染力上起到了引导作用。
3、符号风格类
符号类造型是设计者对形象经过高度概括后提炼的造型。设计者抓住角色最基本的特征, 舍弃了许多次要的细节, 对形象进行变形和夸张, 因此造型和自然形态距离较大, 有些甚至已经接近抽象, 类似于标志和符号。
死亡的痛苦和恐惧, 原始人用象征生命的红色涂抹在遗体上, 并在坟墓上撒红色的赤石粉沫, 希望死者来世再生。原始人认为血是人的精华, 红色成为血的象征。太阳给人类光明和温暖, 带给大地勃勃生机。太阳的神秘和伟大演化成对红色的崇拜。在中国民俗中, 古人为避免鬼祟的侵扰, 会在门厅上安装一个红色的太阳形, 希望能够镇宅辟邪。天寒地冻, 篝火烈焰给先民们带来温暖, 在火上熏烤猎物、美味时的喜悦和满足, 因火吓退野兽时除祛惊恐的安全感, 成熟果实的吸引, 红色成了原始人信奉和崇拜的色彩。在约五万年至一万五千年前的旧石器时代后期, 产生了色彩装饰活动。因为恶劣的自然条件, 他们对红色产生了敬畏与崇拜的特殊感情, 山顶洞人用赤铁矿粉沫与红色泥岩浸染打磨成装饰品的石珠、兽骨和贝壳装饰自己。“中国红”色彩意识开始萌芽。
中华名族崇拜的祖先炎帝, 又叫赤帝, 是以火得名的。炎帝
四、形式与内容的统一
动画片中的角色造型终究是为动画片中的故事情节服务的, 动画片的故事情节发展决定角色造型的走向。一切表现形式都是为内容服务的, 动画角色的表现无论如何变化, 风格如何多样化, 同样要服务于动画故事内容, 而动画片的内容则要依赖外在形式表现出来, 两者相互相成, 缺一不可。一部优秀的动画片无论是在设定的原则上, 还是风格上, 其前期都要依据剧本的内容来确定其美术风格, 以求达到形式与内容的完美统一。
五、结论
动画角色的整体造型设计, 不只是追求表面形式上的视觉变化。一部优秀的动画片必须要为主题服务。
在现代科学技术的推动下, 增添了计算机二维动画和三维动画等新颖的动画形式, 丰富了动画片的观赏性。然而形式上的转变仍然需要依据动画角色的原则与定位, 造型风格以及形式与内容的统一来确定动画角色的造型设计。确定什么样的造型风格, 必须对内容进行深入细致的研究, 强调形式与内容的统一性。因此, 把握动画角色造型, 是动画造型设计者进行角色设计之前应理解和掌握的重要环节。
参考文献
[1]沈宝龙.动画造型设计[M].浙江:浙江人民美术出版社, 2008.
[2]杨小军.动画角色造型设计[M].安徽.安徽美术出版社, 2007.
[3]闫英林.动画角色造型[M].辽宁.辽宁美术出版社, 2004.
[4]张静.动漫造型基础[M].北京:高等教育出版社, 2006.
[5]秦明亮.动画造型与艺术设计[M].北京:中国人民大学出版社, 2005.
[6]吴冠英.动画造型设计[M].北京:清华大学出版社, 2003.
造型与表现 教案 篇2
课时：一课时
课型：造型与表现
教学目的：
一、利用有趣的造型游戏活动，复习巩固人像的表现方法。从表现自己，发展到尝试表现各种造型的人物。
二、学会制作有趣的指偶玩具。体现造型游戏的乐趣。
三、在与同学合作编排的小故事中，培养学生的合作精神和发展学生的个性。
教学重点：指偶造型的设计与表现。
教学难点：指偶的造型能够表现出相对应人物的特点。
课前准备：范例作品；卡通人物造型图片；剪刀、卡纸、彩色笔
作业要求：用彩色笔画一个有趣的纸人，剪下来套在指上，和同学们合作表演一个小故事。
教学过程：
一、导入：
1、教师表演指偶剧《阿凡提与富翁》。幽默有趣的指偶剧吸引了全体学生的兴趣。在观看表演的同时，学生也在不知不觉中认识了指偶，以及了解到了指偶的作用。
2、同学们，你们知道刚才套在老师手指上用来表演的这种小纸人叫做什么吗？通过这句话，导出本节课的学习内容——指偶。教师对指偶作简单的介绍。
3、板书课题《会走的小人――指偶设计》，点名教学内容，进入新课。
二、体验：
1、开拓思路：如果请同学们制作一个小指偶，你会设计一个怎样的人物呢？对于这样的问题，总是能激发起学生们的思维的。教师在听学生回答的同时，主要要引导学生确定设计对象的范围。一般学生都乐意选择一些出名的人物，以及一些故事中的主角，卡通人物进行设计，我们还可以鼓励学生设计一些原创的人物。
2、出示一个孙悟空的纸样。学生很容易就发展，如果是按照一般的画法，“孙悟空”是没有办法套到指头上的。这种时候老师一般可以装傻，要学生自己想想办法，解决遇到的问题。指偶的制作方法还是比较直观的，恐怕也难不到学生。
3、教师简单演示制作较为重要的制作步骤。毕竟对于部分学生来说，看一次实际的操作会理解得比较深刻。
4、多出示几个范例，扩展学生的思路。同时，也可以直观地告诉学生一些可以使制作效果更好的装饰手法，例如用裙子挡住手指头的插入处，在指甲上贴上鞋子等等简单易行又有趣的小方法。学生毕竟是聪明的，这些伎俩一看就明白了。
三、设计：
1、这类课型的讲授环节一般不易过长，更多的东西，应该留给学生在制作过程中自己去体会。剩下来的时间，学生开始进行设计制作。
2、这节课还有一个重点，就是表演活动。制作得比较快的同学，教师要鼓励他们尝试和其他同学组合，表演一个小故事。
四、表演：
造型表现 篇3
【关键词】初中美术 造型·表现 研究
所谓的造型，是指把自己心中的艺术形象用美术作品的方式表现出来的方法，它可以用绘画、雕塑、拓印等方式完成。初中美术教师可以让学生用造型的方法表现出心中的美术观点，让学生在学习中提高美术素养。
一、“造型·表现”中的线条学习
线条是一种能展现造型艺术的表现方式，不同的线条有不同的表现力。如果学生注意到线条的变化能够表现出整体的效果，就会慢慢学会根据自己需要有选择地使用线条。
教师可以引导学生观看绘画作品、雕塑作品、艺术陶瓷等作品中的线条应用。比如教师在引导学生学习《线的魅力》一课时，引导学生看到中国的水墨画中，近处的山水，人们常用深色的墨、较干的墨表现；远处的山水，人们常用浅色的墨，湿润的墨表现；引导学生思考为什么一幅画中要用不同的线条表现风景。引导学生观察雕塑作品《大卫》和美国的经典雕塑《自由女神》，它们的线条表现有什么不同；引导学生去博物馆观看艺术陶瓷作品，思考为什么众人都认为唐朝的作品粗犷大气、宋朝的作品精致细腻、元朝的作品朴实无华、明朝的作品简洁流畅、清朝的作品奢侈豪华？它们是用怎样的线条表现出这样的艺术效果？
