莫扎特风格的诠释

关键词： 音乐创作 回旋曲 钢琴 音乐

莫扎特风格的诠释（精选十篇）

莫扎特风格的诠释 篇1

一、版本的选择

要在莫扎特音乐作品的弹奏中,把握其演奏风格,首先要选择好音乐曲谱的版本,首选能够反映莫扎特作品艺术特征的原版,维也纳原版或者哼勒新版都比较忠于莫扎特原作。1956年的Nathan Broder版,是根据最为可靠的第一首莫扎特手稿以及头版资料而编订的,在1960年时做过一些修改,虽然不能说每一个细节都是最准确的,但确实是基于莫扎特手记谱法之上的,并在括号中标注了演奏的提示,此版本中没有指法的标示。在G.Schirmer版与Carl Fischer版这两个版本中都作了很多的修订,并作出了很多指法标识。很多演奏者认为,Barenreiter版是演奏者们的首选,是在世界上权威的莫扎特版本Neue Mozart Ausgabe的基础上的版本。另外,还有Konamann版与Henle版本,都很不错。

二、触键方式以及音色

想要弹好莫扎特钢琴作品,必须要有正确的触键方式以及优美的音色,演奏者手指是否灵敏,是体现莫扎特钢琴音乐的重要因素。莫扎特的钢琴音乐作品细腻中带有纯洁空灵之感,清新中带有圆润与光泽,要弹奏出其钢琴作品的清脆音效,手指触键就必须要均匀、集中,并且要轻快、灵敏,手腕到手指要灵活。例如在弹奏调音的时候,要使手臂的力量自然掉落,胳膊放松,自动下落,要知道,莫扎特音乐的弹奏过程中,调音的表现就像拍皮球一样,手腕处要极富弹性,才能够体现音乐的活力感。

小连线奏法也是体现莫扎特演奏风格的重要因素。小小连线可以说是音乐的语气表现,在表现音乐内容方面非常重要,常常用来表现温婉、优雅的情愫,弹奏这类的音符,要求声音柔和,第一个音符落下时尾音的处理要将手腕轻轻带起。在莫扎特的音乐作品中,几乎每个小句子的最后一个音都不会显得过于长,这也从侧面体现出其开朗与欢乐的情绪。

三、旋律与歌唱性表现

旋律是所有音乐作品的灵魂,更是莫扎特钢琴音乐中最为重要的元素,在他的作品中,主旋律常常表现为简单且富有歌唱性。莫扎特音乐所有的重音表现都是圆的,因此弹奏时不能直接打上去。其作品中许多的音阶或琶音的快速跑动中都蕴含着旋律,貌似简单,实则内含着多种不同表现的内容,在弹奏过程中,不断是多么强的音符表现,都能表现的尖锐和生硬,要保持柔润与饱满的音色。

莫扎特钢琴音乐作品具有较强的歌唱性特点,在弹奏中带有韵律伴奏音型的地方都要表现的轻且透,指尖的力度要集中,体现明亮的旋律,和弦的声音要丰满富有歌唱性。即使是表现简单的乐句,都会有体现内心的音乐。

四、弹奏的速度与力度

钢琴弹奏的速度快慢要与音乐风格及表现内容相符合,这也是准确掌握莫扎特钢琴音乐风格的重点。在弹奏中,速度要平稳,不能忽快忽慢。莫扎特钢琴弹奏要保证速度的精细,以灵敏的反应的保证动作下速度的准确性。

在弹奏莫扎特的协奏曲,需要在乐章主题最后一次的表现时要有所变化,有时候要表现的比之前稍快稍显轻盈,最后结束时要达到一个高潮,有的时候,在最后的主题出现时的处理要稍微慢些,当然,最后怎样处理还是要看弹奏着的音乐修养,风格上必须既自由又有说服力,不能超出莫扎特的风格。莫扎特钢琴作品力度对比幅度是比较保守的,力度上避免过强、过弱,莫扎特音乐力度对比幅度不是很宽的,但莫扎特在一个p到一个f的强弱范围内变化是无穷的,他的渐强或渐弱不能弹得太突出,要一点一点的,如弹得太强,声音就会粗糙,如弹得太弱,又会没有声音。即使他的sf也不可超过圆滑的范畴。

五、和声与装饰音

相比较李斯特以及贝多芬的和声,莫扎特的钢琴音乐做显得比较简单,其音乐的和声语言简洁、优美,又极富有和谐之感,表现出莫扎特音乐的典雅风格。莫扎特的钢琴音乐看似简单,实际内涵丰富的表现内容,要从音乐本身的内容里去理解,尤其要从和声里去理解,和声往往是很重要的因素。在弹奏莫扎特的音乐作品时,不一定要将音符弹奏的特别响,但是一定要表现出意味深长,并在换和声的时候要有透气之感。莫扎特习惯于降E大调,就像寒冬中一抹暖阳,体现出一种清新明朗的色彩。

装饰音丰富了莫扎特的钢琴音乐,对于其风格的形成有着很大的作用。在莫扎特自身的生活中就偏爱华丽的服饰,这一点也反映到了他的音乐创作中,在其钢琴音乐作品中,常常有较为华丽的装饰色彩,在弹奏过程中,注意手指要轻巧且清楚。

在演奏莫扎特的钢琴作品时,不要过于注重每个乐句的细节化处理,要着眼于整篇乐章,主要调性、段落的速度、强弱以及音色的对比上,才能够更好把握其音乐弹奏的风格,感受作品中饱含的内容与新意。演奏者要保持理性又要感情丰富充沛,准确掌握音乐中丰富的表情,让听者在欣赏过程中感受到莫扎特钢琴音乐作品的整体魅力。

摘要：莫扎特的钢琴作品在世界钢琴艺术史册上占有着非常重要的地位置。莫扎特的音乐明朗流畅,古典中给人以清新、纤细、纯真之感。要弹奏好他的作品,必须要具备一定的弹奏技巧,才能够准确完美的表现其音乐作品的艺术风格特色。

关键词：莫扎特,钢琴作品,演奏风格

参考文献

[1]马雪竹.走进莫扎特——学习研究莫扎特钢琴作品演奏风格的体会.[J].音乐创作.2011(06)

[2]樊禾心.《钢琴教学论》.[M]上海音乐出版社.2007.

莫扎特风格的诠释 篇2

一、音乐风格的对比

音乐风格是作曲家的性情气质、思想感情和时代思潮风气的混合产物。从音乐史上看，处于同一时期的作曲家，其创作风格必然要受到那个时代的社会思潮、社会风尚和社会心理的影响，并且在作品中显示其历史的独特性。

1、音乐创作。奏鸣曲体裁由不同数目的乐章组成，乐章之间在调性、速度、情绪上形成对比，几个乐章作为一个整体，彼此存在着内在的逻辑关系。海顿一共写了62首奏鸣曲，每首奏鸣曲之间的质量差别很大，但他的作品里包含了对音乐的热爱，对人生、世界、自然所持的豁达态度，海顿乐观坦然的性格使他的音乐洋溢着健康、质朴、幽默、轻松的情趣。他的这些作品都十分的精巧、典雅、纯净，在欢乐中隐含着淡淡的哀愁。两相比较，海顿比莫扎特在音乐创作上做了更多的尝试，莫扎特的奏鸣曲大都是三个乐章的结构，第一乐章以奏鸣曲快板的快速开头，接着是以歌曲形式或回旋曲式的慢乐章，最后是回旋曲或奏鸣曲的终止乐章。海顿在很多的作品中也遵循这一模式，但他创作了九首两乐章和两首四乐章的奏鸣曲。

1772年以后，海顿和莫扎特开始交流创作思想，莫扎特从海顿那里学到主题的发展和转调的独创手法，海顿则看到莫扎特是如何强调第二主题，并使之以第一主题形成对比。海顿的发展部分原来只是调性有灵活变化的较短段落，听了莫扎特的音乐后，他扩展了他的展开部，因而为呈式部的主体材料提供了发展和处理的可能，但海顿的再现部比莫扎特有更多的变化。

2、风格特征。维也纳古典主义音乐时期是钢琴艺术发展的重要阶段，其风格必然渗透着时代不同的个性和特点。从听觉上说，海顿的奏鸣曲初听时不像莫扎特奏鸣曲那样迷人，海顿不是很关心钢琴上的歌唱性，而是致力于纯正的表情，其作品有一种朴实的热情，并有很强的幽默感。海顿的奏鸣曲继承了巴洛克的遗风，表现出特有的中庸平和之美。在他的作品中，听不倒复杂的.对位式织体，也没有倾诉般的个人情怀的流露，而是处处荡漾着富有朝气、淳朴快乐的生命情绪。

与之相比较，莫扎特的音乐是纯粹的，是潇洒自如的，他的音乐很容易表现出高洁、清淡的气质和性格刻化的能力;同时，又保持着自身内在的逻辑倾注美好的理想，诉诸心灵的渴望。在莫扎特的奏鸣曲中，主题形象生动，富有歌唱性旋律，多是生活风俗性的。他的快板乐章极其明亮、灵巧、典雅，表现出阳光般的明朗和乐观的情绪，表现出富有变化的独特魅力。

3、曲式结构。海顿发展了前古典主义时期流传下来的奏鸣曲式，对其进行了精细的加工并形成了成熟的曲式结构。奏鸣曲式是维也纳古典主义在音乐结构思维方面最杰出的贡献。奏鸣曲式一方面是大三段体，理式部B}开部(再现部;另一方面又是两个相对立的主题之间矛盾、对比、冲突和统一的集中表现，反映了矛盾双方对立统一的思想方法。在海顿的奏鸣曲中，主题形象比较单一，两个主题之间的对比也不甚尖锐。主部、连接部、副部篇幅都不太长，结尾一般也比较小，仅仅是整个奏鸣曲式的补充，而莫扎特奏鸣曲中主题形象更丰富一些，两个主题之间的对比也清楚一些，但主体、连接部、副部的篇幅仍不会太长。同时海顿和莫扎特音乐中那无与伦比的结构感和对复调因素的特殊处理，以及丰富的想像和独特的创意，使他们的音乐区别与同时代的人，成为了古典主义的精髓。

二、演奏特点的对比

演奏不同时期、不同流派的钢琴作品，需要具有能演奏出符合这一时期、这一流派的音乐风格的演奏特点，那么演奏两位作曲家的钢琴奏鸣曲时，必须对演奏技术、训练手段等方面进行分析和比较，只有细致地掌握和理解演奏中的音乐性质和技术方面的运用特点，才能从根本上掌握海顿和莫扎特奏鸣曲的音乐艺术风格。

