哥特文化

关键词： 哥特 天空 建筑

哥特文化（精选十篇）

哥特文化 篇1

一、哥特建筑的爱与美

哥特建筑最初诞生于以巴黎为中心的法国北方伊尔德法兰西 (Ile de France) 地区, 以主教教座所在的主教堂 (Cathedral) 为最高代表。然后从法国流传到英国、德国、西班牙北部和意大利北部。在哥特建筑盛行时期, 雕刻、绘画、家具、各种工艺美术, 甚至书法都形成了鲜明的特点, 也称哥特式。所以, 哥特式是一种时代艺术风格, 它是12至13世纪西欧建筑挺立起的新的高峰, 它在技术上和艺术上都成就伟大, 它影响了中世纪欧洲的审美文化, 更影响着今天我们对于建筑的理解和对审美的体验。

哥特式教堂主要是从罗曼式 (Le Style Roman) 教堂一步步发展来的, 但又不同于罗曼式。10至12世纪法国人终于学会了像罗马人那样用砖石的拱券来建造, 罗曼式因此得名, 意思是追摹罗马的。哥特式教堂在设计中利用十字拱、飞券、修长的立柱, 以及新的框架结构以增加支撑顶部的力量, 使整个建筑以直升线条、雄伟的外观和教堂内空阔空间。钟塔、小尖塔、飞券、瘦高的尖矢形窗子和无数的壁柱、脚线等, 在主教堂周身秘密地布满了垂直线, 他们造成了向上升腾的动态。如果说罗曼教堂体现着对地狱的恐怖, 那么哥特教堂就体现了对天堂的追求。

哥特教堂的外部细节很多, 但内部十分简洁, 裸露着逻辑清晰的结构, 没有给装饰留下余地。可是, 教会需要用绘画和雕刻来弘扬教义, 市民也需要感官的美和愉悦, 于是, 一种富有创造性的艺术诞生了, 便是彩色玻璃窗。阳光透过大面积万紫千红的窗子, 把主教堂内照得五彩缤纷, 就像神启进入信徒的心灵, 可以强化人们的信仰。

罗马时期和以前的中世纪基督教使人恐惧, 哥特时期的基督教给人们尊严, 使人充满了希望而向往天堂。市民的从信仰钉在十字架上的救世主基督变为崇拜圣母, 耶稣是严厉的裁判者而圣母是最仁爱的母亲。教会本身也世俗化了, 僧侣们熬不住禁欲主义的冷清, 追求人间的财富和享乐, 他们不再把爱美当作罪恶, 接受了艺术。哥特主教堂高高耸立在城市的上空, 四周匍匐着矮小的市民住宅与店铺, 就像一只母鸡把幼雏保护在羽翼只下。市民出生不久就到教堂接受洗礼, 长大了到教堂聆听教化, 在教堂里结婚;星期天在教堂门口会见邻里, 闲聊家常、有什么过失或心理疑惑找神父倾诉;在教堂清亮的终生下度过一生, 便在教堂的墓地里安葬。建造教堂不仅仅是为了崇拜上帝、救赎灵魂, 不仅仅为了荣耀城市, 更为了寄托自己对生活的期望和爱。

二、从哥特式建筑到中世纪审美文化

建筑作为一类艺术, 它的价值源源超出建筑本身。那些历经风雨屹立不倒的教堂建筑, 突显着国家、皇族、宗教的权威, 记载人类科学发展和技术进步, 蕴涵了人类的艺术创造力和审美感知。哥特式与拜占庭式、罗马式是中世纪三大建筑特色类型, 这三大建筑特色都从罗马时代的建筑演变而来, 渗透了中世纪的特点, 神圣的奥秘、崇高的威严、华丽的感官效果所造成的天国世界的吸引力, 成了中世纪建筑的精神象征, 成为中世纪最富有成就的主要艺术形式。

这种精神象征尽量回避对具体人物形象的描绘, 因为上帝与天国世界是终极的, 是人及其精神的主宰, 不能借助视觉形象来表现。在这种审美需要的驱使下, 中世纪的审美理想集中于建筑本身, 从而构造了一个特殊的建筑文化世界。与之相应, 中世纪形成了一套宗教艺术理想模式。这个模式强调崇高的形式美, 如和谐的秩序、完美 (对称) 的整体、鲜明的色彩, 就像托马斯·阿奎那给形式美所作的三条规定:形象的完整、比例的适度、色彩的鲜明;它也强调神秘的内在美, 那种通过形式放射出来的“光辉”, 使所有的完美与秩序都得以呈现给心灵。没有后者, 再好的形式也徒有虚名。这显然没有放弃希腊罗马艺术传统中的那种形式美要求。但在同时, 阿奎那更加强调的是这些形式美因素中所必需的内在精神特质, 即“活的光辉”或“活的灵魂”, 它构成了中世纪衡量艺术形式的最高标准。当然, 这里的内在精神、活的灵魂, 只是一个神秘之物, 只是一种神性, 它必须依附于完美的艺术形式, 这就导致艺术成了一种神秘的象征主义对象。艺术不再是艺术, 建筑不再是建筑, 它们只是象征神性的某种特点与需要的具体形式而已。人与艺术的关系, 也因此变成了人与神的关系。人在观照艺术之时, 就是观照上帝之时。这样的艺术理想, 导致了中世纪以建筑为主体的艺术世界的特殊繁荣。中世纪的艺术理想是一个特殊的混合体或者说综合体, 一方面, 神秘的象征主义成了它的主调, 精神意蕴成了艺术的首要追求, 另一方面, 高度的形式美依然存在, 并且从罗马艺术中延续而来, 甚至表现得比罗马艺术的形式美还要形式美。完美的整体形式与崇高而神秘的精神气质相结合, 成了中世纪以宗教艺术为主体的艺术的一大特征。

当然, 它也不可避免地留下了理论上的内在矛盾。中世纪需要完美的艺术形式, 但这个完美的艺术形式却不能是艺术本身, 而只能是一种象征。当建筑师们按照中世纪的理想化标准建造了教堂, 完成了教堂的绘画与雕刻装饰之后, 也就是建造了一个否定自身价值的存在对象。因为按照神学家们比如奥古斯丁的意见, 艺术创作并不摹仿真实事物, 而只是一种“虚构”。他们并不像希腊时代的哲人那种样贬低“虚构”, 但他们肯定艺术只有通过虚构才能实现艺术作品。也就是说, 艺术的真正品质不在真实性, 而在虚构与虚假, 正是这种虚假的形象, 它才有条件与资格成为人们审美或者信仰的对象。只要人们对假像有着兴趣与需要, 只要人们相信或信仰这种艺术对象, 艺术就有存在的必要, 就有真的艺术。但是, 这种艺术之真的基础在于形象之假, 因为“画中的马如果不是假的, 怎么可能是一幅真画呢”。这种形而上学的经院思辨方式, 既勾勒出中世纪艺术理想化的基本特点, 也为开启康德的主观唯心主义与形式主义艺术美学思想, 准备了条件。

中世纪艺术是西方审美文化的特殊表现形式之一, 它改变了希腊美术罗马美术的传统, 并在发展中逐渐形成自己的形式和内容体系, 成为特定时期人们生活, 观念, 思想, 感悟的特殊形式的表现。总的说来中世纪艺术属于基督教美术是神学的表达形式, 他往往以夸张, 变形, 改变真实空间序列的手法来达到强烈表现的目的。我们纵观整个中世纪, 虽然宗教禁锢着艺术的发展, 但艺术却达到了他所要表达的目的。

三、新时代的曙光

哥特式建筑的出现, 标志着整个欧洲中世纪已经到了晚期, 神权不再能笼罩一切, 市民文化抬头了, 人文主义觉醒了。中世纪的艺术理想化在沉重的迷雾中度过了上千年, 到十四五世纪开始它受到了由佛罗伦萨引发的欧洲文艺复兴思想的冲击, 针对中世纪艺术理想的复兴艺术与美学思潮由此开始。艺术中令人畏惧、令人窒息的那种崇高与庄严、神圣与神秘的特征受到贬斥, 希腊罗马时代曾经具有的活泼气息与朴素作风重新受到重视。历史再往前迈进一步, 西欧就进入了一个文化全面繁荣的新时期。