二、“造型·表现”中的肌理学习
肌理，是指物体表面的组织结构，不同的肌理会表现出不同的效果，人们看到肌理的效果，有时就像能用手触摸到这种物体一般，产生强烈的即视感。过去，人们会在素描、水彩等绘画中强调肌理的运用，学生对肌理的概念也只有较模糊的概念，他们只能在美术创作中慢慢的探索。随着科学技术的发展，平面设计软件可以设计出更多的肌理效果。
如教师在引导学生学习《奇妙的肌理》一课时，让学生观察平面设计中的肌理素材，学生发现肌理的效果与线与线的组合有关，不同规律的线条能表达出不同的肌理效果；与块与块的组合有关，不同的大小能组合出不同的肌理效果；与色彩的组合有关，不同的色彩能拼合出不同的肌理效果。同一个物体使用皮革的效果、马赛克的效果、撕裂的效果、砂石的效果、水彩的效果等会表达出完全不同的艺术效果。比如学生要设计出一个真皮沙发，发现用不同的肌理能展现出稳重的、华丽的、天然的等不同感观的效果。认识到肌理的多变性，创作美术作品时，学生就会有意识的用肌理的方式表达出自己心中要表达的艺术效果。
三、“造型·表现”中的色彩学习
色彩有强烈的视觉效果，人们看到不同的色彩内心会有不同的心理感受。看到红色，会联想到火焰，认为它代表热情或血腥；看到绿色，会想到宁静和天然；看到紫色，会想到神秘和偏执；看到黑色，会想到威严和不祥；看到粉色，会想到天真和童趣……在创作美术作品时，人们会用各种颜色传达出内心的想法。绘画是非常强调色彩应用的，教师引导学生学习《多变的颜色》时，可以引导学生用色彩表现造型，观察同色调色彩应用的效果、对比异色调色彩应用的效果、冷暖色调应用的效果、单色调应用的效果等，让学生理解不同的色彩搭配能传达出不同的感觉与风格。比如教师可以引导学生设计一套艺术服装，让学生构思用不同的色彩组合传达出不同的视觉效果，学生理解到色彩搭配表达出来的多变效果。就会积极的运用颜色来为自己的美术作品增加艺术表现力。
四、“造型·表现”中的空间学习
空间是指在艺术创作时，用空间的效果传达出自己要表达出来的理念。在一个很拥挤的房子里，人们会感觉到很局促；在宽阔的空间里，人们能感觉到很空阔；在歪邪不规则的空间里，人们能感受到不安和紧张……都说明空间效果能够给人不同的感受，如果能够适当地应用空间，可以表达出非同寻常的艺术效果。实际上从很早开始，我国就已经用空间艺术表达出美术效果。
在引导学生学习《寻古探幽》时，教师可以让学生观看敦煌莫高窟中的空间创作，学生会发现莫高窟中的画像通常运用多视角。比如顶上的花纹使用仰视角，人们能看到花纹全貌；画面中心的佛使用正面视角，人们能即视到佛的正面全貌；佛周围的其它菩萨与罗汉常常使用侧视角，人们能看到菩萨的不同性格、罗汉的千姿百态；佛座下的芸芸众生则使用俯视角，表现出芸芸众生的渺小。这种多点视角的构图，能产生一种奇特的宏大空间感，教师可以让学生思考为什么佛教画作品要使用这种空间构图的方式。在引导学生学习《苏州园林》时，教师可以引导学生观赏著名的林园，教师可以让学生观察苏州拙政园中远香堂的布局，它用假山和叠石将虚拟的空间分开，构成“开门见山”的效果，它的西侧小飞虹与小沧浪则用水将空间隔出新的空间，造成“挡”的虚实效果。教师引导学生思考，如何在构图中利用山、石、树、影等构成不同的空间，加强构图的表现力，达到自己需要的造型效果。
总结
线条、肌理、色彩、空间是造型的重要部分，它们能传递非常强烈的视觉信息，表达作者要表达的艺术感受。教师在引导学生学习造型时，要让学生理解这些领域的表达效果，让学生能自由的应用这些因素创作出他们需要的造型表达效果。
包装平面造型的生态设计表现 篇4
关键词：易识别,适量化,人文气息
生态包装的设计不仅仅体现在绿色环保材料的应用, 以及包装形态的优化设计上, 包装的平面造型设计也是非常重要的因素。
1 信息传达的易识别性
生态包装的平面造型要求其图形、文字、色彩等设计元素具有明确的信息传达作用, 使消费者通过这些元素可以迅速识别商品的内容, 了解商品的性质。在平面造型中, 图形、文字和色彩是三大设计要素, 是设计师用以表达商品内含的设计语言, 而商品的信息正是由这些设计元素代以传达的。设计师通过设计元素的组合过程, 来实现与消费者的沟通。因此设计师在进行产品包装的平面造型设计时, 要把握好以下几点: (1) 图形的运用要突出绿色概念, 能够清晰直观地表达出商品的特性, 简洁大方, 还要有特色, 方便消费者的记忆与识别。 (2) 文字的设计与编排要准确、易识别, 避免传达错误的信息或混淆信息的传达。注意信息传达的视觉流程, 关键的文字, 像品牌、标识文字要放在主要位置, 使其显而易见, 辅助文字要注意编排形式, 注重识别性, 使消费者能够轻松获得正确的信息。 (3) 色彩要能够表达出商品带给人们的感受, 能让人产生美好的联想, 通过色彩的象征性, 使人们即使不阅读文字信息也能对包装内的商品有所了解。例如系列饮料包装, 可以通过不同色彩的应用表达出不同的口味:红色调的复合水果型、蓝色调的运动型、绿色调的果蔬型, 使消费者都可以通过色彩快速进行判断, 以满足不同消费者的需求。 (4) 设计师还应考虑到各种标识符号的应用, 如绿色环保标识等, 这些都能够在整体设计之中, 传达特定、明确的信息, 便于消费者识别。
2 设计元素的适量化
在很多产品的包装设计中, 设计师和生产商往往为了增加商品的价值, 通过强烈的色彩、图形, 昂贵的材料等夸张的元素与新颖的印刷制作技术来取悦消费者, 而不考虑这种包装方式给环境带来的负面影响以及生产过程中的能源消耗和污染因素。因此, 绿色包装设计必须要坚持适量化的原则。适量化主要体现在设计过程中设计元素的减化和单纯化。对绿色包装中的平面设计而言, 则要做到在使用和安排设计元素时, 能够尽量地简约。对那些仅仅是为了吸引消费者眼球, 而没有实际内涵的东西一定要抛弃, 突出重要的信息元素。此外, 包装制作环节离不开印刷, 而油墨是印刷的重要原材料。很多油墨含有重金属, 对人体损害很大。因而在绿色包装设计中, 减少不必要的、可有可无的图形、色彩, 实际上也是减少了印刷的原料及其他材料的消耗, 不仅有助于消费者的身心健康, 同时也减少了对环境的污染。在绿色包装的设计中, 还要充分考虑到产品包装制作工艺的适量化。工艺复杂、精美的包装固然能刺激人们的视觉系统, 但是大多数的消费者明白, 自己购买的不是包装, 是商品。因此设计师在设计时, 应当通过有效的设计, 合理利用技术手段和制作工艺, 简化制作过程降低成本与能源消耗。