1、速度与力度。钢琴奏鸣曲演奏中正确的速度是极其重要的，任意的变换速度都有损音乐的风格。海顿和莫扎特从未在他们的奏鸣曲中标上速度记号，从整体上看，演奏维也纳古典主义作品要贯穿相同的、稳定的、均匀的速度，不能忽快忽慢，不要渐强时快，渐弱时慢，充分保持统一的速度。从细节范围看，可运用渐强、渐慢、延长、自由等等节奏装饰手段。节奏即要稳定均匀，又要富有弹性。从钢琴演奏来说，声音影响音乐的表现，也影响速度的感觉。海顿和莫扎特的力度记号一般只在之间的范围内，但我们知道维也纳时期的键盘作品都是为古钢琴而写的，因此，最大的音量只相当与mf最小的音量相当于ppU那么要求我们在演奏时，力度的对比应以乐句为基础，力度的特征应表现在句与句之间的细致程度上。

2、触键与音色。优美而富有变化的音色是所有演奏者追求的重要目标，音色证明了演奏者千变万化的触键所获得的无穷的音乐魅力。随着时代的变化，现代的钢琴很难弹奏出维也纳时期古钢琴和羽键琴的那种明亮、清脆的声音。在弹奏海顿和莫扎特的奏鸣曲时，要将手上的动作与古钢琴、羽键琴的声音相结合来表达古典主义特有的典雅和高贵的气质。海顿的音乐充满了蓬勃朝气，富有幽默感。演奏时，要用晶亮透明的音色、均匀清晰的音律、生动活跃的节奏、流畅悠扬的气息、圆润优美的歌唱性来表现海顿特有的风格。}3}153要做到这些，在弹奏时手臂要多放松，要多用手指和手腕的力量，指尖要感觉敏锐，快速的音符要弹得有光泽，触键要均匀、有穿透力，声音要像一粒粒珠子穿在线上，演奏如歌的音乐时，手、臂、肩都要放松，丝毫都不能紧张。

与之相比较，莫扎特的奏鸣曲十分注重声音的灵巧与华丽，因此手的触键要求对能否获得良好的、真正的、纯粹的音色占十分重要的地位。当连奏时，手指必须靠紧琴键，应有组织、有控制地下键，手指要贴着键盘移动，使连音演奏达到高层次;音色要明亮而圆润时，要求手臂用松而不懈的力量，使指尖发音敏捷，控制好自己的肌肉感觉;音阶的经过要求干净、流畅、准确，触键要快，手指与键盘保持紧密联系，指尖要敏感，动作越小越好;重音在呼吸时，不要直着下去，要特别注意乐句的呼吸，手腕尽量放平，可以左右移动，不能高低起伏太多;弹轻和弦时要注意声音的和谐、统一，不漏音，有和声感，要认真地探索指触的垂直与水平的细腻对比。

三、结语

浅议莫扎特的作品风格 篇3

关键词：莫扎特；作品；音乐风格

莫扎特作品的产生与其生活的环境有着很大的关系，可以说莫扎特的生活环境是其作品产生的背景。莫扎特出生于宫廷乐师之家，其本身有着良好的音乐功底，他在11岁时就已写下人生的第一部歌剧。此外，他在音乐创作方面还进行了学习和锻炼，如1784年他参加了共济会，对共济会宣扬的自由、平等、博爱思想有着强烈共鸣，并在这种思想的启迪下创作了许多作品。莫扎特在其短暂的一生中写出了大量的音乐作品，涉及到了音乐艺术的各个领域，留下了很多不朽的杰作，其主要作品有《虚伪的善意》、《巴斯蒂安与巴斯蒂娜》、《本都国王米特里达特》、《卢齐奥·西拉》、《假园丁》、《牧人王》、《伊多梅纽》、《后宫诱逃》、《女人心》、《蒂托的仁慈》、《费加罗的婚姻》、《唐璜》和《魔笛》等20余部。

另外，莫扎特的演奏风格也以典雅、精致、纤巧、细腻而闻名，而这也主要是由当时的社会背景和其生活环境造成的。例如《第十一钢琴奏鸣化曲》创作于1778年，其主要创作背景是1772年莫扎特结束旅行演出后，回到了家乡成为了宫廷乐长，但当时大教主专横、粗暴、野蛮压制，迫使莫扎特不得不到别的宫廷寻求职位，所以1778年他随母亲远赴巴黎。而到巴黎后，其境遇也不随人愿，最终也没有求得一官半职，母亲也在这个时候去世了，虽然遭遇了种种不幸，但莫扎特仍写下了五首优秀的巴黎钢琴奏鸣曲。这些乐曲情感内容深刻，大都乐观、明朗，带有一种启蒙时期特有的自信与乐观，而乐曲中也不时会流露出哀伤的情调，这五首钢琴奏鸣曲的完成也标志着莫扎特钢琴奏鸣曲创作的完全成熟。例如《A大调钢琴奏鸣曲》就是其中最典型的一首乐曲，而且采用了莫扎特继承和发展的阿贝尔梯的低音手法，乐曲第一乐章是由主题和6个变奏曲目组成的变奏套曲，主题带有再现二部曲式主题的体裁风格，近似意大利西西里舞曲民谣特性，旋律朴实、明朗，富有歌唱性；此乐曲在性格上更为抒情，音乐的安详情绪接近了莫扎特的精神，表现出的温暖情感的深度是空前的；乐曲主题优美的行板，6/8节拍，A大调，附点的节奏，音乐时值基本上一拍一音，旋律有意简化，同音反复也为后面变奏留有余地；在此乐曲主题的4个乐句中，前半段为8小节，后半段为10小节，每句前半旋律流畅抒情，后半段音响加厚是和弦式陈述，而每段乐句开始都以西西里舞曲特性节奏开始，给观众留下了深刻印象。

在当时来说，莫扎特的作品与贝多芬的作品有着默契的互补性，就像大阳和月亮、树林和飞鸟、天空和大海，永远是呈现互补的状态，但又有着绝对的统一性，使得两者作品所表达的含义真切生动。

莫扎特的众多作品对后世音乐都产生了很大的影响，其中部分歌剧作品在当时也引起了很多人的关注，主要包括《费加罗的婚姻》、《唐璜》、《魔笛》等。

《费加罗的婚姻》于1786年进行了首演，在当时引起了社会各界的广泛关注，甚至在布拉格也家喻户晓。但这部歌剧没有采用当时夸张、滑稽的手法，而是将重点转移到人物性格的描写上，增强了抒情性，展示了作品重唱的技巧和表现力。《唐璜》则是在1787年出现的作品，它是由典型的意大利式戏剧演变而来的，加强了人物的心理刻画，运用戏剧化的重唱增强了矛盾的冲突。《魔笛》是在莫扎特生命的后期创作出的，它主要反映了作者在当时所追求的启蒙主义和自由、平等、博爱的理想，这部歌剧是由德国民族童话的代表作《鲁鲁的魔笛》（《Lulu oder die Zauberfl？觟te》）发展而来的，此歌剧的创作标志着18世纪德奥小歌剧的发展告一段落，并为后来浪漫主义歌剧的产生奠定了基础。

交响乐是每个音乐家的基本领域，也是音乐重要的创作领域。莫扎特的作品就包含有50部交响乐和50多部协奏曲，其中代表作有7部：第31交响曲“巴黎”具有法国的音乐风格和丰富的音响；第35交响曲“哈夫纳”实际上是一首小夜曲；第38交响曲“布拉格”只有3个乐章，不再是对意大利交响曲的模仿，常被称作“没有小步舞曲的交响曲”；第36交响曲“林茨”反映了受J·海顿交响曲创作的影响；第39交响曲明朗愉快，充满诗意；第40交响曲富有戏剧性和乐观主义情绪，被称为莫扎特的“英雄”交响曲；第41交响曲“朱庇特”宏伟豪迈、乐观向上，预示了莫扎特英雄性交响曲的出现。协奏曲则是除歌剧外莫扎特在音乐创作上的突出题材之一，也正是由于莫扎特的这些协奏曲确定了18世纪古典主义协奏曲的结构原则，例如其作品中3个乐章对比并置的套曲结构，双呈示部，展现了独奏乐器的技巧性；其27部钢琴协奏曲占有突出地位，代表作有d小调、c小调、A大调等；7部小提琴协奏曲中，G大调、A大调、D大调比较突出。

莫扎特有很多作品都受到了世人的喜爱和欢迎，并被作为经典流传下来，究其原因在于其作品风格一直是乐观向上、旋律优美，而且把握了含蓄、典雅、玲珑剔透的音乐风格，最重要的是他有着自己的特色。首先，莫扎特的作品有着很强的旋律性，在欣赏其作品时，可以感受到每个音符的透明度，有着浓烈的艺术韵味；其次，作品晶莹而透亮，在指触上主要以Non Legato为主，用指尖触键，快速而不生硬，奏出均匀清晰的音粒，受众可以清晰地感受到音符的跳动；再者，强弱的合理安排。莫扎特的作品很少有大起大落的强弱对比，差不多每一句都有渐强渐弱的曲线，其作品中很少出现F-PPP的强烈变化，但乐句与乐句之间却经常出现前后照应、强弱对比，犹如对话一般，一问一答、错落有致，有时短短的两个乐句要弹好都并不容易。同时，每个乐句本身又有着强弱曲线，使句与句之间形成了强烈的对比，如第一乐句可以演奏得稍微弱一点儿，像是在提出问题，第二乐句则可以演奏得较第一乐句稍强，以达到回答问题的效果，当然还有其它的处理方法，但都必须有所变化，形成前后力度和强弱的对比；最后，作品的细节性。乐谱本身有着各种各样的标记，因此，演奏者在演奏时没有太多自由处理的机会，而是按照其标记进行演奏的，如跳音、连音、休止等能较准确的表达出作者的意图，展现了莫扎特注重细节性的一面。因此，在演奏莫扎特作品的时候十分讲究，如正确的使用右踏板。一直以来，对于弹奏莫扎特的作品是否应该使用右踏板这个问题上，始终存有争议，笔者认为应当使用，但要少而精炼的使用，决不能因为使用了右踏板而使织体清晰度、句法和奏法变得含糊不清，应尽量让人察觉不到，只在为了音色使一个难以应付的连奏变得更为容易而短时间地使用。恩格尔曾写过“哲学和美学文献中的莫扎特”，里面列举了大量的欧洲哲学家和文学家对莫扎特的崇拜和赞扬，其中有人提到说：“两百年过去了，作为欧洲精神的一个重要组成部分，莫扎特音乐不仅活着，而且还成为欧洲时代最强音之一。谁能想象要是没有了莫扎特的音乐，欧洲精神会成什么样子呢？世界难免会觉得单调和寂寞。”也正如德国作家司汤达所说：“被莫扎特音乐迷住的人，将无法从其他音乐家的作品中得到满足。”

综上所知，莫扎特是世界杰出音乐家的代表人物之一，其作品也成为了世界音乐史的珍贵遗产，受到了世界人民的欢迎，其诚挚、细腻、通俗、优雅、流利的音乐风格、充满乐观向上的思想和对美好社会追求的反映，就像一束温暖的阳光，给受众带来了新的生命力。

参考文献：

[1]卡尔·巴特.莫扎特：音乐的神性与超验的踪迹[M].上海：上海三联书店，1996年版.

