读书艺术

关键词： 博物馆 美术史 教授 艺术

读书艺术（精选五篇）

读书艺术 篇1

方闻先生, 国际著名的美术史家和文化史学家、艺术文物鉴赏专家、教育家。先后担任普林斯顿大学教授、讲座教授、艺术考古系主任、普林斯顿艺术博物馆主席 (主任) 、纽约大都会博物馆中国绘画部的特别顾问等职务。方闻先生致力于采用“风格分析”的方法来解决中国古代书画的断代问题。主要出版有《夏山图:永恒的山水》《心印》《超越再现:8-14世纪的中国绘画与书法》《中国书法:理论与历史》和《两种文化之间》等专著。现他的学生遍布全球重要的艺术史院系, 世界大博物馆的东方部门主管人很多都是他的学生乃至学生的学生。他们在艺术史领域形成了实力强劲的“普林斯顿学派”。

二、主要结构、内容和观点

《心印中国书画风格与结构分析研究》既是一部论述精要的中国书画发展史的专著, 又是一次关于中国书画研究方法的教学示范。在《心印中国书画风格与结构分析研究》中, 作者采用“视象结构分析”的方法系统研究了中国书画艺术的发展演变过程, 并从绘画语汇及风格造型与图绘内容表现的关系入手, 重点讨论分析了唐宋雄伟山水的图绘性表现、作为“心画”的北宋书法艺术的形成、元代文人画家自我表现意识的崛起、明代的复古主义的出现以及明末清初对五代宋元传统之“集大成”等。与此同时, 他又密切联系与书画家和作品相关的社会背景材料, 旁征博引地从当时政治、哲学、文学思潮中寻绎书画风格变化的历史依据。

三、重点分析与心得体会

在书中, 方闻先生从一个独特的中国化的视角看中国美术史, 文风朴实, 内容言简意赅。尤其是里面关于山水的构成要素和形式, 语汇的建立让人有种耳目一新的感觉, 有相当独到的见解。图像分析的比较透彻, 读来感觉真实, 实在, 用比较的, 旁征博引的以笔法为主“视象结构”为辅的方式讨论中国古代书画。比较清楚地分析描述了中国古代书画的特点和演变的重要环节, 既重视书画本身的风格, 又不忽视社会背景。但是书中存在着一些易见的错误:譬如第7页第2行“肖子显”应作“萧子显”。83页说黄庭坚认为若将书比文, 王羲之“像古代史学家左思明 (约活动于公元前274年) ”, 王献之像庄周。注释表明出处是《山谷题跋》的《笔法帖》。查《山谷题跋》, 似无《笔法帖》, 有《跋法帖》说大王像左氏, 那么, 左氏该是左丘明吧?括号中的活动时间也很奇怪?

“但昔人总比今人在真画的观赏上有更多话语权”我不同意书中的这一点, 因为古代没有绘画作品的印刷刊行, 古人即使名家大家所能看到的作品都是有真有假, 而看到的假的数量远大于真也为断代鉴定造成了干扰。而很多古人的绘画观念 (如董其昌) 很可能是建立在误以假为真的基础上的。即使看到假画也很幸运, 可惜现在的人连看假画的权利都没有。古人缺少的是鉴定的能力, 我们缺少的是机会。

方闻先生在本书中介绍举例的书画大师不胜枚举。从可持续发展的角度来说, 继承发展书画同构、互补、互动的极积因素, 对推进中国书法与绘画艺术的创作和精神文脉的传承具有重要意义。心印是有关风格结构分析研究的著作, 方闻先生根据挖掘整理的文献资料和视像图片从五个方面阐述了中国书画同源的观念。方闻先生乃是受纯正的风格学影响的一派, 其沃尔夫林式的典型风格分析法在心印一书中对中国书画进行了很好地阐释。书中在去除繁杂的笔墨皴染的干扰之后, 分析出绘画的纯形式, 进而发现山水画的演变过程, 从而得出复古和变革互相并行的结论, 即习复古之人有其时代特点, 变革之人亦有前代语汇残存这样的结论, 这种辩证的结论直到现在看来也让人受益匪浅。