3 色彩应用体现绿色人文气息
绿色包装设计不仅要显现绿色气息更要求其能够反映消费者的购买心理。消费者需要的是什么样的商品, 需要什么样的包装, 需要从产品包装上看到什么样的情感内涵, 是作为一个设计者都必须要考虑的。一方面, 包装色彩的应用要充分考虑大众消费的情感因素。以消费者的需求为出发点, 通过市场调查, 找出适合大众的情感色彩, 不要过分追求色彩的绚丽, 关键在于要通过恰当的色彩应用, 给人以安全、愉悦、舒适的感受, 避免色彩的过度应用给消费者造成审美上的疲劳。另一方面, 包装色彩设计要敢于标新立异, 鼓励大胆创新, 通过多种方式提炼色彩, 发掘更多的色彩表现方式, 充分展示绿色设计的内涵, 体现绿色包装设计的可持续发展性。
3.1 准确选用色彩, 做到以少胜多
随着商品经济的发展, 市场竞争日益激烈, 产品的包装形式层出不穷。然而最吸引人的眼球, 最值得推荐的还是简洁明了的包装设计。一件好的包装设计作品, 吸引人眼球的关键不在于色彩的鲜艳和色彩的大量堆积, 而在于色彩的整体效果, 颜色的选取数量以及颜色的搭配与组合的合理性。绿色包装设计理念推崇色彩的单纯化有些很优秀的设计只用两三色, 甚至一套颜色通过明度纯度的变化就足以获得美好的视觉效果。
3.2 合理搭配色彩, 使包装醒目而不花哨
美国著名设计家华尔特·斯特恩在其《包装的力量》一书中有一段话, 大体意思是这样的, 包装所表现出来的强大吸引力在很大程度上取决于色彩的调和与对比有些商品在商店里非常抢眼, 颜色非常活泼, 而买回家以后却感觉色彩很柔和。通过这段话我们可以感受到色彩搭配在包装设计中不可忽视的重要作用。包装色彩的表现手法是非常丰富的, 其中应用最多的是色彩对比。通过色相、明度、纯度、冷暖、面积等各个方面的对比, 突出色彩各自的特征。但是过分的对比和不恰当的对比会让人感觉不舒服。绿色包装的设计讲求从消费者的角度设计应用色彩, 采用对比还是调和, 如何进行色彩搭配, 需要结合产品特点、想要表达的内涵、消费者的审美情趣和消费习惯进行综合设计。
4 文字中的绿色设计理念
文字是一种特殊的符号, 既表示一定的特定意义又是一种图形形式。它能够迅速直接地传递信息, 作为一种特殊的图形, 它有时甚至比图形、色彩更具有表现力。文字帮助产品与消费者沟通, 传递相关的信息, 是包装的重要组成部分, 它具有传递商品信息和美化产品包装两大功能。
产品包装上的文字可分为两类:一是产品名称、文字标识;二是商品信息的说明性文字, 如:产品特征、组成成分、质量标准、用途用法、容量、重量、数量以及生产日期、注意事项、保质期、厂址电话等。应用时要注意文字的视觉传达效果, 不同的环境采用不同的文字字体, 不同的编排方式。如产品名称, 采用的字体要大方、醒目, 突出表现产品特性及其文化内涵;而说明性的文字最主要的是可辨识性, 同时注意排式要美观合理。
现代绿色包装设计对文字的处理有这样几种方式: (1) 变体文字的应用。采用艺术化的手法, 对文字的形象进行设计, 可以从背景的修饰、文字的整体、文字的局部笔画等方面进行设计, 突出其特点, 表达特定的含义。主要应用于产品名称, 以突出产品特点。 (2) 采用象征化手法进行字体设计。根据设计对象所要表达的内涵, 把字体象征化, 反映某种特殊的意义。这种方法类似于企业形象识别系统中标准字体和产品LOGO的设计, 主要应用于突出品牌的包装设计。 (3) 采用联想的方法进行设计。我们可以抛弃文字本身的含义, 根据我们需要表达的涵义对文字进行联想创造性的设计。
小学美术《造型表现》专题讲座感想 篇5
黄炎洪
听了崔老师的讲座，我对不同领域在设定分目标中不同的设定，有一定的感想，“造型·表现”是美术学习的基础。在这一学习领域，课标对于学生在感知造型元素、造型形式原理、造型表现力、培养造型乐趣等方面都做了系统、严谨的界定和要求，但我觉得更为重要的应该是强调学生自由表达主观的精神、情感和观念。因此我认为，造型表现领域绝不是单纯的“术”课，他是强化了的“术”与“道”的结合体。基于这一点认识，我认为在造型表现学习领域的教学中，应注意把握好以下几个方面的原则。
一、淡化“专业”色彩，重视备课与造型之“道”
我始终认为，专业水平体现着一个教师的专业素养，水平越高，自然对教学越有利。但我们不能把专业素养与水平等同于授课水平，而轻备课！许多老师就片面的认为，在教学过程中，造型表现领域更倾向于表现，以自己的专业水平，给“小不点们”上好这样的课，绰绰有余了，甚至于放弃了认真备课的态度。我想这样就大错特错了。因为义务教育阶段的美术教学，强调的恰恰是要教师有意识的削弱造型领域的专业性特征，使其更加趋向于教育功能和普遍性！因此，在义务教育阶段，学生获得的更多的是一种感受性内容，加上课时设置又少，如果我们不用心研究课堂教育教学的规律，简单地用专业化角度面对造型表现的课堂，无疑是步入了歧途。
二、课堂教学中学会取舍，注重学生“体验过程”
教无定法，无论运用怎样的教学模式驾驭课堂，我们都不能忽视教育的本体——学生。要让学生们喜欢我们的课堂，能够自由的表达主观的精神、情感和观念，就必须想方设法让学生充分参与到我们的教学活动中来。我们很多老师都有过这样的体会，不知不觉中，学生的“造型表现”时间不够了或者没有了，究其原因，我们还是对“术”太不放心，讲不完是绝不会“放手”的。因此，在造型表现学习领域，我们更应该思考一下如何学会取舍，还学生于本体，让更多的学生能够体验其创作和表现的全过程。
三、把培养学生的学习兴趣贯穿于课堂的始终，让学生享受学习的快乐
造型表现 篇6
形是一幅画的精髓，对形体结构的把握，要做到观察事物每一处“点”的联系，注意它的长短比例、距离的大小，细心体味物体的结构转折，不要只是拘于表面。我们要对每一个对象的位置、角度进行定位，强调更深层次的对形体结构的理解。因此，在教学中对各个角度的几何形体、石膏像、人体解剖（重要）、头像、半身像等穿插大量临摹和速写素描主要是提高学生对形的理解和黑白关系。每画一处或者每拉一根线条时，学生应从不同角度、不同方位去观察它们之间的必然“点”的联系，也就是我们通常所说的不同方位粗略的几何图形的组合。在找准形体结构的练习中，我们很难逃避画线的乏味。在锻炼、学习基本形体的造型能力，对比联系着画时，学生要用心，用眼光，而不只是用眼睛。