[2]瓦尔纳.莫扎特：作品和生平[M].北京：中央音乐学院出版社，2006年版.

[3]卡尔·巴特.论莫扎特[M].上海：华东师范大学出版社，2006年版.

| 作者单位：河北大学文学院

莫扎特的歌剧风格形成与歌剧剖析 篇4

一、莫扎特音乐成就的基础

1. 莫扎特从小就是音乐天才成为他以后的创作源泉之一

玛利亚王后 (MARIA THERESA) 说过, 他看上去全然不象七岁的小孩, 是一个缩小的成年人, 就像简单地跳过了他的童年。他写作风格在他去世后变为流行了, 年轻的莫扎特几乎是他父亲的缩影, 依据传闻利奥普与小号J.A.SCHACHTNER回家时发现他五岁的孩子专心地写着一首键盘协奏曲, 该曲几乎是他父亲一部作品的重现。另外由十九世纪的艺术家所画的木刻画中可见11岁到14岁时的MOZART, 无论哪里都像个卷发的天使。对于人们, 无法理解为何那如神赐的音乐从这个孩子身上涌出来。莫扎特的天才是19世纪的总结。在匿名的法国出版物上, MOZART发表了一些独立完成的作品, 作品所显露出与同时代不相同令人惊异的东西。那不会令人弄错的信息是:“非常用力地用羽毛笔去写, 只有小孩才会那样的。”

2. 旅游的岁月成为他以后的创作源泉之二

带着两个天才孩子四处游历的经验让利奥普无法抗拒, 同时可让MOZART增加更多的知识。在1762年到1766年间, 他们几乎走遍欧洲的每一个主要国家, 为了满足观众, 莫扎特要读很多困难的乐谱, 和即席写作。当他六岁时, 他就在MARIA THERESA的夏宫为皇后表演。在皇后给他的旅行公寓里, MOZART不小心摔倒, 皇后的小女儿MARIE还亲手扶起他。莫扎特当时还说长大后要与MARIE结婚, 并用他的手臂围着MARIE和亲她。莫扎特有较长的时间停留在伦敦, 在1763-64年间, 他们停留了有15个月, 在此他们进见了皇帝GEORGE III和皇后。这时的10岁英国王子还要由保姆带着。坐在大键琴前的MOZART不同于他身旁的三个大人的地方只是体形。他就像一个美丽的玩偶。在伦敦的其他场合MOZART与这里的音乐家们经常聚会, 很可能在这里认识了J.S.BACH的最小的儿子JOHANN CHRISTIAN BACH (克里斯帝安-巴赫) 。这样MOZART早期在伦敦写的交响曲经常出现J.C.BACH的影子就并不意外的, 不论是11岁或14岁, 他的钢琴、小提琴、即兴创作, 以及作曲也算是个神话了。从1768年到1775年他停留在萨尔斯堡期间, 他和他的父亲有过三次远游到意大利和德国。这样小莫扎特熟悉了欧洲各地最先进的音乐文化:意大利歌剧、法国歌剧、德国器乐, 使得小莫扎特眼界大开。

3. 良好的家庭环境

小莫扎特的父亲LEOPOLD (利奥普) 来自AUGSBURG (奥斯堡) 的一个装订商人的家庭。开始, LEOPOLD将注意力转移到的从事作曲上来。定居在萨尔斯堡后利奥普在超过四十年的期间, 侍奉过五个大主教。1756年当小莫扎特出生时, 利奥普正好出版了他的第一部小提琴教程。由此很快地他就扬名国际。在1800年, 在利奥普去世差不多十二年后, 他的这部教程仍然使用着。小莫扎特的母亲ANNA MARIA与利奥普有着足足三十二年的婚姻, 她的父亲WOLFGANG是一个被受赞誉的男低音歌唱家和合唱队领唱者。由于家庭的培养, 她聪明且应变很好, 这些都让冷静而沉默的利奥普为之动心。

二莫扎特的歌剧风格形成与性格

1. 刻画复杂人物的特点与莫扎特的性格之一:清高

莫扎特的性格之一也就是导致他在以后的音乐生涯中屡遭坎坷的原因:蔑视权贵。他因为忍受不了萨尔兹堡的霸道, 毅然辞职, 成为第一个摆脱宫廷教会的自由作曲家。在维也纳, 他几乎只是依靠自己教学, 开演奏会, 组织歌剧演出, 接受委托作曲而生活。他没有固定的职位, 也没有固定收入, 他自己在音乐上的天赋总是那么自信与清高。现实生活中的莫扎特饱受了生活的酸甜苦辣, 所以他多人生的感悟是深刻的, 他的音乐作品对人物形象的剖析也是入木三分的。

2. 综合并超越谐歌剧正歌剧和其他歌剧风格界限的能力与莫扎特的勤奋努力

当然, 任何一部伟大优秀的作品的诞生, 前期肯定积累了作家无数的创作积累。尽管莫扎特是一位在音乐上的天才, 但是《费加罗的婚礼》《唐潢》《女人心》《魔笛》这些优秀歌剧的诞生, 与莫扎特前期的、早期的歌剧的创作努力是分不开的。莫扎特前期的歌剧的创作尝试了大量的歌剧风格与传统:正歌剧 (既有传统风格也有格鲁克的改革风格) 谐歌剧及歌唱剧 (带有歌剧的德语戏剧, 类似于现代的音乐剧。因此他有足够的经验把原来的独立的严肃音乐剧与滑稽音乐剧有机的结合起来。

他酗酒, 他太爱赌博----打牌, 打台球---并且下注还不小, 但是他既是臭牌篓子又是臭球手。那些年, 莫扎特的收入实在不能算少---最多的一年, 他的收入相当与270万元人民币 (按照1994年的价格计算) , 即使在他穷困而死的1891年, 他的收入也有54万元---但是, 多少收入能够赶得上赌博的输出呢?

就在这样悲惨的生活中---穷困、疾病、嫉妒、倾轧, 日常生活中一切琐琐碎碎的困饶都不能使他消沉;他乐观面对一切的心情一丝一毫都没有受到损害。

1791年11月, 莫扎特病倒了。经过3周的高烧之后, 大夫们已经束手无策。12月4日, 莫扎特的生命走到了最后时刻。这时候, 他还得操心神秘的灰衣人委托的《安魂曲》的写作, 写好妻泪曲 (lacrymmosa) 的第一段之后, 他自己试唱女低音, 其他四人合唱了这一段, 唱完之后, 莫扎特忽然意识到自己可能不能完成《安魂曲》了, 他丢开谱子, 禁不住眼泪簌簌而下。就这样在生命的最后关头, 莫扎特仍然在继续他的音乐之路, 就是这种执着的追求使得这位年轻的音乐大师为世界人们留下了宝贵的精神财富。

三、吸收18世纪时代的精神精华, 表现了资产阶级作为一种上升阶级的乐观进取精神

18世纪这是一个前所未有的、有系统的、开明的、政治意识的萌芽时代。在MOZART的一生时间里所发生了一系列事, 根本地改变了他不仅仅在乡村式的萨尔斯堡生活而走向世界。启蒙哲学家比如JEAN-JACQUES ROUSSEAU, 主张人生活于自然, 权力是上流社会的, 并不是单纯是统治者的。人不可能再回到那种相信神授的无知的社会, ROUSSEAU提倡建立一个对人教育的制度, 教导人们的道德, 发掘人们的天才潜能。FRANKIS VOLTAIRE是一个热情的启迪教育拥护者。忠实于光明正大的思想和正义信念。他花费了一生去写讽刺、抨击、辱骂强权。对神的信仰是他最大的原因。启迪教育并不是必须的, 但却是一场民主的运动, 在法国, 路易十四, 和后来的路易十五, 路易十六是专制主义的王朝。但奥地利的皇帝MARIA THERESA有较大宽容和自由的主张, 有志于进行民主改革。所有的这些都让莫扎特觉得新奇, 他大胆的紧跟新的意识的步伐。另一方面有更加反对愚昧、保守、落后的大主教, 在他的作品中最后总能看到代表新兴资产阶级的人物形象通过自己的勇敢才智而获得最后的胜利。这是一种阶级的、时代精神的浓缩——乐观、向上!《费加罗的婚礼》最后男主角通过自己的机智勇敢, 还是夺得了女主角的爱情。

莫扎特尝试了当时所有的歌剧分支类型, 尽管前期的作品可以看出他受到了同时期音乐家的影响, 如《伊多梅妞斯》反映了格鲁克歌剧的影响, 但是后期的几部传世之作显示了莫扎特特有

话语·政治·权力

——吕荧美学思想解析

王宗峰 (淮北师范大学安徽淮北235000)