摘要：哥特式建筑作为中世纪西方三大建筑风格之一, 代表着中世纪的时代特征, 神圣的奥秘, 崇高的威严, 华丽的感官效果所造成的天国世界的吸引力。哥特式风格作为一种艺术风格, 使得中世纪西方的各种艺术形式——雕刻、绘画、家具及各种工艺美术, 甚至是书法都具有了自身鲜明的特点。它的价值早已超过了建筑本身, 成为了中世纪的精神象征, 影响了中世纪的审美, 更影响了今天我们对建筑的理解和对审美的体验。

参考文献

[1]《哥特艺术》, 迈克尔-卡米尔, 译:陈颖, 中国建筑工业出版社2004

[2]《欧洲中世纪美术》, 著:李建群, 中国人民大学出版社, 2004

哥特文学的发展 篇2

“哥特”（Goth）自于条顿民族中哥特部落的名称。原本居住在北欧的条顿民族，在长达几个世纪的迁徙浪潮中，终于在公元5世纪摧毁了强大的西罗马帝国。其中，彪悍的哥特人是同罗马人作战的主力。在同历史上许多被先进文明征服的民族一样，哥特人也被迅速的同化了，很快失去了他的民族性。大约在公元7世纪以后，哥特人作为一个民族，在历史上就消失了。但是，英勇善战的哥特人在南欧人，特别是意大利人的心目中始终留下无比的伤痛，其创伤和那种既怕又恨的复杂心情在很长一段历史时期是无法随之消失的。

帝国灭亡一千多年以后，意大利法萨里（Vasari,1511-1574）在历史的尘封中找出了“哥特”一词，用来指称一种为文艺复兴的思想家们所不喜欢的中世纪建筑风格。这种风格在12——16世纪期间盛行于欧洲，主要用于建造教堂和城堡。法国的巴黎圣母院和英国的圣保罗大教堂堪称代表性建筑。这种建筑的特点是高耸的尖顶，厚重的石壁，狭窄的窗户，染色的玻璃，幽暗的内部，阴森的地道甚至还有恐怖的地下藏尸所等。在那些崇尚古希腊古罗马文明的文艺复兴思想家眼里，这种建筑代表着落后、野蛮和黑暗，正好是那取代了古罗马辉煌文明的所谓“黑暗时代”（The Dark Ages）的绝妙象征。因此，用那个毁灭了古罗马的“野蛮”、“凶狠”、“嗜杀成性”的部落的名字来指称这种建筑风格自然是再适合不过了。这样，在文艺复兴的思想家们的影响下，“哥特”一词逐渐被赋予了野蛮、恐怖、落后、神秘、黑暗时代、中世纪等多种含义。

18世纪后期哥特一词成了一种小说体裁的名称。这种小说通常以古堡、废墟或者荒野为背景，故事往往是过去时的，特别是中世纪；故事情节恐怖刺激充斥着凶杀、暴力、复仇、强奸、乱伦，甚至常有鬼怪精灵或其他超自然现象；小说气氛阴森、神秘、恐怖，充满悬念。

作为一种小说体裁，哥特小说产生于1764年。霍拉斯•瓦尔浦尔（Horace Walpole）出版了著名的小说《奥特朗托城堡》（The Castle Of Otranto），小说出人意料的成功，瓦尔浦尔为书名加上了副标题“一个哥特的故事（”A Gothic Story）。后来这种小说就被命名为哥特小说。

《奥特朗托城堡》的巨大成功使许多作家竞相效法。到18世纪90年代，随着安•拉德克里夫（Ann Radcliffe）的《乌多夫堡之谜》、《意大利人》、马修•刘易斯（Matthew Lewis）的《修道士》以及其他许多引起轰动的作品相继问世，哥特小说不仅作为一种小说题材在英国无可争辩的确定了自己的地位，而且还深刻的影响了其他一些国家，特别是德国和美国文学的创作。

两百多年以来，在英美，不仅通俗作家热衷于哥特作品的创作，而且许多第一流的作家和诗人，比如英国的司各特、科勒律治、拜伦、雪莱、济慈、狄更斯、勃朗蒂姐妹、康拉德、福斯特、戈尔丁和美国的布朗、华盛顿•欧文、爱伦坡、霍桑、马克吐温、亨利•詹姆斯、福克纳、奥康纳、莫里森等人都要么直接创作过脍炙人口的哥特故事，要么把哥特小说的手法大量运用与创作之中，使哥特小说从通俗小说这一文学领域的“边缘地位”得以进入文学的中心以及文学发展的主流，从而在英美文学中逐渐形成了十分突出的哥特传统。

亨利•詹姆斯曾过，需要大量的社会和文化沃土才能抚育出一支文学之花。哥特小说能产生于英国并在英语文学中繁荣发展，绝不是偶然现象，而是有着深刻的历史和文化根源。

虽然哥特小说与哥特人毫无关系，但日耳曼民族（即条顿民族）中所流传的极为丰富的民间传说，以及以这些传说为素材的中世纪浪漫故事，是哥特小说的一个重要源泉。在民族大迁徙中征服了不列颠群岛的盎格鲁-克逊人和诺曼人同属于条顿部落。在北欧严峻的自然条件和长达数百年的民族大迁徙的千难万险以及无休止的征战中，这些部落民族创作了丰富多彩的传说，以反映他们所经历的惊险恐怖的斗争。

哥特小说的另一重要源头是英国文艺复兴时期的戏剧。这时期英国戏剧深受古罗马剧作家塞内加（Lucius Annaeus Seneca）的影响。充满复仇、阴谋、暴力和凶杀，甚至还有鬼魂出没，因此情节惊险刺激。特别是莎士比亚的剧作和詹姆士一世时期的悲剧（Jacobean Tragedies），对哥特小说的出现与发展更是产生了巨大的影响。

《圣经》和基督教传说也是哥特小说的重要源泉。《圣经》里描述过许多恐怖场面，而基督教也一直极力渲染地狱之可怕。在《启示录》里，里面描写了天使和撒旦的战争，地上的屠杀、瘟疫、灾难和饥荒，以及其他大量关于末日审判的神秘而可怕的征兆。《启示录》因其生动的语言、奇异的想象、神秘的象征、鲜明的意象和震撼人心的气势，具有非常高的文学价值，对西方文学产生了重大影响，从弥尔顿的《失落园》到今天许多的恐怖电影都直接取材于《启示录》或者受它的启示。哥特小说中许多典型人物类型，比如魔鬼、恶棍英雄、流浪的犹太人等，都能在《圣经》中找到他们的原型（撒旦、该隐等）；二兄弟相残，夺人之妻、仇杀、强奸、乱伦、同性恋等哥特小说中通常的主题，都无不在《圣经》中反复出现。至于哥特小说中做突出、最为普遍、最为持久的主题：善与恶之间永恒的冲突，那就是一部《圣经》从头至尾的主线。

哥特小说之所以产生和繁荣于18世纪，也有其特殊的社会、历史和文化原因。其中尤其重要的是浪漫主义对理想主义的挑战。文艺复兴运动使人文主义得到空前发展，宗教改革运动与人文主义的结盟终得以摧毁罗马天主教一统天下的局面。然而人文主义的大发展却反过来沉重打击教会势力，并使以上帝为中心的传统的基督教意识形态处于解体之中。到了18世纪，欧洲进入了理性时代。启蒙运动思想家们热情讴歌、极力弘扬人的理性，却忽视并压抑情感、想象、直觉，否认神秘和其他超自然现象。席卷欧美的浪漫主义运动就是对理性主义和新古典主义的逆反。哥特小说是浪漫主义文学的一个重要流派，被批评家们称为“黑色浪漫主义”。他的所谓“黑”，主要表现在两个方面：在情节上，他浓墨重彩的渲染暴力和恐怖；在主题和思想上，他不像是一般的浪漫主义那样侧重于正面表达其理想的社会、政治和道德观念，而主要是通过揭示社会、政治、教会和道德上的邪恶，揭示人性的阴暗面来进行深入的探索，特别是道德上的探索。