画出的任何线条都具备形体结构的属性，才具有真正意义。以对象的结构为中心，不能被动地照抄对象，要透过整体地结构去完整地表现形体。不然，就成为了一根或一组废线；而由这些线条所组成的面当然也成了无意义的脏灰色。如何避免产生这样的错误？就需要绘画者分析与判断对象提供的绘画元素。
结构素描是设计教学中的一门重要课程，是培养学生造型能力和设计思维能力的基础。绘画大师安格尔非常重视素描在教学中的地位，他首先强调的是形，而不是光影。他的原则是“笔随形而走”，因为形是不变的，光是可变的。他认为素描是研究的艺术，明暗、光影等无一不是为了表现形的。
对于刚刚学习绘画的学生来说，观察方法的训练与观察习惯的养成十分重要。首先我们来总结一下结构素描的特点：结构素描是以研究对象本身的结构为中心的，它不受环境自然光线的直接影响。所以在观察对象时，我们可以先不管光线在物象上产生的明暗投影，而把主要精力放在物象的结构本身上，思考支撑一个物体的框架是什么，找到框架就找到了结构了。其次，我们在观察对象时，要全面观察，前后左右都要看，而不是将眼光一开始就停留在某一角度。例如，在画物体时，物体的长宽比例、大小比例、前后的透视关系比较，每个物体的高低比较和大面小面之间的比较，这些都是在观察时分析研究的对象。整体观察，整体比较，再整体去画，一下笔就要分清主次和前后关系。在写生的过程中，学生要迅速准确地抓住大的主要结构，使画面达到集中、强烈、准确、生动的效果。由于结构素描是以理解、剖析结构为最终目的，因此简洁明了的线条是其通常采用的表现手段。结构素描画面上的空间实际上是对三维空间意识的理解，所以教师要引导学生发挥这方面的想象能力以及思维的推理能力。
研究物体的结构不是目的，而是一种手段。素描结构与光影完美结合，才能说是一件好的作品。光影表现物体的立体感上，立体性是物体的特征之一，但并不是在任何情况下都能很好地表现。如何才能较好地画出它们的立体感？
第一，要善于归纳几何体。有些物体表面结构比较复杂，如人物头部的正面、侧面或半侧面，深陷的眼窝，向前突出的眉弓和前额，两块较平的颧骨，中间突出的鼻子，还有鲜明的下颌轮廓等。若把它们归纳成具有几块明确的面的几何形体就易于表现了。
第二，用明暗表现立体感。物体由各种不同的面组合而成。在光的作用下，各种与光源不同转向的面，会显示出不同程度的深浅调子。在观察物体立体感时首先要考虑到体积，其次才考虑面，最后才考虑到线，也就是先整体，后局部，局部要基于整体去表现的方法。在素描的顺序中则是一点、二线、三面，最后是体积。这就是用点与线来定出塑造形体的面之后，由深到浅地依次对比着画出明暗调子来。
第三，用明暗与轮廓线相结合的画法表现立体感。这种轮廓线是指结构线。用它去画出物体的形体结构，以结构线为主，以明暗调子为辅，或以明暗为主，以轮廓线为辅，用变化轮廓线表现出立体感，用粗细、轻重、虚实等富有变化的线画出物体的形体结构。
第四，了解规律，掌握正确方法学生才会容易接受、理解和运用。所以素描学习中从整体出发的观察比较，以结构为基础的表现手法才是扎实的、有效的。教师要让学生更快、更准确地理解掌握形体结构、比例，透视这些绘画中的主要技能，为绘画素描学习打下坚实的基础。
造型表现 篇7
一、西方现代绘画造型观念概述
20世纪初期, 由于西方现代物质文明的发展, 世界上出现了“现代主义”思潮, 西方现代主义艺术对世界各地产生着广泛的影响。削弱和摆脱内容的束缚, 注重研究艺术的形式规律, 追求“世界性”、“国际性”, 一时成为全球的风尚。随着工业、科技的发展, 摄影技术的发明, 使绘画艺术的再现性、模仿性也得到空前的挑战。
塞尚作为“现代艺术之父”, 认为“线是不存在的, 明暗也不存在, 只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他的作品大都是他自己艺术思想的体现, 他采用色的团块表现法来描绘物象的体积和深度, 用色彩的冷暖关系来造型。他的作品表现出结实的几何体, 忽略物体的质感及准确性, 强调的是厚重、沉稳的体积和物体之间的整体关系。开始了对表现事物内在结构的追求, 强调深度比平面更重要。他用局部的色彩变化去强调体积, 表现物体实际结构。[1]至此现代绘画中仍有两种趋势, 即写实主义和抽象主义。“写实和抽象两种风格在20世纪齐头并进, 直到今天依然如此”, 但此时的写实主义虽然也是对自然物象的描写, 造型方式依旧线描的或是图绘的。画面表现的意味增强了, 甚至可以说是表现主义的观念运用了写实或具象的手法。而另一种抽象主义则是排斥对自然的任何模仿, 用构想、心理以及抽象的要素来安排画面的组织、结构。画面中没有具象的造型, 只是点线面的无穷的变化。
二、中国传统漆画造型表现方式概述
漆画最早就作为漆器的纹饰而存在, 作为漆器纹饰时的漆画, 一方面是指漆艺的绘画表现, 色彩较单纯, 花纹较写意, 如“纯色画”、“没骨”和“朱质朱文”、“黑质黑文”等。作为装饰漆器纹饰时的漆画另一方面, 是指有明确意义的图画, 取材于自然或社会生活, 造型生动、线条流利、用笔简洁。[2]
写实主义是西方传统绘画的正宗, 中国传统漆画尽管也带有写实的因素, 但毕竟缺乏西方传统绘画, 特别是古典油画那种高度写实逼真的造型。早期的漆画作品, 相当一部分受中国画影响, 充满中国写意画和工笔画的立意。简单对比来说, 西方传统绘画主要追求真实, 中国传统漆画主要追求意境。
中国传统漆画一般注重平面化和装饰性, 包括表现风景、花卉、动物等的独幅抒情小品, 和表现历史性、纪念性等重大题材的大型作品。造型线条轮廓清晰, 平涂色彩单纯:黑、红、金的色彩;传统的程式化山水花鸟图案。
三、西方现代绘画造型观念及方法对中国现代漆画造型表现方式的影响