只是在是否有如世界语一般可以将风格分析法运用自如在任意中西绘画中, 我自己表示有一些怀疑。在读过更多关注在社会学方面的学者的著作之后, 风格分析自身的可变性和随意性还是显露出来 (否则众学者们也不会在同一幅画的分析上得出迥然不同的结论) 。而心印也较少提到文献的运用, 虽说中国大多数文献因为其特殊的社会地位而多有溢美之词, 但昔人总比今人在真画的观赏上有更多话语权。

四、启示与展望

方闻先生从中国书画的风格出发分析探寻中国书画的断代问题, 目的是通过研究中国书画风格的特质, 指出中国画构成的关键。书中用多幅画例资料来探寻研究中国古代书画风格和结构, 把心象概念引入中国画中来进行探索是一种大胆的尝试。书中用五个章节来阐述中国古代书画的风格和结构, 以大量史论和图像资料来引证研究中国古代书画风格和结构, 囊括了唐宋元明清的各个时代的书画特征, 揭示了中国书画一体的实质。论述了以“心化自然”为主线, 文化哲学思想因素影响为内容, 美学思想规范性理论实践论证中国书画风格特征, 同时努力寻求中国书画语言的理论特征与价值。

当代有很多人看到了中国古代传统书画里面所蕴含的的巨大魅力, 希望模仿古画从古画里面得到想要的艺术形式和内涵, 于是就出现了所谓的仿古, 但是, 如果方法不当, 就可能成为“东施效颦”而已的可笑事例。正确的仿古方法应当如刘勰《通变篇》所指出的, 建立在个人变化之上, 否则创新或者非正统的个人变化不过只是不合惯例的正统。这种矛盾也解释了11世纪最伟大的古代风格“模仿者”米芾为什么又是一位卓越的个人主义者:因为米芾典型地兼收并蓄各种风格, 也广泛地批评了他竭力效仿的诸古代范本, 宣称自己已经“一洗二王恶习”。 (方闻, 心印, 2003, P8) 我觉得这段话, 应该改成“正确的个人变化方法应当建立在仿古之上, 否则创新或者非正统的个人变化不过只是不合惯例的正统。”不仅对于艺术, 对于社会学领域, 这句话也同样适用。艺术的通与变的问题:真正的创新是回归古代的典范而开辟新的审美。盲目的创新不符合正统而不会为历史所接受。这也就是我, 一个油画艺术者为什么同样热爱中华古典文明的文化和书画艺术。

书中方闻先生所用的风格分析法不是世界的语言, 后现代理论解构古代绘画始终令人觉得牵强而格格不入, 必须要还原到当时当地的语境是其基本要求。关于观赏模式的问题, 当代只要稍微靠谱的研究者都会注意到的, 通过现有的文献和绘画遗存资料能够得到七成以上的还原 (之所以不是十成, 因为我们的思维结构毕竟是现代人的。但宋代人与唐代人的差异其实也是存在的, 这一点却常被忽略) , 所以需要对今天存留的唐的可靠真迹和唐代的各种文献对宋人的评论进行再分析, 而不可轻信。对于明晚期的人, 掌握的宋代材料未必比我们今天借助印刷品掌握的材料更多, 而明人眼里的唐画则只有可能干扰更多了。所以说, 我们要带着批判性的发展的历史眼光去看待去看待古人留下来的书画作品。

参考文献

的艺术读书笔记 篇2

《关于小说艺术的对话》：

在我的小说中，探索自我意味着抓住其生存问题的实质，抓住它的生存暗码。当然这种生存暗码不是从理论上加以考察。它在行为和情境中一步步揭示自己。

要使一个人物“活起来”，就意味着对他的生存问题追根究底。这依次意味着：对某些去情境，某些动机、甚至某些使他成形的语词追根究底。仅此而已。

小说的灵魂，它存在的理由，就在于说出只有小说才能说的东西。

小说对历史有什么特别可说的呢?我自己的原则是：首先，我以最简练的方法对待全部历史境况。其次，我只保留那些能为我的人物创造出一种揭示性生存情境的历史境况。第三，历史学记录社会的历史，而不是人的历史。第四，在一部小说中，历史境况不仅必须为人物创造出新的生存情境，而且历史本身也必须做为一种生存情境来加以理解和分析。这里，历史境况不是一种背景，一种人类情境赖以展开的舞台布景，它本身是一种人类情境，一种生长着的生存情境。