哥特小说对广大读者具有非同寻常的吸引力，有深刻的心理和美学根源。哥特小说的心理基础是人与生俱来的恐惧感。美国现代著名哥特小说作家洛夫克拉夫特（H.P.Lovecraft）说：“人类最古来最强烈的情感是恐惧。”在阅读哥特故事时，我们既感到强烈的恐惧，同时又确信自己的安全，也就是说，我们既能在幻觉中置身险境，但又从心底知道自己和危险之间还有一道安全的屏障，这时，我们就能感到一种强烈的愉悦。

哥特小说的美学基础是和恐惧相关的“壮美”（编者按：一般中国学者把审美分为四个层次，分别为：

1、艳俗；

2、含蓄；

3、矫情；

4、病态。意为最高的欣赏层次是“病态”，西方并不如此认为，他们认为最高层次是一种具有神性的“壮美”）。早在18世纪，英国著名美学家博克（Edmund Burke）在讨论壮美时，就已经谈到人类最强烈的情感是恐惧，并且把壮美和恐惧联系起来。他把“美”分为秀美（The Beautiful）和组织者壮美（The Sublime）。一般来说，秀美的事物小巧、精致、和谐，并为人们所熟悉，它们在观赏者心中所引起的是甜蜜、温馨、热爱、安全的愉悦和激动。与之相比，当面对高山、滚滚大河、亘古荒原、茫茫林海、历史遗迹或者电闪雷鸣时，我们似乎体验到一种神秘的超验力量，心中不由得充满敬畏。西方文学里第一个壮美形象可以说是《创世纪》里的上帝，而第一个壮美场面就是祂在黑暗中创造了光明，混沌中创造了世界。《圣经》里另外还有许多引起人们敬畏和恐惧的场面，如大洪水、上帝毁灭索多玛和蛾摩拉、上帝在电闪雷鸣中降临西奈山、耶稣死亡、末日审判等。

我们仔细研究这些场面会发现，他们全都是有关光明与黑暗、善与恶之间的冲突。从基督教的观点来看，这种冲突归根结底是上帝与魔鬼之间的永恒冲突。而这种光明与黑暗、善与恶、上帝与魔鬼之间的冲突是哥特小说最突出、最普遍、最持久的主题，它贯穿哥特小说发展的整个历史。

与此有关的是一个十分重要的现象，即哥特小说在英国和德国这样一些国家最为繁荣，成就最高；而这些国家正是最主要的新教国家，其中英美更是长期为清教主义所统治。清教主义可以说是基督教里的原教旨主义，它是新教中一个比较极端的重要流派。清教徒信奉加尔文主义，把《圣经》里的每一个字都看成上帝的话。他们宣扬“原罪说”，强调人性的堕落，坚信人的命运生前决定，认为只有靠上帝的恩赐才能获救。他们把一切都看成是善与恶的斗争，是上帝和魔鬼之间永恒斗争的体现。他们以十字军骑士般的狂热，替天行道，把一切不符合清教信仰、清教道德的东西统统看成是邪恶而进行毫不留情的打击。清教徒同天主教以及一切与清教信仰、清教道德相勃的东西之间进行的激烈而且常常是血腥的斗争，本身就可以说是一个在上帝的旗帜下演出的“哥特故事”。这样的文化背景就是为什么渲染恐怖气氛、深入进行道德探索的哥特小说在英德等国特别繁荣的原因。

尽管在哥特小说兴起之时，对天主教徒和各种男女“巫”的残酷迫害已经成为过去，但其影响依然十分明显。早期的许多哥特小说，比如前面提到过的《奥特朗托城堡》、《乌多芙堡之谜》、《意大利人》、《修道士》以及爱伦坡的名作《钟摆与陷井》等等，都是以意大利、西班牙或者法国南部这样的天主教国家为背景，而且大都是在暴露天主教及其教士的邪恶。同样，“清巫”事件也被广泛运用于文学创作，这在美国文学中十分突出，比如1692年萨勒姆发生了大规模残酷迫害所谓女巫的事件，几个世纪以来一直刺激着文学家们的艺术想象力，从约翰•尼尔（John Neal）、霍桑到现在剧作家亚瑟•米勒、当代作家斯蒂芬•金（Stephen King）等许多文学家都以萨勒姆事件为素材创作出了气氛恐怖、寓意深刻的作品。

此外，虽然哥特小说在发展过程中产生了很大的变化，但它的一个突出特点却几乎没变。前面已经提到，哥特小说是在同占主流地位的理性主义和新古典主义的冲突中发展起来的。因此，他一开始就具有边缘性、挑战性和颠覆性，虽然他后来也不时进入中心，与各时期主流文学相结合，但它本质上的边缘性和颠覆性却保持下来。这是他本身的特点决定的。首先，由于强调刺激和趣味，哥特小说从总体上看，主要是一种通俗文学、大众文学，同占主流地位的“精英文学”总保持相当的距离。第二，由于他的“黑色”性质，哥特小说致力于通过表现暴力和堕落来揭示社会罪恶和探索人性的阴暗面，他自然就对以维护现行社会秩序和道德价值体系为目的的主流意识形态构成颠覆的危险。

18世纪和20世纪初，浪漫主义成了文学的主流，哥特小说也进入了最繁荣时期，几乎所有主要的浪漫主义诗人和作家都创作了哥特故事或者使用了哥特手法并且推动了哥特小说的进一步发展。在一定意义上讲，所有的浪漫主义者都是现实叛逆者，但主流浪漫主义文学的核心在于理想化，而哥特文学却意不在此。尽管哥特文学中也有一些理想化人物，而且也在间接地表达理想的价值观念，但其重点从来就是暴露黑暗和罪恶。正是因为这种“黑色”性质，再加上浪漫主义的叛逆精神，在浪漫主义时代，最典型的哥特人物的“恶棍英雄”，即所谓的“拜伦式英雄”。他集善恶于一身，具有超常意志和力量，同压抑人性、束缚个性的社会及各种体制势不两立，因而是性格孤独的边缘人物，其代表人物是拜伦塑造的曼弗里德。后来尼采提出了“超人”的观念，在很大程度上是受了这种人物形象的影响。

到了维多利亚时代，现实主义文学成了主导，但现实主义作家并没有拒绝使用哥特手法，相反，哥特手法正好有助于他们揭露社会罪恶、批判社会现实。如约翰贝利所说，狄更斯等现实主义作家把“哥特恐怖小说题材同社会谴责小说体裁相结合”。这种结合在狄更斯的《雾都孤儿》、《远大前程》、《荒凉山庄》、《双城记》、《艰难时代》等作品中都明显的表现出来。在这些作家笔下，哥特故事的背景从遥远的过去和古老的城堡搬到现实中的工业城市。即使在勃朗蒂姐妹的《简爱》和《荒凉山庄》这样的作品里，哥特情节也是被置于现实生活之中。因此，在维多利亚时代，哥特小说的一个重要发展就是社会化和现实化。

尽管哥特小说在英国产生和繁荣，但１９世纪２０年代以后，哥特小说的发展中心似乎移到了美国。哥特小说能在美国迅速繁荣、持续发展有着深刻的历史、文化和文学根源。来到美洲的早期移民经历了饥饿、寒冷、瘟疫和死亡，一部美国史可以说是他们在陌生而危险的环境中不断探索、冲突和征服的历史；而且美国小说兴起之时正好是哥特小说在英国和欧洲最繁荣的时候；不过，最重要的是美国历史上和美国文化中十分突出的清教传统。