20世纪初叶, 尤其在“五四”运动前后, 西方写实绘画在中国影响日深, 声誉日隆, 这恐怕与当时中国崇尚西方的“科学与民主”的思潮有关。西方写实绘画的影响, 在中国则主要通过赴欧美或日本 (学习西方的捷径) 的留学生画家引进。老一辈艺术家中, 1929年雷圭元先生赴法国著名的哥白林工场学习漆艺, 1931年回国后, 在杭州国立艺专任教期间, 创作了《泉边》《夜之海》《少女与鹿》《鲜花》等一批漆画作品, 具有清新的视觉效果和生活气息, 对初创时期的中国漆画而言有着重要的意义。
众所周知, 漆画在创作当中擅长于其装饰性, 但也因为如此导致它仅仅停留在装饰层面而停滞不前。传统的漆画装饰手法和色彩表现已不能满足表现现实事物的画面需要, 然而在铝箔粉、铝箔纸上的实验中, 成功的研磨出了在铝箔粉、铝箔纸上罩漆的方法。这不仅使它突破了平面装饰的局限, 还融进了油画中明暗造型法则, 极大地加强了漆画的写实能力。[3]在铝粉上罩漆后研磨的技法, 就是引用了西方的明暗造型法, 研磨设在亮底上的颜色, 使其显露丰富的明暗层次和色彩变化, 达到类似重彩和透明油画的效果, 提高了漆画的写实表现力, 甚至大胆的借鉴西方现代艺术的形式构成因素。在漆画中, 许多高度巧妙的变形、抽象, 色彩平涂所产生的强烈而丰富的对比效果, 对线条的强调和极富创造性的大胆应用, 都与西方现代画家, 如马蒂斯、毕加索、康定斯基、克利, 以及德国表现主义、美国抽象表现主义的某些作品有惊人的类似之处。后来, 漆画家们进一步创造了多种方法和多种色彩, 大胆地使用了过去受限制的质料, 使之能表现一些比较光亮的色彩, 能表现明暗的对比、远近的对比, 以及光线和投影的效果。[4]为了表现事物的质感而用不同的质料和方法配制色漆, 因而使用各种技巧表现情感的创造就愈来愈丰富了。
除了传统的用黑漆和朱漆作底的刻漆画外, 艺术家们还研究出其它色漆作底的刻漆画, 如褚色底、银灰色底、罩金银底等等。在一些漆画和漆屏风上, 构图和纹样常用散点透视的规律来进行创作和设计的。早期的刻漆画的色彩是一些原色, 看起来比较生硬, 刻出的线条也比较生硬, 后来经过对线条和色彩的研究, 用粗细、浓淡、深浅、明暗、冷暖的对比, 使之能够表达感情和事物的质料, 而漆画的发展也进入了更丰富的阶段。
结语
现代漆画造型表现方式在中西文化交融的时代背景下, 经过几代漆画家数十年的不懈探索, 在反映现实生活、塑造真实人物形象及情感方面取得了很大的进展, 这是传统漆画在造型方面所无法企及的。现代的漆画家在漆画造型的发展与继承的问题上不断开拓。以沈福文、李芝卿、雷圭元等为代表的一部分漆画家们在坚守传统的基础上深入研究漆画的技法、艺术创作等造型因素;并融合了西方绘画中严谨扎实的造型技巧, 开辟出一条中国现代漆画绘画造型的新型道路。
中、西绘画艺术的两座宝库, 是我们的财富, 里面有我们取之不尽的艺术源泉, 他们探索的过程以及结果成为我们的宝贵经验。无论是西方传统的图绘和线描的造型方式, 或是西方现代更主观的观念, 作为当代绘画的创造者, 不能毫无取舍地继承。绘画的造型方式只是为了表现这一精神的一种外在手段, 也是我们着手实践的一个切入点。漆画要更好地适应时代发展, 只能取长补短, 既发挥中国传统绘画写意为主的长处, 最大限度地表现情感和意境, 又要把西方的造型观念融入到中国绘画中, 提高漆画的表现范围和能力。
参考文献
[1]吴甲丰著《论西方写实绘画》文化文艺出版社1989年5月
[2]沈福文著《中国漆艺美术史》人民美术出版社1992年5月第一版
[3]王琥著《漆艺术的传延---中外漆艺术交流史实研究》江西美术出版社2004年
现代漆立体造型的设计与表现形式 篇8
一、漆艺术的表现范围
漆艺, 涵盖面也颇为宽阔。概括地说, 包括漆器、漆画、漆塑等方面。
漆器是漆艺的一种表现形式, 是从实用开始的。制作漆器的目的首先是实用。在古代, 小的如酒杯、漆奁;大到漆棺、屏风等无不为了实用, 但同时也具有审美价值。正是由于实用先于审美, 并且实用和审美的统一, 才造就了中国古代漆器的辉煌, 而漆器审美价值的进一步发展, 导致人们对实用彻底摒弃, 漆器上的图案花纹从寄身于立体的器身走向了平面, 再到立体。漆器的造型也不再考虑插花或盛物的需要而走向纯粹的抽象, 于是出现了纯精神的漆塑。
漆塑, 即漆艺立体造型, 在漆艺中的表现由来已久。比如楚墓中的镇墓兽, 在木雕上描绘彩漆, 其精神价值、审美意义大大超过了它的物质价值和实用意义, 已是地地道道的雕塑。又如南北朝时期兴起的一直延续到唐宋以后才逐渐衰落的夹像, 更是推进了漆立体造型的发展。在古代, 上至皇宫殿堂的金漆云龙屏风宝座, 下至寻常人家日常生活的箱、匣、碗、筷, 在绵延数千年的岁月中, 勤劳智慧的中国人以非凡的想象力和技艺, 创造出大量的令世人叹为观止的漆器。
笔者认为, 木胎, 夹胎和金属胎是已知运用在现代漆艺造型上较理想的胎骨材质。夹漆艺是特有的一种胎骨, 它早在战国中晚期就出现了。经过不断地改良和革新, 它一直沿用至今。夹经纤维的经纬网状结构, 使运用夹纻胎的漆艺质薄、坚韧、轻巧、不易变形。金属胎骨也很早就已使用, 起初在金属上涂漆是为了防止金属制品的氧化。现在, 漆艺中使用金属胎, 是由于其加工的规整性、材质的坚韧性以及成型的相对快捷性, 这是其他材质所不具备的。木质胎骨使用得更为频繁, 它加工方便, 也具有一定的坚韧性。木材的木纹也可以在做的过程中显现出来, 别具一格。
二、漆立体的造型设计与表现
在古代装饰技法中, 髹漆、饰彩、莳绘、镶嵌、戗金、变涂等漆艺技法, 是一个漆艺作者的基本功, 只有具备这样的基本功, 才可能进行创作和设计, 才可能继承和发展漆艺这一传统文化。因此我们能够较全面地从传统漆艺造型和髹饰中, 直接学习到传统漆艺的精华。漆艺经过千百年来的洗礼, 具有一种顽强的生命力, 它反映着存在的价值。我们要深入研究其发生和发展的规律。这种规律是中国漆艺发展的历史规律, 是漆艺的发展之道, 也是我们今后发展漆艺的极好借鉴。这样不仅能对漆文物进行保护, 更重要的是对民族文化的继承和弘扬, 使漆艺术的精髓, 以及作为背景文化的人文信息得到传播和扩展。
漆艺造型的设计要根据使用目的、欣赏要求, 与环境的关系及具体的材料工艺来构思, 这就要求作者有深厚的艺术修养和能够充分发挥丰富的艺术想象力、创造力, 最恰当地表现个人的情感, 同时也要充分掌握和了解漆的属性和特点。