小说考察的不是现实，而是存在;而存在不是既成的东西，它是人类可能性的领域，是人可能成为的一切，是人可能做的一切。小说家通常通过发现这种或那种人类的可能性，描绘出存在的图形。

如果一个作家认为某种历史情境是一种有关人类世界新鲜的和有揭示性的可能性，他就会想如其所是地进行描写。但就小说的价值而言，忠实于历史的真实仍然是次要的事情。小说家既不是历史学家也不是先知，而是存在的探险家。

《关于结构艺术的对话》：

引用《梦游者》札记的一段，似乎能表达您的艺术纲领：所有伟大的作品(正因其伟大)都包含着某些未竟之处。布罗赫之所以启迪了我们，不仅是因为他已经取得的成就，而且是因为他所追求而未能达成的目标。他作品中的未竟之处表明，我们需要：1、一种彻底剥离的新艺术(它能包容现代世界生存的负载型而又不丧失结构的明晰性);2、一种多声部小说的新艺术(它能使哲学、叙述和梦想交响为一);3、一种特定的小说性论述的新艺术(它不仅负载确定的信息，还负载假设的、游戏的或讽刺的信息)。

在小说中，思想从根本上说是询问式的、假想性的。

我通常在两个层面结构这些小说：在第一个层面上，我写下小说故事;于此之上，我发展出若干主题。另一方面，一个主题也可以立足自身，在故事之外得到发展。如此处理主题，我称为节外生枝。

动机是主题或故事的一个要素，它往往通过不同的上下文，在小说的全过程中多次重现。主题是对存在的质询。而我越来越发现，这种质询最终是对某些词即主干词的检测。一部小说首先建立在某些根本性语词的基础上。

我希望我的小说中章、节、段的划分——作品的连接方式——是十分清楚的。每一章都在自身内完成。每一章都以自己的叙述方式塑造人物。每一章都有自身的视点。每一章都有其自身的长度。

《某地背后》：

只有当你置身局外时，玩笑才成其为玩笑。“卡夫卡式的”则恰好相反，它把我们带入其中，进入玩笑的实质，即喜剧的恐怖。它把悲剧消灭在萌芽状态，从而剥夺了受害者可以指望的唯一安慰，即在(现实或想象的)悲剧的崇高中觅得的安慰。

通过把官僚主义机制扩展到巨大的世界范围，卡夫卡无意中成功地创造了一种想象。一个极权主义的国家事实上就是一个单一化的庞大的行政机关。

《耶路撒冷讲演：小说与欧洲》

然而为什么人一思考，上帝就笑呢?因为人一旦思考，真实就起身离他而去。因为人们越是思考，彼此的想法就越是背道而驰。最后，因为人类从来就不是他所想象的自己。

恰恰由于抛弃了真理的确定性和众口一词，人才成了“个人”。小说是个人想象的乐园。

现代愚昧不是意味着无知，而是意味着流行观念的无思想。“媚俗”就是把流行观念的愚昧翻译成美丽而富于感情的语言。

《梦游者》札记：

只有在终结之时(爱情的终结、生命的终结、时代的终结)，过去才突然作为一个整体自我呈现，才具有一种鲜亮明澈的完成形式。

行为是怎么回事?——可以说，这是小说的永恒问题，基本问题。一种决定是怎样产生的?它怎样被转变成一种行为?一系列行为怎样构成了一次冒险?

读书的艺术 篇3

余性偶强记，每饭罢坐归来堂，烹茶指堆积书史，言某事在某书某卷第几页第几行，以中否角胜负，为食茶先后。中即举杯大笑，至茶倾覆怀中，反不得饮而起，甘心老是乡矣！故虽处忧患困穷，而志不屈。……收藏既富，于是几案罗列，枕席狼藉，意会心谋，目往神授，乐在声色狗马之上。……

你们能用李清照读书的方法来读书，能感受到李清照读书的快乐，你们大概也就可以读书成名，可以感觉读书一事，比巴黎跳舞场的“声色”，逸园的赛“狗”，江湾的赛“马”有趣。不然，还是看逸园赛狗，江湾赛马比读书开心。