美国第一位有影响力的作家是查尔斯•布朗（Charles B•Brown）在18 世纪推出的几部作品都是几部充满阴森恐怖和血腥暴力的小说。而第一个享有国际声誉的美国作家欧文（Wsshington Irving）在司各特的影响下创作出了《睡谷》等哥特故事。由此可见，美国小说一开始就具有了明显的歌特色彩。不过，尽管美国哥特小说受到英国哥特小说的明显影响，但它后来逐渐沿着不同的方向发展。特别是到了19世纪30年代以后，哥特小说在英国日益社会化、现实化，而在美国却日益内在化、心理化。

美国作家爱伦坡和霍桑把道德探索和心理探索有机结合起来，使之成为了美国哥特小说的核心。爱伦坡曾说，他作品中的恐怖是“心灵的恐怖，”，他把人物放在他所创造的特殊环境之中，利用恐惧的特殊力量，打破社会为人铸造的外壳，进入到人的灵魂深处，揭示人最隐秘的内心活动，暴露平常连他自己都不愿和不敢面对的丑恶。相比之下，霍桑所受到的清教主义影响要远超过爱伦坡。因此他在道德探索、在对清教主义的表现和批判方面，也比爱伦坡更为直接和普遍。他既象清教徒一样深入到人的灵魂深处去揭示人身上普遍存在的罪恶倾向，同时又揭露清教专政时期的黑暗和批判清教主义对人性的摧残。除了以上两位，还有麦尔维尔（Herman Melvile）、亨利•詹姆斯(henry James)、梅尔(Walter De La Mare)、福克纳(William Faulkner)等都是沿袭了这一传统。

到了19世纪末，西方主要资本主义国家，特别是英国，进入了帝国时代，而哥特小说也获得了新的繁荣。这一时期的哥特小说除了在传统的主题、情节、人物形象等方面继续发展外，还出现了一个十分重要的新特点，那就是对帝国主义和殖民主义的反思。威尔斯（H.G.Wells）在《莫罗博士的岛》(The Island Of Dr Moreau,1896)里塑造了莫罗这么一个为自己的野心所毁灭的帝国主义者。而康拉德的许多重要作品不仅揭示了帝国主义对殖民地人民的侵略、压迫和掠夺，而且还从不同方面着重探索和批判了帝国主义者在道德上的堕落。《黑暗之心》里的库尔茨在临死前终于认识到，他那颗“黑暗的心”才是非洲丛林里摧毁一切的黑暗的罪恶渊薮。另外，福斯特(E.M.Forster)则注重从文化心理方面对帝国主义进行批判。他的《通往印度之路》里的恐怖的根源是帝国主义者的傲慢与无知。这部小说是探索和表现文明之间、种族之间文化冲突的先驱之作。

哥特文化 篇3

玻璃花窗的艺术溯源

西方公元 5 世纪到 15 世纪，之前很多的学者都认为这是一个黑暗野蛮的时代。它的神秘璀璨的艺术文化如今越来越多的历史考证以及理论研究表明：事实并不是这样。正如黑格尔说：“艺术到了最高阶段是与宗教相关联的”，玻璃花窗上生动的圣经故事诠释着是哥特式建筑的标志，更是一朵艺术奇葩。首先，基督教信仰的广泛传播。正如黑格尔说的：“只有在哥特式教堂中，巨大的彩绘玻璃画其接受的光线是直接的，这也是其它艺术媒介不能达到的光线效果，它的艺术魅力使所有教徒们都立刻感觉到来自天国的神力。”高大的彩绘玻璃窗把阳光透射到教堂内部，给信徒营造了一种恍如在天国的感觉，人们的思想自然而然的被引导进入《圣经》真理的启示当中。

其次，是因为建筑技术的进步。基督教是西方历史上一种文化的核心，代表着人类文化的深层结构。基督教会史记载“在哥特式结构中，因为外部的柱子和拱扶垛取消了对厚墙的需要，所以窗户既多又大。在细长的门柱之间，建筑师会安置色彩斑斓的玻璃窗户。”这种深层次的文化结构影响到西方宗教建筑，哥特式教堂注重高度、雄伟的体量只想天国，那垂直向上的飞腾动动势令人迷惘，一种统一和比直向上的精神在纤细的束柱中被强调出来。

玻璃花窗是基督教的宗教语言

哥特式教堂大门是朝西的，为的是基督徒礼拜的时候面向东方，那里是基督圣墓的地方，即使有不朝向西方的教堂，也把正面叫西面。它的内部空间由三大部分组成：长方形的大厅被纵向的划分为中舱和左右舷舱，中舱为基督徒做礼拜的地方。之所以叫舱是因为基督叫宣扬信徒们应彼此相爱。玻璃花窗之上所描绘的圣经故事都不是依次排列，而是按“之”字形的路线迂回排列，这象征救恩之路的曲折和艰辛。彩色玻璃的晶莹剔透与自然光线的阴晴昏暗天衣无缝的结合在一起，一方面带给置身教堂的基督徒一种在地如同在天堂的切身感受，另一方面，则给哥特式教堂内部空间增添了无限的韵味与神秘。

作为中世纪最辉煌的艺术成绩之一，玻璃花窗它把人工和自然有机的结合在一起。彩色玻璃花窗成了‘天堂之窗，上帝透过这扇fenestra coeli（窗户）将真理之光撒向尘世。”这样一种艺术形态，它是依托占这个时期的统治地位的信仰而存在的，它是宗教信仰的表达，从画面中的每一件器物，每一个场景，每一个人物，甚至其中反复出现的图形等等，象征着圣经给人们启示的真理。它的背后隐藏了许多与基督教信仰有着直接或间接关系的目的和含义。

基督教文化对哥特式式教堂玻璃花窗的影响

基督教信徒对天堂的向往和对上帝的虔诚促使人们在人间营造神的殿堂从而推动了教堂建筑艺术的发展，玻璃花窗都隐含了宗教精神，昭示着基督教文化对哥特式教堂的影响，哥特式教堂的出现使基督教的深层文化内涵得到了完美的诠释，宗教与建筑的融合更加完美和谐的教堂建筑在中世纪经历了完美的蜕变。

从中世纪的社会历史来看，对上帝之光的追求，是哥特式教堂玻璃花窗追求的主题之一。彩色玻璃依靠光线的穿透性清晰的通过玻璃窗上的图案照进教堂的上部位。透过彩色玻璃花窗式哥特式撒下的光线形象地表明了它是来自上帝的话语，在圣母的体内化作基督之身，上帝透过彩色玻璃花窗这扇天堂之窗将真理撒向人间。玻璃上的图画多以圣经故事为主，很少掺杂现实意义的题材。

结语

通过对哥特教堂玻璃花窗的结构、构图、色彩、发展规律等分析，剖析了哥特教堂彩色玻璃窗的艺术特征和艺术成就，并探询了其与基督教之间的关系，阐释和研究了哥特式教堂的玻璃花窗是基督教文化的延伸。基督教信仰是哥特式教堂艺术风格的灵魂，哥特式教堂的诞生本身就不是为了一个国家、一个民族所特有的，是为了一种信仰而特有，哥特式教堂为了这种信仰而建造，作为教堂一个重要构成部分的玻璃花窗为这一存在而锦上添花。

（作者单位：湖南工业大学）

哥特文化 篇4

一、《僵尸新娘》对于哥特式艺术风格的完全忠实与全面开发

哥特式,最早是文艺复兴时期被用来区分中世纪中晚期的艺术风格1,哥特式艺术风格起源于法国,13至15世纪流传与盛行于欧洲,首先典型应用于建筑艺术中。典型的哥特式建筑的最重要的一点是强调垂直方向的灵动,表现为建筑强调垂直感,建筑顶部的尖顶而不是拜占庭时期艺术风格的圆顶穹顶。窗户的形状是尖拱,廊道的顶部是尖拱等。营造一种向上的力量,冷峻、神秘与崇高。哥特式风格随后广泛应用于其他领域。万圣节时高耸的圆锥形的帽子,黑色的大披风,黑白面部化妆、烟熏妆,黑金黑白黑红的大胆色彩对比的服装、饰品甚至指甲装饰等,万圣节环境装饰里应用的骷髅、蝙蝠、黑猫、玫瑰纹饰等,其神秘、诡异的文化寓意,无一不是在哥特式风格中得以定义并由此传承的。