漆艺首先要突出一个“漆”字。每种材料都有它适合表现的范围, 所以才具特色, 没有特色的艺术, 就不是成功和精彩的艺术品。在设计中只有扬长避短, 才能最大限度地发挥它的表现力, 从而达到理想的艺术效果。陶瓷, 金属, 玻璃的立体造型都是通过它们的材料、成型的方法来体现各自艺术的特点。漆艺立体造型的艺术特点是什么呢?漆有温暖柔润的质感, 所以我们要利用和突出它的这一固有特色, 追求漆所特有的温暖和亲切的质朴美。立体造型的各个面和凹凸面, 在光线折射下会形成一种漆的特有光泽, 而这些光泽也就会产生有趣变化。
现代漆艺立体的造型也是非常重要的。造型的历史起源于古代的雕塑艺术。主要包括陵墓雕刻、墓佣雕塑 (包括佛教石窟艺术和寺庙彩塑艺术) , 还有工艺性雕塑和建筑装饰性雕塑等, 这是早期漆塑造型的倾向和特点。现代雕塑家亨利·摩尔的艺术风格对漆塑的影响尤为深刻。摩尔始终以不同情趣来进行各种变体的制作, 并把他的作品还原到最原始的形态中去, 在运用负空间的基础上发展了空洞的概念, 显露其雕塑的内在形体, 充分表现负空间的力量。他的作品注重对体积和质量的敏感, 凹与凸的鲜明对比, 对平面和轮廓进行充满韵律的展现, 以及整体设计的连贯与统一, 体现作品在空间中所显示出的生命力变。这些特点正是对现代漆塑造型特点的良好诠释, 它使漆塑从古老的茧缚中蜕变出来, 以新的形式和新的造型特征来丰富漆的内涵和本质。漆塑的造型不仅是漆的一种依托, 更是其美的延伸, 是相辅相成的, 也是统一的。漆塑之美, 即是艺术家针对空间形体研究与漆完美结合的智慧之美。
三、现代漆立体造型艺术的影响
现代的漆艺创作, 在日本、韩国出现了一种抽象立体的造型形式, 它既摆脱了使用目的, 不再是传统意义上的“器”, 又不是具象的客观事物, 而是纯粹抽象的, 独立的审美对象。中、日、韩等国的漆艺艺术家们通过不断地努力和坚持, 使这种历史悠远的艺术品在现代条件下, 逐渐发展成为一门新颖的艺术。
立体形式上的漆艺术, 摆脱了因依附器物实用性而造成的器物装饰功能的局限性, 而且使漆艺术的造型空间急剧扩大, 人们可以在悦意的状态中完成各自的艺术审美行为和艺术造型行为。纵观现代立体漆艺作品, 由于三维式样的展现使得漆工艺的造物技能更充分地凸现出来, 并且以令人炫目的形式, 空间张力和材质肌理淋漓尽致地发挥其独有魅力, 使其他任何材质的立体艺术品为之逊色。对艺术品空间状态和基本构架的苦苦探索, 一直是视觉艺术创作最基本的内容。但由于材料和技术的局限, 过去尚不存在真正意义上的“综合材料与技法”的混成表现手段。立体漆艺术的出现, 恰巧迎合了人们在现代社会繁杂特殊而细致入微的各种审美要求, 能最准确、最本质地反映出当前现代的漆艺创作。
在科技日新月异, 美术观念不断进步的今天, 我们应当紧紧围绕着以现代漆艺术为主攻方向的新型学科建设任务, 锐意创新, 不断进取, 使漆艺术的表现语言不拘泥于平面化的狭小空间, 不局限在对原有水平的简单延续, 不放弃随世界主流漆艺术同步探索, 进一步缩短与世界先进水平的差距在社会的多个领域进行探索, 诸如公共艺术设计方面的室内外艺术品陈设、城市园林与雕塑、纯观赏性艺术品的展示与设计等, 使现代漆艺术再次达到全面领先水平。通过日、韩、欧美等国的现代漆艺术展示, 使我们了解到, 漆艺术可以应用在几乎所有视觉艺术的设计与制作领域。虽然我们尚不能像他们那样有自由发挥漆艺术语言的广阔余地, 但我们已经意识到了这一点, 并且会迎头赶上, 不断在现代立体漆艺的各个方面探索, 在国际学术讲坛上证明我们也是强者。
四、关于现代漆艺的思考
现代艺术思想是漆艺发展的强大动力, 但当它同工艺技法的固有特性产生冲突时, 就会转为束缚和镣铐, 表现出脆弱和不成熟。所以, 在建立漆艺自身语言规范性的前提下, 对漆艺语言的再认识和再革新, 克服传统材料的局限是未来漆艺的发展方向。这里必须建立漆艺的独立意识, 即漆艺的本体性认识, 这是当前漆艺发展的缺憾。在很大程度上, 中国现代漆艺在价值取向、造型模式、表现内容和形式语言诸方面没能和西方艺术的界定拉开距离, 有些漆艺家将大漆视为“颜料”, 而用油画家、版画家的眼光来进行艺术创作, 忽略了对本体属性和对整个中华民族精神和文化个性的体悟。漆艺在现代必须要完全独立地从匠心、构思和技巧上创新, 把古典的技巧提高到富有现代魅力的境地。一方面要提高创作者的审美品位, 增强现代艺术意识, 另一方面要强化漆艺的语言。漆艺的语言是异常丰富的, 如:彩绘的细腻、典雅;刻漆的单纯、明快;泼漆的自然、流畅;变涂的潇洒、流动;堆漆的古朴、厚重;磨漆的神奇、陆离;嵌漆的闪烁、华贵;莳绘的斑驳、变幻等等。能否恰如其分地运用各种材料和表现技法, 这需要漆艺工作者的艺术修养、对材料的敏感度、长期的实践与经验的积累。有了一个好的构思, 有了一张好的画稿, 不等于就能作出一个好的漆艺作品, 因为漆艺受到“天然漆”这种工艺材料及工艺技法的规范。从构思、画稿到真正的漆艺作品, 这期间是一个再创作的过程, 这需要十足的匠心, 才可以实现。
不管是以任何目的为主的漆艺, 漆艺家们都要将自身对美的理念通过工艺材料得到具体表现。漆艺讲究漆趣, 这是与其他画种最大的区别。不懂传统漆艺语言, 搞出来的漆艺作品就没有漆味, 而光有漆艺技法, 就会沦为漆的奴隶, 就不能恰如其分地表现漆的特点。所以我们应该在向传统学习的基础上, 增加一些随意性与即兴, 增加一些“玩”的因素, 突出漆艺固有的特点。
摘要：在美术观念不断创新的今天, 漆艺家们应紧密围绕着以现代漆艺术为主攻方向的新型学科建设任务锐意创新, 使漆艺术的表现语言不拘泥于平面化的狭小空间, 不局限在对原有水平的简单延续, 不放弃随世界主流漆艺术同步的探索, 使现代漆艺术再次达到全面领先水平, 不断在现代立体漆艺的各个方面进行探索。
参考文献
[1]孟梅林.漆艺琐谈.美术观察, 2008 (11)
[2]汪天亮.当代立体漆艺创作现状.闽江学院学报, 2007 (4)
造型表现 篇9
点与线, 是儿童最熟悉、也是最喜欢的, 是他们知觉生活后表现造型最重要的美术学科要素.如何画出不同的点和线, 如何画出自己需要的点和线, 都是他们在小学期间需要学习的能力发展内容.