一、从话语角度考察的必要性

话语自然牵涉到语境问题, 这样就把吕荧的话语活动与特定历史语境联系了起来, 从而拓展了考察对象的有效值域。把吕荧的美学思想作为一种话语来考察, 就不会封闭于文本之内, 相反, 在历史语境中, 文本作为研究对象是开放的, 因为文本之外的文化法则与政治逻辑相通, 对文本的研究与超文本的研究就被连接起来, 从而获得历史性的、整体性的考察视野。[1]当然, 跳出文本并非真正目的, 正如必要时钻进文本一样, 只是一种间歇性的解读策略, 这样便可以从理论上做到出入自如, 以求解读得酣畅些。话语自然要牵涉到言说动机, 如此以来, 吕荧的话语活动便又与历史意志勾连了起来。因为在考察存在于语境中的权利模式、话语规则和时代意志时, 存在于文本中的看似牢固的真理性陈述也将被连带考察 (实质上是很重要的考察目标) , 理由是有力的, 真理性陈述也逃脱不了历史既定的宿命。历史和话语都将被并不庄严却不无严酷地解剖, 先前不可一世的真理被不容分说地撕开, 示众的只剩下策略性的游戏。正如孙津所说:“话语的真理不仅在于它说什么, 而且在于它怎么说, 换言之, 话语是否被接受为真理, 不仅与它的内容有关, 而且还与话语使用者的意志有关”, [2]

二、中心化的话语行为

吕荧和同时代的众多知识分子一样, 无时无刻不在作着中心化的艰苦努力。对于被边缘化的恐慌感和焦虑感甚至成了这个民族的集体记忆, 这是那个特定语境为存活于其中的符号动物而铭纹的集体无意识。生活中脱胎换骨的改造, 学术上欲休还说的表态, 都无不表征着中心话语或无形或有形的张力性绵延。特定文化语境中的吕荧和同时代的众多知识分子一起, 在社会政治文化生活中作为一个群落在遭遇着愈演愈烈的边缘化的威胁和挤压, 其实质是一个话语事件。吕荧背负着特定语境中大部分知识分子所特有的原罪意识, 极其虔诚地进行着脱胎换骨的改造, 他热血沸腾地参加土改斗争会、情绪激昂地走进工厂、豪情万丈地介入民间, 因为在“总体政治化”的语境中, 这些是中心话语最切实、最具体而微地落实于世俗生活的场合。思想上, 吕荧痴迷地研读马列哲学, 可谓深入骨髓, 真诚地咀嚼着中心话语的惠泽。学术上, 其政治化倾向极其鲜明, 面对中心话语的诱惑, 知识已经化为政治符号的无限膨胀和能指的反复游戏。吕荧对其作为话语主体之立场的确证和展示是通过对其话语之政治倾向性的反复强调来完成的。在亮明自己的学术观点之后, 吕荧便毫不犹豫地拿中心话语来作论证, 从原典到继承再到发展阶段, 中心话语所得以寄存的各种形态的马克思主义理论是吕荧用来标识其话语的符码。这种宗经征圣式的话语行为, 既与历史惯性有密不可分的血缘关联, 更可视为吕荧中心化的努力。这种话语行为在吕荧的学术中随处可见。在批评蔡仪《新美学》的文章中, 吕荧严正指责蔡仪美学观点是超社会超现实的, 认为这是唯心论美学, 理应“根本推翻”。[3]针对蔡仪美学, 吕荧通过“我们”进行主体置换[4], 以期私人话语的公共化, 不由分说地站到中心的队伍中, 而且站到了中心话语的经典言说者身边。文本的上下文便是—番意料之中的宗经征圣, 中心话语符的音乐风格, 他综合其他歌剧题材的风格, 创作了《费加罗的婚礼》《唐潢》《女人心》《魔笛》等重要歌剧, 尽管他不到36岁就英年早逝, 但是在他短暂的一生中留给了后人浩如烟海的音乐作品。在他一个乐章中使用的旋律比当时大部分作曲家整部作品中还要多。莫扎特称为音乐的象征, 莫扎特的辉煌将永远闪耀在人类音乐史页上!

参考文献

[1]陈灿.欧洲音乐地图[M].南海出版公司.2005.1.

[2]恩里科.福比尼.西方音乐美学史[M].湖南文艺出版社, 2005.

[3]张前.音乐美学教程[M].上海音乐出版社, 2002.

[4]于润洋.西方音乐通史[M].上海音乐出版社, 2001.

[5]王凤岐.简明音乐小词典[M].上海音乐出版社2005.

莫扎特歌剧创作风格的时代性特点 篇5

关键词：莫扎特 音乐风格 文化背景

沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart，1756年1月27日-1791年12月5日），出生于奥地利的萨尔茨堡，是古典主义盛期的最杰出的奥地利作曲家之一，亦是维也纳古典乐派的奠基人，他与海顿、贝多芬齐名称作“维也纳三杰”。

作为“天才之星”的莫扎特，自四岁开始作曲，至三十五岁英年早逝共留给世人七百五十四部佳作（含一百三十二部未完成的遗作），莫扎特的创作所涉及交响乐、协奏曲、室内乐以及他自己最钟爱的歌剧。

一、莫扎特音乐创作的时代背景

“时代造就了音乐，而音乐又体现了那个时代。不同时空经纬中的社会文化背景，已随着历史的车轮一去不复返，作为其表现形式的音乐却蕴含着文化环境中依稀可见的文化内涵。虽然不能就一点而窥其全貌，但只要理解了凝结在音乐中的文化内涵，就能更好的把握时代的文化特性。”

18世纪的欧洲正值动荡时期，古希腊、罗马文明再次呈现在人们面前，一场新古典主义思潮正深刻的影响着当时的艺术创作风格。同时，自由、平等、博爱是十八世纪启蒙思想家所宣扬的主要思想，一股强有力的思想热潮蔓延到当时各个文化领域。音乐作为最具有鲜明特点之一的艺术形式，启蒙思想更是渗透其中。而莫扎特作为这一时期最具有代表性的作曲家之一，音乐里所蕴含的自然性、平等性以及博爱更是非同一般的。

莫扎特的创作时期可分为三个时期：少年时期（1756-1773）、成熟时期（1773-1780）及维也纳时期（1781-1791）。

（一）少年时期（1756-1773）

莫扎特出生在一个音乐之家，父亲列奥波尔得·莫扎特是萨尔茨堡的宫廷音乐家，母亲安娜·玛丽亚·莫扎特更是擅长大提琴和小提琴。幼年的莫扎特在这样良好的音乐环境下接受音乐教育，同父亲学习钢琴及作曲。六岁的时候，莫扎特就显现出了过人的音乐创作才华，他的父亲以此为傲，便带着年幼的莫扎特到德、法、英等国旅行演出。在旅行中，莫扎特结识了J.C.巴赫、G.B.马蒂尼等音乐家，并向他们学习作曲。此时期的学习为后来莫扎特歌剧的创作打下了良好的基础。

（二）成熟时期（1773-1780）

1773年莫扎特终于结束了为期十年的旅行演出，回到了萨尔茨堡。此时期莫扎特的音乐创作受到狂飙运动思潮的影响，自然的人文情怀是莫扎特此时期创作的主要特征。

（三）维也纳时期（1781-1791）

维也纳时期的十年，是莫扎特音乐创作最重要的十年，因不堪忍受大教主的欺辱毅然决定辞职，作为欧洲历史上第一位挣脱宫廷束缚的音乐家，虽然表面是自由但实质未能摆脱封建社会对他的压迫。《费加罗的婚礼》、《唐璜》均创作于此时期。

二、莫扎特音乐风格的形成

莫扎特的音乐细腻华贵、明朗典雅，充满阳光般的乐观精神。作品表面贯穿着各种矛盾，却始终表现出仁与爱的高度统一。他始终追求自由，宣扬人性，作品中体现了作为创作者的个性与思想。

歌剧是莫扎特最喜爱的创作领域，他毕生共创作二十二部歌剧，题材广泛包括德语歌唱剧、意大利正歌剧、意大利喜歌剧等。他塑造的歌剧人物性格丰富、生动，刻画的经典角色深入人心，就连他歌剧中的一些小人物也是活灵活现。莫扎特的博爱更体会在对一些反面角色的描写上，他从不吝啬将优美的旋律给歌剧中的反面人物，他体谅着每一种人，站在天堂之口关爱着每一个人，这样的创作和启蒙运动所推崇的平等博爱相契合。后世更感动于莫扎特对于世间多种灵魂的包容，他是向神性的，他的音乐似乎是上帝的微笑能够抚平人类的心伤。

莫扎特的音乐是极苦之后的超脱。莫扎特音乐里充满阳光快乐，但是他的生活并不顺利，他父亲反对他的婚姻，因为他和他妻子的结合而断绝了与他的父子关系；他虽创作力旺盛，有可观的收入，但因与妻子两人疏于理财过得入不敷出；他曾先后有七个孩子，五个孩子都过早夭折等等诸如此类。生活是不断地打击他，似欲击垮他。

我们看不到莫扎特真实的生活是怎样的，但是他的音乐里，却是那样的和谐光亮，如仙境一般。故此，我们更愿意相信，莫扎特的音乐是极苦之后的超脱，他自己是承受着痛苦的，但是他给人们的却是快乐。莫扎特的音乐体现的是他赤子般纯澈的心，他不曾被世俗染色，独立于世，是高贵的，但亦是亲切的。他深入了生活，却又独立于生活。他在音乐方面是天才，在人格方面更是闪烁着独特的光亮。他的音乐朴素而达观，没有过深的教化意义，甚至普通听众会觉得孩子气十足。他仅仅把世界美好的一面呈现在你面前，仿佛盛了一杯光亮，邀你共饮。

三、结语

“歌剧是欧洲最豪华、最奢侈的舞台艺术，追求视听的愉悦、心灵的体验，是歌剧的艺术魅力之所在。歌剧汇集了音乐、舞蹈、文学、戏剧等艺术形式于一身，又包容充满了矛盾和斗争的形形色的人物角色。它是现实生活的缩影，是表演和歌唱的熔炉。”歌剧是莫扎特音乐创作中成就最为突出的领域，他植根于时代的土壤中，创作出体现时代人文精神的歌剧作品。

基金项目：

本文为信阳师范学院青年科研基金项目《抒情男高音在歌剧中的艺术表现力》阶段性研究成果，项目编号：2013QN-041。

参考文献：

浅析莫扎特钢琴奏鸣曲的音乐风格 篇6

一、莫扎特简介

沃尔冈夫·阿曼德斯·莫扎特 (1756—1791) 是奥地利作曲家, 有“音乐神童”的美称。他出生在奥地利萨尔兹堡一位宫廷乐师家庭, 他的父亲列奥波德·莫扎特 (1719—1787) 是一位小有才华和声望的作曲家, 一部著名的小提琴演奏论著的作者。莫扎特自幼便显露出非凡的音乐才能, 三岁学钢琴, 五岁开始作曲, 六岁便在父亲的带领下到慕尼黑、维也纳巡回演出, 并获得成功。作为古典主义音乐的典范, 他对欧洲音乐的发展起了巨大的作用。在短短35年的人生当中, 他涉及到了各种音乐创作领域, 其作品数量达700多部。莫扎特音乐创作的原则, 用他自己的话说, 就是“我把欢乐注入音乐, 为的是让世界感到欢乐”。他的音乐被后人誉为“含着眼泪的微笑”。莫扎特的伟大在于他只用最简洁的音符和音乐手法, 表现最深刻的思想感情和人生经历。