在《僵尸新娘》中,从头至尾的黑色的主色调,绝大多数环境的色彩是黑色的,只有表现鬼的世界的部分环境是彩色的。黑色的主色调加上非常规的配色,比如在多数室内环境中,黑色空间里透进惨白的光,或者幽蓝的光、幽绿的光,成功营造神秘诡异的氛围。该片的海报就是维克特和僵尸新娘牵手在黑色加幽蓝非常规配色的背景下,远处有惨白的月亮和骷髅,荒堡,左右是向上的有尖端的藤蔓,哥特式的完全忠实的写照。

在环境的造型中,建筑风格是彻头彻尾的哥特式的。在维多利亚家,可以看到维多利亚的父母在初次会见维克特的父母后从尖拱的门廊里面离开,维多利亚从尖拱的门洞中走出来。维克特和僵尸新娘第一次亲密接触的桥上,远传的背景是尖顶的哥特式城堡建筑群。在僵尸新娘出现的树林,高直尖的树木平行密布,典型的哥特式神秘诡异树林。

在角色造型上,维克特的父母,爆发的鱼贩子的头顶上那一顶尖帽子和维多利亚母亲高耸的发饰有让人过目不忘黑色幽默和讽刺。维克特的紧束的黑色西服,教父的高尖的发饰,紧束的服装,僵尸新娘的蕾丝头饰和婚纱等,都是哥特式风格的典型装束。在鬼的世界中,哥特式元素之一的骷髅被直接作为角色。每个角色的腿都是那么的清瘦,像两根黑色的杆在风中晃动。

在故事的讲诉和故事主题上来说,本片也透着哥特式的黑色幽默、凄美与悲壮。败落的贵族想通过嫁女儿来获得暴发户鱼贩子经济资源,却对鱼贩子充满鄙夷;而鱼贩子则想通过娶没落贵族而进入“贵族阶层”。不幸逝世的僵尸新娘而被维克特动情的婚礼誓言打动,爱上维克特,维克特却对纯真的没落贵族维多利亚一见钟情,僵尸新娘在绝望的爱中坚持和挣扎,维克特听闻爱人即将与男爵结婚,绝望的他决定喝下毒酒与僵尸新娘结婚;在婚礼上,僵尸新娘看见了和她一样穿着新娘盛装梦想爱情的维多利亚,她决定放弃自己无望的爱,成全相爱的维克特和维多利亚。在搏斗中,僵尸新娘勇敢地站出来面对曾经的未婚夫的,那一段绝望的爱的,尖酸讽刺。“我爱你,维克特,但是你不属于我”,此刻观众和维克特对于这只捧还戒指的骷髅的手,应该没有恐惧和厌恶,取而代之的是无限的怜悯和爱,和叹息。僵尸新娘独自一个人手捧结婚的鲜花站到窗户的月光下,抛出花束,化身千万只蝴蝶消失在惨淡的月光中,完成了她凄美的婚礼。哥特式的死亡美学在这里得以体现,死亡、骷髅没有什么好恐惧的好厌恶的,让人厌恶的是人性中的丑恶。没有纯真、善美和爱,生有何欢;拥有纯真、善美和爱,死有何惧!

二、中国元素的动画影片及其分析

在中国的动画开发中,像《僵尸新娘》一样,完全忠实于某种或者某些传统文化元素的作品首推上海美术电影制片厂于上世纪60年代推出的《大闹天宫》2。在万氏三兄弟及其代表作《铁扇公主》、《大闹天宫》等的时代,中国动画水平无论从技术还是艺术上来说都是世界领先水平的。剧中的人物角色面部造型借鉴了中国传统戏剧的脸谱造型;哪咤的圆嫩粉气和中国传统年画中的娃娃形象相似;孙悟空及其他角色的服饰线条流畅,有唐代佛像画和敦煌壁画的风韵;天庭场景色调符合中国传统的帝王所在的黄色主色调的色彩要求,加入了中国画对意境的表达,天宫显得高贵而飘渺;声音音效中也大量应用京剧传统鼓点等音效,甚至人物的腔调等也有京剧的韵味。正式对传统文化的忠实和深度挖掘,使得这部影片具有经久的魅力,在2012年该片还重新剪辑和配音在各大影院放送,获得了不菲的票房成绩。

然而,我们当前的动画开发中,对中国元素的深度挖掘和忠实表达的作品却不多见。美国动画业才得以窥探到机遇,开发的中国题材《功夫熊猫》赚得盆满钵满。《功夫熊猫》在场景、服装、角色选取、配饰道具等无不是中国传统元素的表达,甚至将中国道家大无的哲学思想作为秘籍的最高境界推出。可见,中国传统文化题材的动画不是不能做,而是非常需要对传统文化的深刻理解,忠实表达和深度挖掘。

三、中国传统文化元素的动画开发思考

1、把握和挖掘传统文化元素需要进一步推进传统文化教育

对于传统文化元素的动画开发而言,最先需要明确的是哪些属于中国传统文化元素,和传统文化的精华的辨析问题。而在当前的现实语境中,很多受众和创作者对于中国传统文化元素的把握还不够或者不够聚集。我们听流行音乐的人多,而传统戏曲的少。艺术类高考学生的素描很会应用透视规则,而多数人对于中国传统山水画涉及较少。先秦诸子学说我们听说过,而有深度理解的少,甚至在观看《秦时明月》对诸子百家的追求和风格不能完全形成文化共鸣。中国动画挖掘传统文化再出精品首先需要重视和进一步推进传统文化弘扬的大土壤。

2、开发深刻主题,赋予符合时代特征

在中国传统文化元素的动画开发中,同样需要挖掘深刻的主题,这个主题最好是符合当下的时代特征的。当然有许多亘古不变的,放之四海皆准的主题,比如爱情,比如亲情,比如善恶。批评的声音认为功夫熊猫是披着中国外衣的美国熊猫,因为影片的主题透着鼓励追寻自我价值,平凡人获得成功等美国个人主义的意识表达。同样是传统文化题材的《埃及王子》将原本圣经故事中强调神性强调信仰的主题赋予了现代性,将主角的行动动机改变为“你看你的人们有着自由和有尊严的生活的希望”,所以我要尊从神的指示去带领我的人们出埃及。巧妙地融入了符合现代价值判断甚至可以说也能符合无宗教信仰的人们的价值判断。

四、结语

在这万圣节之周,重温经典《僵尸新娘》,看经典之作对于传统文化的全方位忠实表达和深刻挖掘,思考中国动画的传统文化元素挖掘问题,期以随着中国传统文化的弘扬进一步推进,并赋予传统元素以新时代的生命力,中国动画重现《大闹天宫》时期的辉煌也是不无可能。最后借用导演蒂姆伯顿3的话:“世界上有一些东西不遂人意,但总的来说未来还是值得我们去期待”。

参考文献

[1]艺术百科,百度百科http://baike.baidu.com/link?url=h FFho Mnlndvnw TAjznx5ag B_p Xwqy5TRy R3Ma4r GUT4-i5j Fyko LWh Bfwxe09VZOOz Wq Mu88LWz Slp8Ipkynf Sj0FE9l Ul Yfzu Hr FS1B4xa K-2d IBSam OIs Vqb NLb2o F,2016-11-04