1. 发现与出现
例:《动物身上的斑点》 (第一册教学实录片段)
师:请说说, 你喜欢什么动物?
生:老虎!
师:为什么呢?
生:老虎可厉害啦, 它谁都不怕!
生:猫才厉害呢, 它会帮我看家, 我最喜欢它了.
生:……
师:下面请3位小朋友到前面黑板上来画画自己喜欢的动物.
画好后, 老师顺势请同学们一起分辨了一下.
(这是一个新老师在上课, 她并没有对孩子们提出比较有目标性的作业要求.)
能够看到, 一年级的孩子们依旧用自己最熟悉的点和线来表现最喜欢的动物形象.
发现1:在很多时候, 孩子们用绘画的方式对事物形态进行整体经验把握, 基本是借助于线条描绘这种隐喻性符号, 这样的表现称为“儿童线描”.这是因为, 线条的运动性特征, 恰恰适应于这个阶段的儿童自身成长的动态性.任何儿童在用画笔记录生活物象的时候, 选择的最普遍的表现符号就是点和线.
发现2:点和线是所有儿童最常用的表现手法, 在教学活动中, 知道儿童美术教学有线描的表现形式, 但却不太明白如何引导他们进行点线表现.在小学一年级的美术课堂上, 大多数教师只是按照教材的课题顺序去传授, 缺乏对其点线表现的研究性指导.
那么, 我们在一年级开始的教学中, 需要在所使用的教材的基础上, 自主地为儿童的点线造型能力发展设计分类教学训练.即在使用的教材课题里, 有意识地将不同的线描表现性训练贯穿于课题中, 而且每个课题都有相应的联系.如:《奇妙的同心圆》与《心中的太阳》两个教材内容, 练习要先与课题的主题关联, 安排几分钟来玩画圆的游戏, 要求一个比一个大, 再发一张纸, 根据纸张的大小完成大圈, 由外向内, 逐渐缩小.这样既让孩子们练习了线条的流畅度, 又放松了小手, 又愉悦了心情, 为下面的深入进行的表现环节奠定了基础.
2. 设计与表现
例:《生活中的基本形》 (第一册第二课) 直接归纳了圆形、方形、三角形
教学要求———认识基本形;
教学内容——由“说一说, 生活中有哪些基本形”开始;
作业设计——撕纸、积木平面图形、勾线填颜色;
学习建议——运用不同的形, 画画身边的物品或景象.
在这一课教学里, 只有表现要求, 但如何去表现, 教材没有清晰提示.看起来可以为担任教学的老师留下很大的余地或者说是空间.但在实际……其实, 从小学一年级开始, 我们的课堂教学里最为缺乏的就是创造性表现, 回归到对点线与形态这个具体问题的讨论, 我们和孩子们都需要明白:线条与形态不是临摹出来的.“点线图形”系列内容的重组 (如图) .
二、形色涂鸦的情趣化
1. 形色合奏
每个学生自我意识的觉醒, 生命意义的建构, 认知世界的探索, 都需要以亲身体验的方式加以弥合.在激活学生原初生动的感悟力的基础上, 让美术与自己的生活境遇和生活经验进行活生生的体验交流, 借助现实的直观、感悟、操作, 获得一种介入式的理解与学习.如角色扮演、图形记忆、表演发表、欣赏比较、探究合作、自主创新、创意分享等.我从整合的角度, 审视研究的可行性和科学性, 重视教学资源与学生能力培养之间的内在联系, 循序渐进地将一二年级美术“造型·表现”学习领域教学内容中的“物与色”进行重组:分块与组合, 纳入日常教学活动中 (见图) .
我充分利用和挖掘各种有效教育资源, 让美术文化的元素融入鲜活的儿童美术作品之中, 体验抒发自我情感及想象的乐趣, 体验美术造型表现的乐趣, 体验生命表达的乐趣, 通过一系列实践活动努力做到各种教育资源的有效整合, 为促进学生学习兴趣和培养学生创意思维起到积极作用.
2. 万物印象
设计以综合活动形式的创意行动, 拓宽空间、延伸内容、扩大视野、发展思维.让学生以开放的眼光来看待丰富多彩的美术世界, 让教师以更加宽广的视野, 关注和整合本课程.我将万物印象分为三个创意活动模块:动物百态、植物天地、人物写真, 现以动物百态为例进行说明:“动物百态”是一、二年级美术教材中关于动物系的整合, 以校内低段学生为对象, 选择《动物身上的斑点》这课为起点, 指导孩子们对吴冠中作品的赏析, 创新研发导入创作和装置展演等系列活动.设计出结合视觉艺术、表演艺术的教学, 激发学生的想象力与创造力, 和学生探讨艺术作品、艺术家和艺术创作, 表现活动的感受与体验的创新教学过程, 从而, 获得创意作业.在这个系列活动里, 我们希望用“画画”加速、用“分类”补足、用“生活”激趣、用“创意”呈现、用“尊重”发展, 首次采取的奇招有———
奇招一:动物系统分类
用学生的语言和熟悉的生活事物将动物有系统的分类.
在所有生物组成的广大范围中, 依照他们的特征加以区分, 能帮助我们更了解动物.当观察两种动物时, 要如何找出他们之间相异或相似之处?我将彼此相像的动物集合在一起.能让孩子们一目了然地去了解庞大的动物群体.我将动物根据外形特征来分类.
奇招二:改用“画图”的方法
改用“画图”的方法, 提高学习效果运用动物特征创作.
在绘图的过程, 学生要一直咀嚼动物造型, 还要思考动物间的特征, 如此有助于动物的理解和熟悉, 自然可以增进学习成效, 以下就是孩子们对画面方式认识动物优点的陈述:“让我们对动物的印象加深了”, “画过之后, 对动物有了很多了解”.如下图:
奇招三:画出动物变态的一生
了解动物生态后, 请孩子发挥想象力, 结合各种动物的特征创作设计一个怪兽, 并画出这个怪兽的一生, 规定是完全变态的, 请学生异想天开!如:诞生 (卵) →年幼期→中年期→老年期.