二、莫扎特钢琴奏鸣曲各创作时期风格及作品分析

(一) 充满朝气的创作初期 (1774—1775)

1774年, 18岁有着强烈的求知心理的莫扎特, 在这一时期莫扎特创作了六首钢琴奏鸣曲, 即《家乡奏鸣曲》, 分别是[KV.279]-[KV.284]这是他旅行演出返回萨尔兹堡期间创作的。这一时期的莫扎特年轻、开朗, 对生活充满了希望, 处处洋溢着无忧无虑的少年气息。

在莫扎特早期六首钢琴奏鸣曲中的第六首《D大调奏鸣曲》[KV.284]是最辉煌的一首, 这首曲子处处洋溢着青春的活力。

第一乐章开头十分神奇, 整个主题的旋律线条让人感到一种积极向上的生活态度。从22—34小节是副主题, 它和主题一样都给人一种积极向上的感觉。左手多用八度和三度音程使乐曲充满了气势。从34小节到呈示部的结束使这种辉煌的气势发挥到了最高水平。右手第一开始是双声部的弹奏, 还出现了附点三十二分音符, 左手是音程八度上行, 并且在44、50小节中左手和右手同样是附点三十二分音符的下行, 使它的紧张度使它充满了戏剧性。展开部从52-71小节, 它并没有发展呈示部的主题, 而是引入了一个新的乐思, 整个旋律充满了意境和幻想。66小节开始左手音程右手是八度, 气氛是欢快的, 波浪式的旋律此起彼伏给人一种温暖而兴奋的状态。最后用音阶的快速流动结束了展开部, 给人一种单纯的美。而后进入再现部。

第二乐章的标题是波兰舞曲风格的回旋曲, 回旋主题的每一次出现, 莫扎特都会给它加上新的装饰, 使得旋律特别的丰富。1—8小节是主题, 他给人一种优美和恬静, 表现出端庄和高贵。9—16小节进行了第一次回旋主题的装饰, 是主题所体现出来的古典韵味更加的浓厚。17—24小节进行了第二次的主题装饰。由25—30小节连接导入展开部, 展开部让主题音乐更加丰富起来, 似乎是内心的感觉和倾诉。

第三乐章是莫扎特第一次写出的真正的“主题和变奏”共变奏十二次, 带有幽默的戏剧性, 同时反映了莫扎特音乐一贯的流畅、干净、清新, 给人一种无可厚非的音乐质感, 主题的开始似乎是一种沉思, 可却同样让我们感受到莫扎特平和的状态, 音调柔和、沉着、质朴, 如歌唱般的进行着。

(二) 复杂多变的创作中期 (1777—1778)

在1777年之前, 莫扎特主要生活在萨尔兹堡。这时候的莫扎特不再单纯、稚气, 他经历了失恋、丧母, 他对自己的前程十分担忧, 再加之经济的窘迫等等, 让他体会到了人生中阴暗的一面。

这一时期的莫扎特共创作了七首钢琴奏鸣曲, 分别是两首《曼海姆奏鸣曲》[KV.309][KV.311]和五首《巴黎奏鸣曲》[KV.310][KV.330][KV.331][KV.332][KV.333]。这时的风格与之前的相比较, 明显变得深沉, 有一种不由得让人叹息的哀怨, 和改变不了命运的无奈。

《a小调奏鸣曲》[KV.310]这首钢琴奏鸣曲是莫扎特在母亲离开人世后创作的, 乐曲充满了悲剧性, 但我们仍然能从旋律中感受到莫扎特的坚强。它代表了莫扎特这一时期的情感, 这是现实生活面具后的内心。

第一乐章已开始就被小调的忧伤充溢着, 主题通过急速并不断重复的低音和弦和旋律部分的附点节奏, 将压迫感表现的淋漓尽致。22—30小节是副主题, 像是在慢慢的诉说自己的忧伤和痛苦。在呈示部的结束部分, 左手是连续的音阶上下行, 右手在一次用到附点节奏, 用到音程甚至和弦, 增加了悲壮的气氛。从50小节开始进入展开部, 主题由原来的a小调转入C调, 缓解了呈示部给人的一种紧张气氛。然后进入再现部。

第二乐章是一个“充满如歌似的行板”, 但仍然表现出莫扎特的那一份孤独和凄凉。主题刚开始用弱起进入一个感人的世界, 旋律如歌般的流动着, 在生动背后却隐藏着一丝伤感。主题的第8小节运用了“阿尔贝堤”、“低音重结”为音乐注入了新动力。在31小节副主题进入, 音乐仍悲伤的哭泣, 第32小节左手用大和弦伴奏, 彰显出音乐的质朴。在37小节左手用三连音贯穿着始终, 音乐如波浪般起伏, 像是内心的低诉。在43小节右手是连续十六分音符的弹奏, 是自然中活力的彰显。

第三乐章是回旋曲式, 1—16小节是主题部分, 音乐中充满了一种冥想。B部分从37—106小节进行了频繁的转调, 从a小调—C大调—d小调—e小调表现了他内心的一种不安。107—142音乐出现了主题旋律A部分, 再进入C部分时转到A大调, 音乐之前那种不安的气氛有所缓和。结束是虽然回到了a小调, 但感情已经趋于平静, 但那种伤心和忧郁仍在继续着。

(三) 窘迫的创作后期 (1784—1789)

莫扎特自1778年完成钢琴奏鸣曲[KV.333]后, 迁居并于1781年5月起定居维也纳。他在此期间创作了六首钢琴奏鸣曲, 1784年创作了[KV.457], 1788年创作了三首[KV.533][KV.545][KV.547a], 1789年创作了两首[KV.570][KV.57]在莫扎特奏鸣曲集中我们不得不提到幻想曲[KV.475]和奏鸣曲[KV.457], 这两首是由莫扎特特别指出出版次序的, 是所有奏鸣曲中最宏伟、最热情的两首。[KV.457]完成于1784年, [KV.475]完成于1785年。许多学者认为这首奏鸣曲的热情和激情已经超越了其他作品, 它预示着贝多芬奏鸣曲的诞生。

这时的莫扎特面临着病痛和死神的威胁, 我们看到的是他比原来还要坚强的坚强, 他将内心的悲愤、忧伤、哭泣都化作了一个个希望的音符, 像是在启迪人们对未来的思考。

在莫扎特十九首钢琴奏鸣曲中, 最令人神往的是《C大调简易钢琴奏鸣曲》[KV.545]。我认为这首奏鸣曲充分的反应了面对死亡和病痛他坚强、乐观的一面。曲子一开始用充满稚气的音符陈述着, 表现了莫扎特对死亡的态度, 是何等的乐观, 积极。主题的出现让人的感觉到真实, 是爱抚, 仿佛是在温柔的歌唱。5—12小节快速的音阶跑动, 体现了莫扎特积极的生活态度。进入副主题后, 音乐逐渐热闹起来, 好像孩子们在嬉戏一般。从29小节进入展开部进行了g小调—d小调—a小调的转换而左手是和旋分解和音阶交替弹奏, 像是两个人平静的诉说自己的生活一样。而后的主题用G大调进行陈述, 同样表现了一种质朴和清晰的内心。

第二乐章是一首田园诗, 音乐开朗的神奇。莫扎特不是一个喜形于色的人, 他所有的情绪都隐藏着, 通过音乐的内涵和精神, 让人们慢慢的体会。音乐依旧柔和却多了沉思、多了伤感和惆怅, 这仿佛是森林深处发疯的野兽般的低吼, 是向往自由心灵的呼唤。

第三乐章节奏采用轻快的回旋曲风格, 主题活泼明朗, 又一次莫扎特的“童心”展现了出来。给音乐人一种生机勃勃的印象。这就是莫扎特在阳光下的跳跃, 似乎他也在同孩子们玩耍。他的生命力永远都那么阳光、顽强。我们可以理解为是创作让他坚强或是性格决定他不再懦弱。

三、莫扎特钢琴奏鸣曲音乐风格中的精神内涵

莫扎特钢琴奏鸣曲是他短暂人生的总结描述:有年少时的明朗、单纯、稚气;有成年后看到现实阴暗面的忧郁、痛苦、坚强和对那初次恋爱的朦胧情愫;有晚年被疾病、痛苦、孤独缠绕下, 那中复杂的心情和坚强的生命力。“含着眼泪的微笑”似乎是对莫扎特音乐情感的最直白的描述。

三个时期的作品, 反应出来的精神内涵是不同的。在“歌唱性”的前提下, 述说和每一个阶段的故事和成长经历, 所以我们在诠释作品时不能只单单看谱面的力度、速度、音符的变化, 更应该着重理解每个时期莫扎特的遭遇, 以及他的内心感受。

莫扎特创作了极富有个性的音乐风格, 他的音乐中所蕴含的的特质, 使他成为维也纳古典乐派的代表之一。他完善了维也纳乐派钢琴奏鸣曲三个乐章的套曲形式。他的钢琴音乐以优美、流畅、明朗、乐观为主要特征并创造性继承、发展了“阿尔贝梯低音”手法, 增强了低音的旋律性, 既吸取了法国库泊兰古钢琴音乐中装饰音的曲雅趣味, 又大大地改变了装饰音的形式, 使装饰音不再仅仅装饰作用使之为旋律的组成部分。这种新的钢琴语汇的创造, 不仅形成了莫扎特钢琴音乐所特有的清新、典雅的风格, 而且对后来的作曲家也有很大影响。这些钢琴奏鸣曲的形式是古典时期的标志, 莫扎特作品的光芒持续到他生命的终点。时至今日, 莫扎特的钢琴奏鸣曲仍然对音乐家和音乐爱好者有着不可忽视的影响。

关键词：莫扎特,钢琴奏鸣曲,作品分析,音乐风格

参考文献

[1].[美]露丝·史兰倩丝卡著、王润婷译, 《指尖下的音乐》, 广西师范大学出版社, 2005年.