[2]方建国,中外动画史[M],浙江:浙江大学出版社,2012年2月

[3]马克·索尔兹伯里,在好莱坞图谋不轨:伯顿谈伯顿[M],北京:北京联合出版公司,2016年10月

[4][美]迈克尔·拉毕格,导演创作完全手册[M],北京:北京联合出版公司,2016年7月

哥特式建筑的特点 篇5

尖肋拱顶

从罗马式建筑的圆筒拱顶普

遍改为尖肋拱顶(Pointed Arch，或者干脆称为Gothic Arch)，推力作用于四个拱底石上，这样拱顶的高度和跨度不再受限制，可以建得又大又高。并且尖肋拱顶也具有“向上”的视觉暗示。

飞扶壁

(Flying Buttress)

飞扶壁(Buttress)，也称扶拱垛，是一种用来分担主墙压力的辅助设施，在罗曼式建筑中即已得到大量运用。

但哥特式建筑把原本实心的、被屋顶遮盖起来的扶壁，都露在外面，称为飞扶壁。由于对教堂的高度有了进一步的要求，扶壁的作用和外观也被大大增强了。

亚眠大教堂的扶拱垛有两道拱壁，以支撑来自推力点上方和下方的推力。沙特尔大教堂用横向小连拱廊增加其抗力，博韦大教堂则双进拱桥增加扶拱垛的承受力。

有的在扶拱垛上又加装了尖塔改善平衡。扶拱垛上往往有繁复的装饰雕刻，轻盈美观，高耸峭拔。

花窗玻璃

哥特式建筑逐渐取消了台廊、楼廊，增加侧廊窗户的面积，直至整个教堂采用大面积排窗。这些窗户既高且大，几乎承担了墙体的功能。

并应用了从阿拉伯国家学得的彩色玻璃工艺，拼组成一幅幅五颜六色的宗教故事，起到了向不识字的民众宣传教义的作用，也具有很高的艺术成就。花窗玻璃以红、蓝二色为主，蓝色象征天国，红色象征基督的鲜血。

窗棂的构造工艺十分精巧繁复。细长的窗户被称为“柳叶窗”，圆形的则被称为“玫瑰窗”。

花窗玻璃造就了教堂内部神秘灿烂的景象，从而改变了罗曼式建筑因采光不足而沉闷压抑的感觉，并表达了人们向往天国的内心理想。

十字平面

这也是继承自罗曼式建筑，但扩大了祭坛的面积。

门

层层往内推进，并有大量浮雕，对于即将走入大门的人，

仿佛有着很强烈的吸引力。

束柱

(beam-column)

柱子不再是简单的圆形，多根柱子合在一起，强调了垂直的线条，更加衬托了空间的高耸峻峭。哥特式教堂的内部空间高旷、单纯、统一。装饰细部如华盖、壁龛等也都用尖券作主题，建筑风格与结构手法形成一个有机的整体。整个建筑看上去线条简洁、外观宏伟，而内部又十分开阔明亮。

哥特式建筑技术高超精致，又带有艺术性，在建筑史上占有十分重要的地位。

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哥特童话演绎黑色四季 篇6

失去色彩的魔幻季节

这组作品是迪拜摄影师Tejal Patni为著名时尚品牌Splash拍摄的一组2011年的年历。Tejal别出心裁地摒弃本该属于四季的斑斓色彩，用深邃沉稳的黑色作为主色调，配合自己所擅长的魔幻主义风格来描绘这一年的12个月。当原本属于四季的色彩被隐没于黑色的画面中，他向读者传达的季节信息便从直观的视觉体验转变成视觉化的情绪语言。

黑色，是Tejal最喜欢的色彩，它并不代表着单调，相反地，它包含了一切色彩，诚如它的深邃、神秘。在他近几年的时尚作品或者其他作品中，他都会融入一些故事来加深人们对画面的理解。除了精准的构图、考究的道具与置景和魔术般的光影，他画面中的场景，总是给人一种强烈的人为气息，冲突感与不平衡在他巧妙的设置之下弄拙成巧，营造出似真似幻又充满诡谲奇妙的魔幻世界。这种矛盾突破了传统美学意义上的和谐感，在Tejal的镜头下萌生出别样的时尚感和视觉体验。

Tejal-直提倡对生存环境的保护。在与他的时尚造型师Kristen Herman有了良好的沟通之后，他们决定从置景的材质选择上引起人们对环境保护的关注一一用黑色塑料袋做成的水面、拼贴式的树枝，以及烟雾弥漫的世界，这样超现实的画面在给人带来强烈视觉冲击的同时，也引发人们的思考。从构思到制作完成，这组作品一共花了一个月的时间。在营造Tejal想象画面的过程中，他的团队进行了大量的实验。Tejal通常使用Capture One来完成前期拍摄时的曝光和色彩设置，到后期处理的时候，就只需要稍微调整整体画面的空间感以及皮肤的质感。从服装的设计，道具的材质，到拍摄中的光影使用，细致而精美的视觉元素都完美地结合在画面中，让这个黑色的世界绽放出四季原有的斑斓色彩，而这里的斑斓，指的是黑色与场景道具、光影调和、模特姿态在画面中碰撞产生的化学反应而引发的读者内心的情绪色彩。

蒂姆.波顿般的电影画面

Tejal Patni除了是一名时尚摄影师以外，同时还兼任电影导演一职。从他开始摄影创作以来，便展现了与生俱来的时尚触觉和天马行空的想象力。他把导演时“把控画面内一切因素”的能力与摄影作品融合得淋漓尽致。尤其在他的时尚类作品中，他在塑造人物角色视觉风格的时候，与环境的设置相互交融，呈现的画面仿佛是一部充满魔幻现实主义的电影中静止的一帧。

Tejal在艺术学校学习的时候便开始接触摄影。在第5学年快结束的时候，他已经正式踏入时尚摄影圈。后来，他开始给MTV和Channel V等知名音乐频道录制视频。此时的他已经自如地游走在静态与动态影像之间。但Tejal从不止步于对艺术的追求，于是在2002年时，他跑到伦敦电影学院去学电影制作，这也是目前为止，他送给白己最好的礼物。尽管如此，他依旧对摄影有着难以舍弃的热情。如果说电影是他最爱喝的咖啡，那么摄影对于他来说，便是如水一般不可或缺的存在。因此，他从不拒绝任何一个拍摄机会。

从他的作品风格当中，我们很容易看到著名导演蒂姆-波顿（Tim Burtond）的电影风格特点，就像《剪刀手爱德华》或是《蝙蝠侠》系列中那些怪诞而神秘的画面，人间的世界灰暗阴冷，死气沉沉，而无生命的世界却生机勃勃。Tejal的作品也充满了这些象征和隐喻。他坦言道，蒂姆-波顿的电影深刻地影响着他的摄影风格。在他的大多数作品里，哥特式风格、高对比的色彩运用都是他制造一个个魔幻世界的秘密武器，为他的作品赋予了华丽惊艳的视觉冲击力。当Tejal接到这个拍摄项目的时候，他便希望将自己脑海中的魔幻世界与蒂姆的电影相结合，尝试全新的创作。

哥特艺术及哥特式电影的起源 篇7

1 哥特风格的主要样式

作为一种艺术样式,哥特艺术在世界艺术史上涵盖建筑、绘画、雕塑、文学、电影、音乐甚至服装、工艺美术等领域。哥特艺术主要包含哥特式建筑,哥特(式)文学,哥特式电影,哥特音乐。

哥特式建筑产生于1140年左右的法国,主要应用于教堂,整体风格削瘦尖耸,窗户上绘有巨大的色彩斑斓的玻璃画。哥特式建筑以意大利米兰大教堂、俄罗斯圣母大教堂、德国科隆大教堂以及法国巴黎圣母院为主要代表。

哥特小说十八世纪后期起源于英国民间,民间文学表达自由,因而在崇尚自由和个性解放的时期受到追捧,小说则成为了趁手的表现形式。内容以描写幽闭的古堡、阴暗的回廊、潮湿的地下通道为范本,内容以幽灵、鬼神、厄运、死亡、人性、宗教、推理为主。