3. 千色变化
涂:学习色彩的初步知识与涂色技巧, 培养学生观察、想象、构图能力, 表现节日烟花美、欣赏绘本美、创作有关地下的事物的想象画、描绘梦境、感受水墨韵味.
每个美术学习的课题, 并不是孤立存在的, 而是关联着不同的点.它如同一个无形的网络, 需要我们美术教师进行梳理, 选择适合孩子们心理、生理发展特点的主题及思路, 构成一节节课的学习内容.将之前“万物印象”创意行动的重组学习融入该模块中 (如图) .比如:在《我喜欢的绘本》中融入“热带鱼”和“假日”内容, 将《五彩的烟花》的油水分离法表现形式在“处处有鲜花”和“热带鱼乐园”中再现, 在《奇特的梦》里融入快乐的情感事件“快乐的假日”等.
三、材料表现的多元化
1. 纸材的更新
创新意味着改变, 创新意味着付出, 创新意味着风险……会创造的儿童作品丰富, 会再造的儿童个个自信.我们在选择低年级儿童适合的绘画题材时, 也要选择合适的表现形式.素材对于图像创作来说是必不可少的.它的意义不但在于“使用”, 更重要的是, 我们可以从中获得灵感, 没有比这更重要的了.除了图画本上的白纸外, 我们可让孩子们多尝试体验不同材质的纸.儿童创作的表现形式是丰富多彩的, 同一主题, 也可以有不同的表现形式, 如彩色卡纸、马粪纸、水彩纸等.
2. 形式的跨越
根据新课标要求让孩子尝试不同的工具, 用纸、颜料、橡皮泥、剪刀、胶水、树叶、木蘑菇、刮刀等媒材, 印印、画画、做做, 体验造型活动的乐趣.但是学生准备工具众多, 课后整理也花不少时间.我们把同类型、同材质、同工具的课归类在一起, 如《摹印指纹》《指印的联想》《印印画画》《倒影》都属于拓印手法, 需要学习用水粉等工具进行印画, 虽然在课本中他们各自独立, 但就技法而言, 它们是层层递进的, 所以归为一类, 循序渐进能让学生更好地掌握拓印的多种手法.
美术是一门关于创作的学科, 孩子们的创作几乎体现在每一节课中.力争让每个学生的创作都充满自己的想法, 体现他们个人的创作智慧和个性, 展示他们的审美品位, 还浸润着他们的感情, 充满了生命的活力.这样的学习过程确实可以帮助学生更有效地学习, 这将使得他们在未来的生活里也可以灵活、机动、更有效地学习, 对任何困难的事都有好点子解决他们的问题, 要让学生对任何学习具有信心与满怀成功的心态, 这才是最重要的.
摘要：本研究是以浙美版一、二年级“造型·表现”学习领域的内容为例, 经过对教材内容的梳理重组后, 从学生最爱的“点线”出发, 进行了自我化的点线描绘、情趣化的形色涂鸦、多元化的材料表现“三步行”.
关键词：点线描绘,形色涂鸦,材料表现
参考文献
[1]李国芳, 周增炎.儿童意象美术的特征与图式训练 (文艺研究) , 2010, (05) ;
[2]董奇.儿童绘画教学创造力的培养.网上文章.2009.11;
[3]赵薇.兴趣培养, 美术教学的有效途径[J].科教新报 (教育科研) , 2010, (12) ;
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[5]李力加, 章献明.小学美术教师专业能力必修[M].重庆:西南师范大学出版社, 2012;
造型表现 篇10
一、 对“造型·表现”领域的理解
造型是具有广泛含义的概念, 但在本领域中指的是运用描绘、雕塑、拓印等等不同的美术表现 方法 ,创作视觉 形象的艺术创作活动; 表现则是通过美术创作活动来传达观念、情感和意义的过程。造型与表现是美术创造活动的两个方面,造型是表现的基础,表现是通过造型的过程和结果而实现。
通过“造型·表现”领域的学习活动,学生应达到以下目标:1.认识与理解线条、形状、色彩、空间、明暗、质感等基本造型要素,并能运用对称与均衡、节奏与韵律、对比与和谐、多样与统一等组织原理进行造型活动和表现, 激发想象力和创新意识;2.通过对各种美术素材、技巧和制作过程的探索及实践,发展艺术感知能力和“造型·表现”能力;3.体验造型活动的乐趣,让学生产生对美术学习的持久兴趣。
二、“造型·表现”领域的教学策略
( 一) 教师要做好课前准备
1. 对教学内容及教材以外的拓展内容做到充分理解和掌握, 对教学内容在本册及整套教材中的位置及作用进行准确定位。
2.情境创设的准备。美术是一种视觉艺术 ,培养学生有一双会观察的眼睛非常重要。艺术来源于生活,教师平时要多引导学生观察周围的环境和事物 ,发现素材,积累素材。
3.教具的准备。生活中处处都有美术元素 ,学生的学习用品、教室的环境布置、学生的动作姿态等都可以成为辅助教学的有利素材,教师巧妙运用多种资源作为教材教具,可以使常规的课堂教学富于变化, 使学生对于美术的学习更有兴趣。
4.了解学生。教师要上好课 ,就要深入了解学生已掌握的知识和已有的生活经验, 要研究学生的心理特征和认知水平以及不同时期的喜好, 还要预想到学生在学习中可能出现的各种问题及预设解决这些问题的策略。
( 二) 要求学生做好课前准备
1.学生课前的知识技能准备。要求学生对已有知识 、技能进行重温与回顾,寻找到新旧知识技能的联系,为即将学习的知识技能起到铺垫作用。
2.学具的准备。实践操作需要工具和操作材料 ,这是学生开展实践活动的最基本条件。教师把相当一部分的学具准备工作交给学生去做, 这样不仅提高了学生学习材料准备的效率, 同时还克服了学生的依赖性, 锻炼了学生的能力。
( 三) 教师要准确把握学生现有的认知水平
最近发展 区是一定 的已经完 成的发展 系统所形 成的 ,儿童心理机能的发展水平与预计将达到的发展水平之间存在着差异。学生与教师之间无论从心理还是从知识经验方面也存在着较大的差异, 所以教师在教学活动中往往无法准确地判断学生现有的认知水平, 或将学生的水平估计过高,或将他们的知识技能评价过低。这两种情况都不利于教师有效地实施教学活动。因此,教师应通过前测、让学生反馈、尝试等多种方法找到学生学习知识的难点,有针对性地进行指导,切实做到教为学服务,提高课堂教学的时效性。
( 四) 培养学生良好的学习习惯
很多情况下我们看到一节课结束后学生未能展现出较为完整的艺术实践作品, 于是教师就会认为学生的动手能力太弱。但对学生实践活动再进行细致观察,往往就会发现很多学生的问题是出自于习惯而不是能力, 如有的学生未能把精力充分地投入到实践中,出现懈怠 、贪玩、注意 力分散等问题; 有的学生合作完成任务时出现依赖或过于霸道等现象,这些都不利于高效地完成学习任务,所以注重日常学生学习习惯的培养是提高课堂教学实效性的重要因素。
( 五) 教师要做好示范