[2].杨九华, 《西方音乐史》, 湖南文艺出版社, 2006年.

[3].陈比纲, 《论莫扎特钢琴作品的特点》, 钢琴艺术, 2006年, 第5期.

[4].Alfred Brendle文、俞星译, 《给莫扎特演奏者的几点建议》, 钢琴艺术, 2006年, 第5期.

莫扎特钢琴协奏曲的音乐演奏风格 篇7

一、莫扎特的经历

莫扎特是一位杰出的奥地利作曲家, 1756年出生于萨尔斯堡一个宫廷乐师家庭。早在少年时代他就被世人公认为是最伟大的音乐天才之一, 他3岁开始弹琴, 6岁开始作曲, 8岁便写下了第一部交响乐……16岁时他被任命为宫廷管风琴师, 虽然在此期间他创作了大量的优秀作品, 但他为了不受大主教的任意欺凌, 终于在1781年来到维也纳, 成为历史上第一位自由作曲家。在这段时间里, 他接触了巴赫、亨德尔的作品, 并结识了海顿, 从而也丰富了他的音乐理念。在位也纳, 莫扎特的音乐成就令人惊叹, 他曾这样描述他的音乐创作:“无论多长的作品都是在我的脑海中完成, 我从记忆中取出早已储存好的东西, 当他们在纸上呈现出来时, 竟和我的想象几乎毫无二致……”尽管莫扎特一生充满坎坷和艰辛, 但他的音乐始终给人带来真正的纯美。

二、莫扎特钢琴协奏曲的特点

莫扎特无疑是一个细腻的人, 所以他的钢琴音乐会让人感到一种柔和之美。莫扎特的音乐没有贝多芬钢琴协奏曲的激昂, 也没有他富有戏剧性演进历程, 只是用当时比较流行的奏鸣曲式的结构来构成, 但是却向人展现出他协奏钢琴音乐的魅力, 将他的内心世界充分展现在世人面前。莫扎特的音乐作品就像是山上的一泓清泉, 它很纯洁、每一个音符都有一种柔和之美, 在这样的柔美细腻中让人可以感受到作品的变化和戏剧性, 让他的钢琴曲更加生动, 更加饱满, 同时也更加充实。在他的协奏曲中往往都会出现三、四个主题, 并且在这样的主题中逐渐将听众引入到新的主题中, 主题与主题之间的变化是如此的和谐, 如此的美妙, 这是在其他钢琴音乐作品中不曾感受到的。如果说贝多芬的钢琴协奏曲主要是通过双主题的对立来表现人物人性的抗争, 那么莫扎特则是通过多个主题来描绘主人公活泼开朗乐观的一面, 展现出他对生活的热爱, 对生命的阐释。莫扎特一起独特的音乐视角来创作出自身的钢琴音乐风格, 将自身的音乐天赋展现的淋漓尽致, 让人可以感受到他音乐表情上的变化魅力——在一种平和的状态下来诠释他对生活的认知, 对人性的认知。莫扎特的音乐自然流畅, 没有音色的变化, 但是他的作品中却蕴含着一种复杂的情感, 需要人们仔细去体会其中的情感, 感受情绪之间的起伏。通过对莫扎特音乐风格的把握, 可以更好的体会莫扎特刚起协奏曲创作的精髓。

三、旋律与节奏变化特点

摸扎特的钢琴协奏曲旋律非常丰富, 它的主调旋律可以充分的表达出人的思想情感, 而且常常处于主导地位, 因此需要演奏者需要对其进行正确的理解, 演奏时既要充满歌唱性, 表现出钢琴协奏曲的丰富表情, 还要保持音乐演奏的淳朴性。演奏者在演奏莫扎特的钢琴协奏曲时首先需要将旋律的线条理清, 抓住每一个音乐细节, 逐渐去体会旋律的轮廓, 如旋律进行的上升、下行、拱形以及波状等。在演奏时要保持旋律的歌唱性, 将旋律能够立体化、流畅的演奏出来, 同时还要避免旋律处理的孤立性。除此之外, 莫扎特钢琴协奏曲的演奏中, 演奏者还要将自身的情感抛开, 善于控制和调整自身的情绪, 将自己内心对莫扎特音乐的感受充分表现出来, 用自己的内心去进行钢琴演奏, 让自己的双手展现出更加美妙的钢琴协奏曲。莫扎特的音乐具有严格的节拍, 因此在演奏时需要对其节奏和韵律进行精确定位, 左手在弹奏时要保持节拍的严格性, 发挥它的音乐推进作用, 演奏时要防止停顿感的出现, 要将音乐流畅的表现出来。

四、触键与音色特点

莫扎特的钢琴协奏曲比较重视声音的灵活性和华丽性, 能够将古钢琴和羽管键琴的动作相结合, 这样弹奏出的乐曲不仅充满灵动性, 同时还给人以流畅的气息, 表现出古典钢琴的典雅和华贵的气质。尤其是在钢琴的演奏中, 触键的方法不同, 会出现不同的音乐感受, 这就需要演奏者在演奏过程中去真正把握莫扎特的音乐创作感情, 将他内心的纯真表现出来。如果旋律需要进行连奏时, 手指必须要十分接近琴键, 要有组织有目的的进行弹奏, 手指尽量贴着键盘移动, 这样可以将音乐的演奏达到最高层次。同时在音色的处理上要保证其圆滑和明亮性, 手臂要有松而不懈的力量, 让指尖发音比较敏捷。在音阶的处理上, 要求要干净利落、流畅准确, 手指和键盘之间要保持者比较密切的联系, 降低指尖的动作幅度。

莫扎特的钢琴协奏曲音色比较明快、纯净, 演奏者要想把握住这样的音色, 就需要对声音有着较为敏感的处理能力, 也要有着敏锐的听觉, 将音乐的精髓抓住。通过对音乐的想象, 发掘出自身的音乐天赋, 培养音乐表现能力, 展现出莫扎特钢琴协奏曲的真正含义。

五、总结

莫扎特的钢琴协奏曲是纯洁的、是典雅的, 在这样的音乐中, 我们可以充分体会到他内心的宁静, 对生活的热爱。演奏者在对其进行演奏时需要去体会莫扎特的创作这些作品时的内心世界, 准确把握作品的音乐情绪, 掌握好音乐节奏和速度的变化, 充分展现出自身对莫扎特协奏曲的认识, 按照钢琴弹奏的要求, 将自己对莫扎特的理解演奏出来, 提升自身对音乐的感悟能力。

参考文献

[1]张艳.分析莫扎特钢琴奏鸣曲的音乐风格[J].边疆经济与文化, 2010, 7 (20) :99-100.

[2]姜晨.莫扎特《c小调钢琴协奏曲 (KV.491) 》第一乐章创作特点分析[J].北方音乐, 2010, 5 (36) :78-79.

莫扎特钢琴奏鸣曲的艺术风格探析 篇8

关键词：莫扎特,钢琴奏鸣曲,艺术风格

在西方钢琴艺术领域, 莫扎特钢琴音乐有着不可忽视的重要地位。莫扎特在音乐创作方面有着非凡的才能, 而钢琴奏鸣曲则是莫扎特音乐创作才能的重要体现。莫扎特钢琴奏鸣曲具有旋律优美、和声简洁以及情绪饱满等特点。而且莫扎特还非常善于将心理刻画、性格描绘等融入到钢琴音乐当中, 使钢琴音乐不仅能够带给人们审美体验, 还能带给人丰富的精神享受。

一、莫扎特简介

沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特 (1756年~1791年) 是奥地利著名的音乐家、作曲家。莫扎特出生于一个宫廷乐师家庭, 从小就在音乐氛围的熏陶下, 显露出非凡的音乐才能。莫扎特四岁开始学习钢琴, 五岁便学会作曲, 八岁的时候已经创作出了许多奏鸣曲和交响曲。莫扎特曾经在欧洲许多国家游历演出, 这不仅对莫扎特的音乐创作产生了重要影响, 也让更多人认识和了解了莫扎特, 并对其音乐产生浓厚兴趣。莫扎特人生的最后十年, 也是其音乐创作的重要时期, 在这期间莫扎特创作的音乐作品, 形式多样、风格独特, 极具个人色彩。尤其是钢琴奏鸣曲, 对当时的钢琴艺术产生了非常积极的影响。莫扎特的一生虽然短暂, 但对音乐艺术贡献巨大, 是18世纪欧洲音乐艺术领域优秀而伟大的人物之一。

二、莫扎特的奏鸣曲

奏鸣曲是由主部和副部两个相互对立的部分构成。典型的奏鸣曲式是由呈示部、展开部以及再现部组成。呈示部部分由主部主题与副部主题在不同调上形成对比;而再现部部分, 则在同一调上出现, 形成统一;在展开部部分, 需要作曲家运用多样的创作手法来对音乐素材进行处理, 促使展开部成为具有作曲家个人风格的部分。莫扎特的钢琴奏鸣曲, 第一章大都采用快板式奏鸣曲式, 两个主题对比明显, 偶尔还会出现由不同性质动机组成的主题, 以方便展开。莫扎特善于巧妙的组织素材, 并灵活运用起来。莫扎特奏鸣曲的第二乐章, 大多是慢板形式或广板形式。虽然是慢乐章, 但莫扎特不会将创作标准降低, 而是非常充分、认真的进行表述。因此, 莫扎特大多数奏鸣曲的第二乐章, 在演奏时能够达到非常理想的效果。甚至成为莫扎特音乐演奏的炫技部分。莫扎特奏鸣曲的第三乐章, 则大部分采用的是回旋曲式或缩短的奏鸣曲式, 能够充分展示出莫扎特明朗、热情、纯真的人格品质。

三、莫扎特钢琴奏鸣曲的几个创作阶段

(一) 第一个阶段

莫扎特奏鸣曲的第一个阶段为1774年至1775年。这一时期莫扎特所创作的钢琴奏鸣曲编号为:K.279~K.284。这几首钢琴奏鸣曲是莫扎特在萨尔茨堡居住时创作。在创作成熟度方面, 这几首钢琴奏鸣曲虽然有些稚嫩, 但是也显现出了莫扎特与众不同的音乐才华。

(二) 第二个阶段

莫扎特奏鸣曲创作的第二阶段为1777年至1778年, 这一阶段莫扎特共创作了K.309~K.333七部作品。分别完成于曼海姆和巴黎。莫扎特在巴黎创作的这几首奏鸣曲, 是莫扎特融合、消化不同地区、不同民族音乐风格的代表作品。