哥特音乐,指中世纪的音乐形式和20世纪七十年代末期兴起的一种音乐形式。哥特音乐则是中世纪音乐的泛指,主要是庄重肃穆的赞美诗和弥撒等教堂音乐和来源于民间的中世纪民乐。

哥特艺术经过长期的发展结合了建筑、绘画、文学、电影等各种艺术形式,是人类为表达特定观念、满足精神需求和审美诉求创造出的艺术形式。通过对几种艺术形式特征的提取,可以把哥特艺术的一般特征概括为具备黑暗和恐怖、死亡和毁灭、神秘和怪诞等元素。哥特艺术中的哥特元素都不是孤立的,他们互相作用,形成了独具特色的艺术风格,而电影正是其中的集大成者。

2 哥特式电影的起源

电影从诞生之初起便和哥特产生了不解之缘。1910年,爱迪生第一次把哥特文学中的经典人物德古拉搬上荧幕。1922年,德国导演茂瑙以德古拉为原型创作了影片《诺斯费拉图》。1931年,好莱坞推出了哥特风格鲜明的《吸血狂魔》。50年代,《德古拉的噩梦》上映,1994年《惊情四百年》将吸血鬼形象推向了顶峰。

3 哥特式电影与哥特艺术的关系

早期电影中哥特元素的应用并不仅仅体现在吸血鬼形象的塑造上,哥特元素的主题、场景、故事把电影指向了吸取其特点的道路上。这一时期具有哥特风格的电影大多改编自哥特小说,故事背景大多发生于哥特式的城堡,渲染一种阴暗、颓废、恐怖的气氛。20世纪以前,哥特故事还停留在想象阶段,电影的出现使哥特式的故事由静止向动态的设置转变,电影技术还原了本在人们脑海中的诡异画面,这些技术炫目、画面精美、氛围恐怖的影片给人带来的恐惧、震惊、绝望主要来源在三个方面:人物设置、情节构造、场景营造。人物设置上,电影的人物基本是迷离的受害者、永生的吸血鬼、绝望的复仇者。情节上则采用了哥特小说中经典套路:神秘失踪、乱伦复仇、变态追逐的离奇事件。场景构建中则采用了黑暗的古堡、暗室、地牢、废墟、旷野等末日般的哥特式场景中。

20年代,表现主义运动兴起,具有哥特元素的表现主义电影成为了主流。《诺斯费拉图》和《泥人哥连》将哥特式电影推向了世界。30年代以后的很多影片都加入了哥特元素。1931年,导演勃朗宁创作了著名的《吸血狂魔》。1957年,英国也出现了关于科学怪人主题的《佛兰肯斯坦的诅咒》。1959年法国导演乔治斯·弗郎吉拍摄了一部没有吸血鬼形象也没有怪人却富含丰富哥特元素的电影《无颜之眼》。

4 结论

应该作为区分的是,欧美电影中具有强烈的哥特传统,并不是所有运用了哥特手法的电影都可以认为哥特式电影,很多电影只是延续了哥特风格的某些主题,例如在选材上借助宗教故事,或者搭载奇幻传奇的影片如《哈利波特》《魔戒》等,一些选用哥特小说传统人物的电影比如《吸血鬼日记》之类的影片也无法定义为哥特式电影。通过分析发现,电影中哥特元素都是源自对其他艺术门类的提取,比如哥特式建筑、哥特文学。为数不少的哥特式电影现在依然把对著名哥特文学的改编作为灵感来源,可见电影中的哥特元素正是从其他门类艺术中的哥特元素的替换。

参考文献

[1]邹懂礼.“黑色”影像里的社会与人生——黑色电影研究[J].湖南大众传媒职业技术学院学报,2004,(4).

[2]邱菊.存在意义的寻求——《夜访吸血鬼》中路易斯的旅程[D].长沙:中南大学,2009.

“哥特公主”鲁妮·玛拉 篇8

2010年, 25岁的鲁妮·玛拉在大热的《社交网络》中饰演男主角扎克伯格的女朋友, 通过这个角色被影迷所认识。而在此之前, 鲁妮·玛拉就曾参与电影《青春大反抗》、《猛鬼街》等的演出。《社交网络》的导演大卫·芬奇相中鲁妮·玛拉饰演2011年美国版《龙纹身的女孩》的女一号, 与她竞争的人选中甚至有娜塔丽·波特曼、斯嘉丽·约翰逊等当红女演员。电影中, 鲁妮·玛拉犀利十足的扮相令她被时尚界关注, 在2012春夏时装周上, 她与《Vogue》美国版主编安娜·温图尔并肩看秀, 然后又顺利登上了《Vogue》美国版2011年11月的封面, 成为新兴的时尚新脸孔。

几乎没有人怀疑, 玛拉将在《龙纹身的女孩》三部曲的后两集中继续挑大梁, 尽管她本人仍谦虚地表示:“我们得看看是否还需要试镜, 我本人倒是很愿意再演一回!”而在此之前, 玛拉还将加盟泰斗级导演泰伦斯·马力克自编自导的新作《无法无天》, 并与瑞恩·高斯林、凯特·布兰切特和克里斯蒂安·贝尔等影星合作。

虽然片约纷至, 星情大涨, 但玛拉却表示:“我想成为的是一名女演员, 而不是一位名人, 成名会以伤害你的演技为代价, 人们越了解你, 就越忽视你塑造的角色。出名绝非我所愿。但这也是我所选择的行当的真实写照。娱乐圈内的某些文化很奇怪, 甚至有点失控, 希望我不会受到太多的影响。”

小档案

姓名:Rooney Mara (鲁妮·玛拉)

国籍:美国

生日:1985年4月17日

浅析哥特艺术的历时发展 篇9

提起哥特式艺术, 很多人脑海中马上呈现出中世纪欧洲那一座座雄伟的大教堂, 高耸的尖塔, 斑斓的花窗、浑厚的骨架券、轻薄却有力的飞扶壁、金碧辉煌的内饰、功能合理的布局。

曾经听过一个故事:一个工匠在教堂的高处精心的雕刻一处非常细微的小雕像, 掉了很久还没有雕好, 一个路人就对他说, 雕那么仔细干什么?反正那么高, 没人会看得见……工匠用手指了指天上回答说, 是没人看得见, 但天上那位可是看得清清楚楚呢。这样我们大概就会明白为什么那一座座宏伟教堂得以完成动辄需要耗时几百年。因为整个建筑里里外外每一个细微的角落, 无不凝聚着艺术家们的心血。

1. 哥特式的缘起

这类恢弘的建筑之所以称作哥特式, 是因为在哥特建筑出现之前的社会中人们习惯了优雅的古典建筑, 人们就用这一代表野蛮、丑恶的词语“哥特”来形容这种神秘、高耸、涌动着不安气氛的建筑形式。

哥特可以代表领域很广的艺术样式, , 有建筑、雕塑、绘画、文学、音乐等。德国的艺术史家沃林格尔把哥特式艺术与北方日耳曼民族的心理精神联系起来, 以寻求哥特式艺术的深层意志, 并试图追溯到远古时代民族活动的深层动机中。

日耳曼人面对外部世界的变化感到不安与迷茫。他们一方面希望得到精神上的安宁, 但是他们心中强烈的求知欲望却站在另一端。这是一场拉锯战。他们觉察到了宇宙的深邃远远超过了他们的知识范围, 这种认识使他们不安, 他们渴求平静。于是, 他们试图创造一新的形式以庇护他们的灵魂, 但这并未阻止他们对知识的追求。这复杂的精神状态变成骚动, 矛盾在他们心中展开。精神不能安宁, 内心的平衡点就只能在一种麻木与自我麻痹中获得了。沃林格尔说:“正是这种被提升了的歇斯底里, 才是哥特式现象最显著的标志。”1