《艺术哲学》读书笔记 篇4

该书是由法国历史学家H•丹纳所著，作者用清晰p详实的笔墨，讲述贴近我们生活的艺术，书中作者主要讲了意大利p尼德兰p希腊的艺术哲学。

意大利p尼德兰p希腊的艺术是世界艺术文明的典范，这三个国家的艺术造诣特点是世界艺术史艺术的缩影。讲到意大利的艺术哲学，作者从画派的特征，艺术产生的各种条件，促进艺术表现人体的原因以及意大利人的生活和趣味介绍。透过作者的文字分析，我们能理解意大利表现的一种文化是源于文艺复兴时期，依照古代的风格，同时根据现实的环境，赋予其新的意义。意大利人在声乐雕刻建筑绘画中融入自己民族的`东西，用一定形式表达自己的情感或意图，

文中提到意大利艺术表现形式有一个突出特点—表现人体。意大利缺乏长久的太平和公正的司法制度，人们几乎是处在不安定的状态中，因此表现人体，一定程度上是追求人性自由的诉求。

作者谈论尼德兰的艺术则从尼德兰艺术出现的综合原因以及尼德兰艺术的历史分段两个方面进行描写。从早期艺术到文艺复兴时期艺术再到伦勃朗的出现，尼德兰的艺术在不断的发展成熟完善，为后人所津津乐道。

《艺术哲学》中对希腊的艺术哲学进行分析，则从种族p时代p风俗三个方面进行。希腊人得行为方式，所处的特殊时代背景，以及人们对于精神世界的无限向往与追求，成就了一个世界文明的发源地—希腊。谈到希腊的艺术成就，不得不讲它的体育成就。作为奥林匹克运动会的发源地，希腊为奥林匹克事业做出了不可磨灭的贡献。

读书的艺术：如何阅读和阅读什么 篇5

读书的方式也是一种学问，有些书仅当消遣，可以泛泛地读；而有些书却需要细嚼慢咽，用心体会用心感受，甚至一些佳句美文还要试着背诵。所以只有养成良好的读书习惯，才能自如地畅游于书海，才不会感觉乏味。

从书中学到有用的知识，提高自己的品位和修养——这便是读书的最终目标，只有抱着这个目标去读书才可以称作“艺术”。《读书的艺术：如何阅读和怎样阅读》就会教你“如何阅读和阅读什么”，让那些中外的文化大家现身说法，以他们的读书体验和心得来教我们什么是读书的艺术。

【内容概要】

该书集录的文章，或谈具体的方法，或谈个人的体验，或谈读书的情趣，或谈读书的方法及境界；还收录了鲁迅、胡适、朱光潜、蔡元培、伍尔芙、叔本华、罗斯金等中外大师的读书经验及体会。对欲更新读书观念的读者来讲，读后可以更清楚地知道如何阅读和阅读什么。

【好句先读】

当我们拿起一本书（当然是值得阅读的书），我们立刻会被带进一个思想和反省的境地。在这个不同的世界里，我们与那些伟大的灵魂相遇，与他们交谈、争辩，感受着他们和我们共同的悲苦和欢喜。因此，一个养成良好读书习惯的人是自由而幸福的人。

“神农的梦呓，只是咂咂嘴的声音。”这句话玩味起来是很有趣的。为什么梦呓只简单到咂咂嘴呢?原来神农是尝百草的，天天在山野里采撷着，品味着，慢慢成了习惯了。而且那时候除了适当的手势表情以外，还没有确确实实能传达意思情感的语言啊。

【编辑感言】

一个没有养成读书习惯的人，以时间和空间而言，受眼前的世界所禁锢。他的生活是机械化的、刻板的；他只跟几个朋友和相识者接触谈话，他只能看得见他周围所发生的事情。可是当他拿起一本书的时候，他会立刻走进一个不同的世界。

不但如此，读者往往能被书籍带进一个思想和反省的境界里去。书本里所叙述的事情变成一片景象，而读者变成一个冷眼旁观的人。所以，最好的读物是那种能够带我们到这种沉思的心境里去的读物。