(三) 第三个阶段

第三个创作阶段为1784年至1788年。在第三个音乐创作阶段, 莫扎特共创作了四首钢琴奏鸣曲, 也被称为莫扎特的晚期作品。这一阶段的钢琴奏鸣曲风格比较成熟, 形式较为紧凑, 带有非常明显的莫扎特音乐形象, 同时也具有极高的艺术价值。

四、莫扎特钢琴奏鸣曲的艺术风格

(一) 鲜明而极具歌唱性的主题

莫扎特的钢琴奏鸣曲, 无论是内容还是形式, 都独具个人魅力。钢琴奏鸣曲的主题形象不仅鲜明而且极富歌唱性。莫扎特是将歌唱性主题应用于奏鸣曲的唯一作曲家。其歌唱性与巴赫、亨德尔时期的歌唱性主题有着本质的区别。莫扎特钢琴奏鸣曲的主题是由一些短小的乐节组成。无论调性还是节奏都非常鲜明, 独特。莫扎特钢琴奏鸣曲的歌唱性主题, 不仅在创作方法方面更加宽泛, 在演奏方面也具有一定的新鲜感, 使钢琴音乐无论是触键感觉, 还是音色范围, 都得到了极大的丰富。此外, 莫扎特钢琴奏鸣曲发展部是其钢琴技巧发挥的关键部分。而且在两主题连接方面也非常到位。

(二) 极富变化的音型

莫扎特在钢琴奏鸣曲创作过程中, 大胆的使用了阿尔贝蒂低音, 音型富于变化, 高低声部相互变换。也会出现一些旋律性音符和经过句。但避免了阿尔贝蒂在低音方面的单调与重复。大大提升了奏鸣曲的生动性和趣味性, 也增添了作品的旋律感。另外, 莫扎特在钢琴奏鸣曲创作方面, 还是大胆的运用了变化灵活的装饰音, 将洛可可风格钢琴中的装饰音运用到作品中, 使作品的趣味性得到发挥。莫扎特能够将一些较为典型的装饰音加工成长串的装饰音经过句。既突出的装饰音的装饰作用, 又提升了作品的可塑性和影响力。

(三) 节奏与情绪的完美融合

莫扎特作为古典乐派的代表性人物, 其钢琴音乐作品具有非常典型的明朗、乐观情绪。莫扎特所创作的钢琴奏鸣曲, 都来源作者对生活、社会的亲身体验, 是莫扎特对生活经历的现实感触, 也是莫扎特个人情感的真实宣泄。不同阶段的奏鸣曲, 体现了不同时期莫扎特的情感历程和心理状态。尤其是奏鸣曲的旋律部分, 对莫扎特的思想情感具有非常直白的反映。莫扎特的钢琴奏鸣曲, 有的乐观向上, 有的平静美好, 有的纯朴自然, 也有的热情激昂、气势宏伟。莫扎特是第一位将心理特征、性格特点运用音乐进行描绘的作曲家, 无论是什么样的音乐情绪, 都体现了莫扎特在这一时期的心理变化。我们可以通过音乐来探索音乐大师的内心世界, 挖掘其细腻而丰富的艺术情感。莫扎特的钢琴奏鸣曲, 也是对人性特点的自然阐释, 尤其是在节奏方面。莫扎特将严谨的节奏与起伏的旋律进行完美结合, 使节奏与旋律达到平衡统一, 从而产生极大的艺术欣赏性和审美价值。

(四) 结构丰富的曲式

莫扎特在海顿的基础上, 将奏鸣曲的曲式进行了创新。使钢琴奏鸣曲在规模结构上体现出完整性与复杂性, 在形式方面体现出均衡的统一性。而且主题色彩对比强烈, 和声应用也非常果断, 都能够体现出相对成熟的创作手法。莫扎特在奏鸣曲曲式结构创作方面, 更具特色的是, 其奏鸣曲的呈示部中, 加入了独立性明显且相对成熟的第二主题。第二主题通常是在第一主题后的连接部之后出现, 这样便使作品更具鲜明的特点。与贝多芬相比, 莫扎特的钢琴奏鸣曲, 虽然戏剧色彩不浓, 但却具有精致优美的音乐特色, 音乐内含充实饱满。

五、钢琴奏鸣曲的演奏

在演奏莫扎特钢琴奏鸣曲时, 需要对演奏技术、音乐特征等进行深入分析与全面掌握。只有充分理解了莫扎特钢琴奏鸣曲的音乐特征和技术特点, 才能演奏好莫扎特的钢琴奏鸣曲。在演奏莫扎特钢琴奏鸣曲之前, 还需要具备良好的手指独立性, 同时, 还要训练良好的指尖控制力。莫扎特的钢琴奏鸣曲, 大多情感细腻, 节奏明快。因此, 在连音、跳音、半跳音以及装饰音等方面要求也较高。演奏时要注重古钢琴音颗粒而饱满的音色特点, 手臂尽量放松, 手指与手腕的动作要灵活、到位。在弹奏快速音符时, 要敏锐而自然, 触键均匀而有穿透力。尤其要注重对音乐情感的挖掘与诠释。

六、结语

莫扎特无疑是18世纪的伟大音乐天才, 对钢琴音乐创作与发展, 产生了极大影响。莫扎特的钢琴奏鸣曲无论是简单朴实的风格形式, 还是巧妙灵活的音乐织体, 都带有勃勃的生机与浓浓的个人情感。是莫扎特音乐热情与内心情感的真实写照。分析这些钢琴作品, 不仅能够让我们深入到音乐家的内心世界, 也能够让我们对18世纪的西方音乐艺术形象, 有了更深层次的认识。同时也为我们学习莫扎特钢琴音乐提供可靠参考。

参考文献

[1]梁文光.莫扎特钢琴奏鸣曲作品特征与演奏技巧[J].肇庆学院学报, 2006, 03:52-54.

[2]李茜.浅析莫扎特钢琴作品的风格及演奏特点[J].岱宗学刊, 2007, 04:73-75.

[3]刘婕.论莫扎特钢琴奏鸣曲的艺术风格[J].音乐探索, 2010, 01:69-70.

浅述莫扎特的钢琴曲的演奏风格 篇9

莫扎特钢琴曲演奏的正确速度是极其重要的, 任意变化速度, 均有损于莫扎特的音乐风格。莫扎特从未为他的作品标上节拍和速度记号, 但演奏他的作品要有个速度的定量:即一个包含4个16分音符的速度通常每分钟介于120—126之间, 一般不超过132, (Allegro快板) 。柔板 (Adagio) 可慢至八分音符, 即48—50。倘若一拍有8个音, 相当于16分音符, 即100左右。更快或更慢的速度都比较少见。在慢板乐章可以有少量适度的节奏自由性, 但要贯穿相同的、稳定的速度, 千万不能渐强时快, 渐弱时慢。要以极其灵敏的反应能力, 保证动作下的速度极为准确。

莫扎特在钢琴曲中标明的力度记号是多于巴赫, 但一般只在P与f之间的范围内。从乐谱上看, ff则极少使用。我们从钢琴艺术史上知道, 力度表现较能揭示出明与暗、动与静、远与近的关系, 而莫扎特的全部键盘作品都是为古钢琴写的, 而在现代钢琴上演奏莫扎特作品最大的音量也仅仅相当于“mf”, 最轻的音量则应相当于“PPP”。因此, 处理作品的力度方法一般可领会几点:

首先, 力度的对比应以乐句为基础, 指触的变化必须符合乐句语态的需要, 力度的特征是表现在句与句之间的细致程度上。

其次, 力度的风格既要鲜明又要恰当, 其分寸的限度一般为:PP—最轻弱地触键, 带有秘密、神秘的回声性质;P—可爱的、柔软的、安静的, 触键需坚定而有表情;mp与mf—介于轻与响之间, 像平静地说话语气。

再次, 重复句可以根据前后乐句的衔接和乐段情绪发展的需要作f, p的力度对比或明暗对比;模进句是加强语气使音乐有伸缩性的有效手法, 一般上行模进句多用于情绪上涨的乐段, 力度处理多为层层推进的递增;下行模进句多用于情绪转落或收尾时, 力度处理多为层层减弱。

最后, 力度范围必须是手的任何动作坚挺与弹性的结合, 支撑与顺活的结合, 要做到灵活平和、转合顺柔;轻而不虚, 强而不硬。

二、触键

莫扎特所处时期的钢琴发音明亮, 颗粒清脆, 而在我们现代的钢琴上是很难做到的。莫扎特钢琴曲注重声音的灵巧和华丽, 将古钢琴和羽管键琴的动作结合, 以均匀清晰的音粒, 生动活泼的节奏, 流畅悠扬的气息, 圆润优美的歌唱性, 从而表现出古典主义特有的典雅与高贵的气质。[1]因此, 不同的触键法对手的独立感、协调感, 乃至应变力及指尖控制是极为重要的。

为了准确表达莫扎特音乐的自如感, 获得良好的、真正的、纯粹的钢琴音色, 触键的原则可遵循以下几点:

首先, 手腕要有把位感, 根据音乐的走向, 使手指总是处于五指的位置, 任何时候手腕都要在放松的位置上, 绝不能有任何生硬之感。尤其要求表情的力量贯穿始终, 贯穿在音乐蕴底。当旋律要求连奏时, 手指必须十分接近琴键, 手指应很有组织、很有控制地下键, 手指贴着键盘移动, 重心从一个指头自然地无缝隙的交移到另一个指头, 使连音演奏达到高层次。

其次, 音色要明亮而圆滑, 就要求手臂用松而不懈的通透力量, 使指尖发音敏捷、略有“点”的感觉, 控制好自己的肌肉感觉。无论是跳音还是强音, 指尖都应有力, 让手腕的弹性与灵活性结合好, 不需要增添任何外加压力。音阶型的经过句要求干净、流畅、光辉、准确, 触键要爽快, 多用弹性的手腕和臂膀控制结实的指尖, 弹奏有弹性的跳音和圆滑的小连句, 句头和句尾的起落动作是作好句子的根本关键。每一组音阶和琶音都充满了虚和实的变化, 要有灵活的3、4指。低指可以加强手指对键盘的控制能力, 加强演奏的准确性。

再次, 手掌与键盘尽可能保持密切联系, 手指与琴键的接触方式比较垂直, 手指比较收拢, 弯曲成圆拱形, 防止手掌摇摆干扰手指的自主运动。指触要非常敏感, 动作越小越好, 指触以颗粒清楚的non legat。[2]为主, 触键的速度也在比较快的范围内, 即使稍慢的触键也需要中等的速度。下键时指尖一定要支撑住, 挂在键盘上, 手指要抓得住音, 而不是靠臂的重量压出声音, 发声后立即放松, 不要用臂力压迫键盘。要注意灵活与离键高度的适当, 保持自然放松状态, 要控制好发力点、击弦点、发声点的统一。重音永远不要直的下去, 重音是在呼吸, 要特别注意乐句的呼吸, 手腕尽量平稳, 可以左右移动, 而不要高低起伏太多。弹轻和弦时要注意声音的谐和、统一, 不漏音, 有和声感, 要认真探索指触垂直与水平的细腻对比。

三、音色

优美而富于变化的音色是所有演奏者追求的重要而困难的目标。音色则说明了演奏者千变万化的指触所能获得的永无穷尽的音响魅力。莫扎特的钢琴曲十分需要音质美感的演奏, 要求音色清脆、明快、透明、纯净, 一般可掌握几个要领:

(一) 要有正确的声音概念。

把握住音色造型上的完美;对声音须有敏锐的听觉, 使内心有个明确的追求。要经常用听觉的想象力去解释和调整音响层次的各种变化, 对键盘的轻重软硬的特性和偏向做到心中有数。要用理性去鉴别你所弹的每个音是否达到它所应具有的质量, 要根据个人的生理条件去追求莫扎特钢琴声音的细腻、均匀。音色变化幅度大, 发音才充实饱满, 才有共鸣的、圆润的透亮的声音。

(二) 音质有穿透力及柔美性。

必须对legato、leggiero、pp等加强训练, 审视和对比自己的演奏, 处理好手指的层次平衡与明暗, 时刻驾驭着音乐的空间感, 从而发出既有速度又清晰, 既均匀又明亮, 既轻快又细腻的声音。要不断想象, 想象越丰富, 发掘音乐内涵深度的可能亦越大。要依靠自己的音乐本能, 注意聆听, 随时调整触键, 造就好自己的内在听觉, 懂得极其细致而敏感的指触差别:弹奏慢乐句时注意声音的延长;弹奏富有弹性的快速音群时, 注意音质独具的铿锵、干净;弹奏歌唱性旋律时, 注意音色的温暖。

结语

关于莫扎特钢琴曲的演奏, 通过近百年来不断的学术考据、探讨以及演奏实践, 演奏的处理有较大的发展和变化。本文笔者初步的探索了莫扎特对钢琴曲所作出的开拓及贡献。希望文章的完成对如何忠实地再现莫扎特钢琴曲的原貌, 追求其演奏风格的纯正性提供一定的学术参考。

摘要：莫扎特的钢琴曲主要不是为音乐会而是为家庭或个人奏乐所用。主题大都富于歌唱性, 深切寄托着作者对个人生活经历的感受, 具有很强的内向性质。为此, 关于莫扎特钢琴曲的演奏, 通过近百年来不断的学术考据、探讨以及演奏实践, 演奏的处理有较大的发展和变化。如何忠实地再现莫扎特钢琴曲的原貌, 追求其演奏风格的纯正性, 是摆在每一个专业演奏者面前亟待解决的问题。我们从以下几个方面阐述如何正确地演奏莫扎特钢琴曲的演奏风格。

关键词：莫扎特,钢琴曲,演奏风格

参考文献

[1]林逸聪:《音乐圣经》, 华夏出版社, 2005年1月版。

莫扎特风格的诠释 篇10

关键词：莫扎特；歌剧；角色；风格；特点

中图分类号：J832 文献标识码：A 文章编号：1671-864X（2016）02-0240-01

在《女人心》这部歌剧中一共出现三位主要女性角色，他们分别是：菲奥尔迪利吉（古列尔莫的情人）、多拉贝拉（菲奥尔迪利吉的妹妹，费兰多的情人）和德斯皮娜（两姐妹的仆人）。

一、从“声”看三位女性的风格特点

歌唱艺术是人的声音艺术，更进一步讲就是用什么样的声音来演唱，歌曲的思想内容和情感是通过声音形象来表现的。歌剧的演唱不同于单一的艺术歌曲，在歌剧中不同的人物形象就有不同的声音形象，用不同的声音形象刻画人物不同的性格和个性，这也是我们平时通俗讲的“用声尺度”的问题。因此，我们要竭尽全力使自己的声音要适合歌剧歌曲形象，而不是让歌曲形象去适应自己的声音。在演唱莫扎特歌剧时所运用的声音形象基本上已经成为一种大致的模式：声音要求干净、圆润、丰满、明亮、平稳，同时符合古典时期音乐高贵典雅的风格；音量要适中，以中等音量最为适宜，演唱者对声音的控制力是极其讲究的；最重要的一点是，演唱他的作品要力求严禁，起音不能有滑音，把每一个音符都要仔细精准的表达出来。做为歌者，要使自己的声音和歌剧角色相符合，要想正确地把握演唱时的声音特点，也要结合剧中人物的社会背景、声部、性格等要素。

菲奥尔迪利吉是一个性格温柔脆弱典雅的贵族小姐，属于戏剧抒情女高音。整部歌剧以感情的起伏线条来牵制菲奥尔迪利吉的内心世界。菲奥尔迪利吉在剧中扮演姐姐这一角色，因此她的声音要显得成熟沉稳，应该运用丰满圆润的声线，行腔流畅，声音要尽量拉宽来体现戏剧女高音的力量。在剧中一开始莫扎特就运用了大量的延长音来体现这一人物的风格特点。在菲奥尔迪利吉演唱花腔片段的时候，声音应该保持清纯、干净、轻巧的特质，要显现偶尔的俏皮可爱的性格。要正确的抓住人物的特点，运用最准确的声音来演绎，通过声音的表现力把角色一言一行表现的栩栩如生、恰到好处。就像莫扎特的歌剧灵魂一样“赋予每个人物形象鲜活的生命”。

多拉贝拉，菲奥尔迪利吉的妹妹，是个年龄尚小略带些幼稚气的贵族小姐形象，属于抒情女高音。她的用声尺度和姐姐菲奥尔迪利吉有明显的区别，莫扎特在刻画这一人物形象时多用紧凑密集的音乐来表现他的活泼可爱不成熟的一面，因此声音上要比姐姐轻巧，运用连贯流畅、短促有力、漂亮柔美、轻松自如的声音来演唱。

德斯皮娜，剧中两姐妹的仆人，她生性活泼开朗、机智聪明，莫扎特将这一角色定义为轻型抒情女高音。对这一角色的刻画音乐上轻巧、活泼、轻快，所以声音上要求圆润优美、明亮靠前、轻盈欢快。

二、从“舞台形体与表演”塑造三位女性的风格特点

“舞台形体与表演”，我把这两个内容并在一起进行分析，可以理解为：“舞台形体表演”。作为歌剧演员，不仅要歌唱，同时又要进行“神形兼备”的舞台艺术表演。充分利用舞台，把歌唱和舞台艺术表演相结合，从而就使得歌声更加传神，人物更加形象化。

声乐演员在舞台上演唱和表演歌剧片段时必然离不开舞台和形体表演。作为舞台艺术，舞台是整个艺术的载体，虽然它无声无息但也不无时无刻的表达着一种意境与信息。同时舞台和形体表演又是分不开的，要共同为艺术而服务。歌唱者在舞台上的形体表演包括：手势的表演、面部表情的表演和眼神表演。手势是一种“无声的语音”，他部仅能够帮助情感表达渲染气氛，而且能够为形体造型。手势的动作千姿百态，要根据歌剧和歌曲的需要，灵活自如地做一些手势的表演。眼睛是心灵的窗户，人的各种复杂的乃至细微的感情均能通过眼睛来表达。首先眼睛要有神，要同底下的观众进行交流；同时也通过眼神来表现人物的爱恨情仇、喜怒哀乐，表达不同的人物情感和人物内心，这样才能抓住观众，才内感人。面部表情对于一个歌唱演员来说就更加重要了，可以表现“喜、怒、哀、乐、爱、憎、惭、惧”这八种情绪。人的面部表情是各种情感的表达，情生于内而表于外，真实的感情与表情是相互统一的。我们在舞台上的表不表情要真实自然，符合剧情需要和人物刻画需求，准确的塑造人物形象。

歌唱表演不仅是听觉的艺术，而且还是直接视觉艺术。歌唱者的艺术表演，有两个创作的过程：一是前期作词作曲家合作创作的音乐作品，是“一度创作”；二是：通过歌唱者对歌曲声、字、情、形的理解，把他更好的展现在舞台上的一个过程，这叫“二度创作”。在“二度创作”中，首先要对作者的“一度创作”里音的高低、强弱、长短、音色等基本要素进行感知的训练，才能进入“演唱控制及演唱想象”的二度创作。在歌剧中的“二度创作”更加重要了。表演心理分析演唱表演是演员的全面能力的展示，是一项复杂的心理活动过程，这也是作品“二度创作”的重要方法之一，标志着演唱着的音乐感知、音乐动作、表情动作、音乐记忆、音乐想象、音乐智慧。在歌唱表演中要做到一下几点：很快融到演唱的情境与情绪中，首先在自己的脑中唤起内部视觉的意象，这种意象是在歌剧和歌曲特定的情境情绪中创作出来的；运用正确的语调与句法；还要做到在表演是的几个对比：力度变化对比、音色变化对比、速度变化对比、风格变化对比、情感变化对比；演唱韵味的思考。这些都要通过表演者进行心里分析得出结论。

莫扎特歌剧中女性角色大致分为两种：贵族女性和平民（主要是仆人）。贵族女性塑造的舞台形体表演是端庄高贵的，不失高贵小姐的气质。比如剧中的菲奥尔迪利吉和多拉贝拉，行走要稍缓慢些，身子始终要端起来一些，眼神始终看向斜上方。仆人的角色，比如德斯皮娜，身份卑微，站立的姿势要稍稍弯腰，走路时要用稍快的小碎步，要有低人一等的感觉。

参考文献：

[1]徐小懿等：《声乐演唱与教学》，上海出版社，1995.7.

[2]邹本初：《歌唱学》，人民音乐出版社，2002年4月第一版，117-118，149.

[3]周玉明：《莫扎特之魂》，上海音乐出版社，1996.