早期的哥特式艺术形式是萌生在这种矛盾的精神状态上的, 日耳曼民族早期的线条装饰装饰充满了运动感, 既具有生命形式感的扭曲, 也具有抽象的特点。这些线条的表现方式不是简单的对自然的模仿, 也不是单纯抽象自己心里冲动的力量, 而是把他们心中的热情赋予自然之上。

古代北欧地区的卢恩符文, 日耳曼民族相信这些符文带有强大的力量。线条的粗细变化, 直线曲线的变化, 以及富有意味的排列方式, 代表了一种的生命力量。硬朗的直线, 尖尖的锐角, 粗壮稳定的支撑上方有力的斜线, 体现一种冲动, 一种呼之欲出的力量。

随着知识的进步, 日耳曼人能够以比较轻松的心态来面对外部世界了。它们的粗犷有力的线条在某些具体的应用中变得柔和了, 尤其是在表现一些具有生命力的东西的时候。比如哥特式的雕像, 对人物的刻画增添了几分亲和与自然。

2. 哥特艺术的辉煌时期

在哥特艺术形式中最具代表性的就是哥特式教堂了。至于哥特式的艺术形式是如何与基督教结合起来, 并且两者一经结合就迸出火花, 相互促进在人类历史的舞台上长久的占据着重要的位子。基督教与日耳曼人的思维方式都具有超验的观念, 而且基督教是一套富有逻辑性的完整体系。日耳曼人的心灵一直处在一种难以理清的矛盾之中, 而这种矛盾使得他们难以腾出心灵空间去创造更为美好的归宿。而基督教体系在结构上的完整, 切好填补了日耳曼人的缺失结构。而基督教的超验精神也在与具有强有力的生命律动精神的日耳曼民族结合后慢慢探寻到了更能表现其神权至上的理念的形式。哥特式教堂逐渐代替罗马式成为基督教堂主要的承载体的过程, 充分的体现了日耳曼民族内心几句的强大的原始精神力量战胜了世俗的、充满人性教化的文化, 也体现了基督教神权至上对蛮族侵略文化的驯化。

著名的科隆大教堂, 一座典型的哥特式教堂。它的建成用了632年。高度大约为160米。气势恢宏, 高耸的尖塔直插云霄, 旁边一簇错落着的小尖塔紧紧地攀附着, 整体透露着一股强烈向上的动势。支撑着它厚重墙体的飞扶壁也显出不小的阵势, 它们是清一色的小尖顶。整座教堂虽然体积庞大, 但是由于他在纵向上的艺术处理, 让整个建筑物显得轻盈。整个建筑的外表装饰都非常细致, 越往上装饰越多越细, 每个细节无论神龛、拱门或者尖塔上的雕塑装饰, 都散发着一种轻灵的气质。这种拔高、飞升、轻盈、精致, 这种动势, 营造出一种神秘飘渺的感觉, 若即若离, 似乎隐隐的为人指着通往天堂的入口, 令人神往。

教堂的内部平面是一个十字形, 在基督教里这是一个重要的符号, 是耶稣受难的见证, 代表了耶稣遭受的罪。海涅曾这样描述他的感觉:“教堂里我感到精神逐渐飞升, 肉身遭到践踏。教堂内部是一个空心十字架, 我们就在这刑具里走动;五颜六色的窗户把血滴和浓汁似的红红绿绿的光线投到我们身上;我们身边呜呜地唱着丧歌;我们脚下满是墓碑和尸骸, 精神沿着高耸笔立的巨柱凌空而起, 痛苦地和肉身分裂, 肉身则像一袭长袍扑落地上。从外面来看, 这些哥特式的教堂, 这些宏伟无比的建筑物, 造得那样的空灵、优美、精制、透明, 简直叫人要把它当作大理石的布拉邦特花边了, 你这才真正体验到那个时代的巨大威力, 它甚至能把石头都弄得服服贴贴, 石头看来都鬼气森森地通灵会意似的, 连这最顽强的物质也宣扬着基督教的唯灵主义。”哥特教堂对神权的象征, 对人的精神影响, 由此可见一斑。

3. 现阶段的哥特

坐落在巴塞罗那的圣家族大教堂代表哥特式艺术发展的新阶段。设计者高迪是虔诚的信徒, 他是狂热的自然主义者, 他非常喜欢使用曲线, 他认为曲线是属于上帝的。他曾经说:只有疯子才会描绘不存在的东西。经历了几百年的发展, 哥特教堂终于翻开了新的篇章。

这座建筑初建的时候正是艺术运动纷至沓来的时期, 圣家族教堂的设计中就不可避免的带有了时代的印记, 它与新艺术运动产生了千丝万缕的联系。它改变了以往对直线造型的重视, 更多使用曲线去表现。高迪对于曲线的把握运用真的令人钦佩。他的曲线运用不是娇柔无力的, 他通常把一条曲线扭曲到不同的维度上, 并且能用很多线条通过各种组合创造出非常带有力量感的形式来。比如教堂的主题尖塔, 剪影的侧线就是一条曲率很小的弧线, 因此看起来充满了力量感, 而且由于曲率的变化, 显得塔体更具有能量, 整个建筑好似被赋予了生命一般。似乎有力量从底部开始向上涌动, 像是它的脉搏, 这股内在的动势完全不同于传统哥特建筑锋利的指向, 但它的气势也毫不亚于后者。

这种新的哥特式对人物的刻画也与传统的哥特雕像有所不同。前面已经提到, 传统的哥特雕像在人物面部表情上是运用比较自然柔和的雕刻手法, 而在无生命的物体上, 比如衣服的褶皱刻画上则是相对粗犷硬朗的线条。而我们在这座新建筑上看到的人物雕塑, 就显现出了另一种风格:无论是面部表情的刻画还是衣物装饰的褶皱处理, 使用硬朗的线条抽象的表现, 这可以说是哥特人精神意志的外在表象的一种螺旋式发展的象征。整体上看这教堂的装饰, 有些地方的装饰做了很抽象的概括, 非常简洁有力, 而有些局部的装饰却非常繁复, 像盛夏的爬山虎结结实实的裹在建筑的外墙。这也许和高迪想要在建筑商真实的反映圣经故事从而选择的表现方式有关, 而种强烈的差异大概也现了哥特精神在矛盾中挣扎寻求出路的一种方式。无论如何, 这座未完成的建筑是很成功的, 恰似一首凝固的音乐, 时而舒缓, 时而高亢。这座石头的建筑以其独特的精神状态感召人。

哥特式艺术发展到近代, 亦在文学、音乐等方面展示了其巨大的影响力。19世纪以来, 出现了一种以激情、超自然、幽深、恐惧、阴郁……为基调的被称为“哥特小说”。这些小说营造的氛围很像我们开篇时讲到的哥特神秘、激烈而又难以自鸣的日耳曼民族的心理精神带给我们的感触。狂乱的精神, 扭曲的心灵这大概就是哥特式的精神之髓吧。哥特音乐, 也反映了一种类似的厌世、冰冷、令人精神紧张而又凄美悲伤的压抑情愫, 让人有一种想释放, 想冲破, 这世俗牢笼的冲动。

后记

哥特式艺术的产生发展体现了精神对物质、唯灵主义与野蛮文化的融合过程, 外在的艺术形象, 内心挣扎痛苦的人们内心深处萌动着的神秘、诡谲的感受。它的神秘对现代生活在都市里的迷失了自我, 找不到归宿的人们构成具有强大吸力的磁场。也许他们和古日耳曼人一样都在寻求一种内心的归宿, 一个可以让心灵栖息的港湾。现实的残酷驱赶着人们为生存奔走, 人们只能麻木的作为, 同时内心深处发出低沉的呐喊。哥特式的文化艺术形式以其张扬的外在形式与低调的态度营造着一个深沉的光明的暗黑世界。没有矛盾就没有世界, 我相信哥特式的精神会伴随人类一路走下去。

摘要：哥特可以代表领域很广的艺术样式, , 有建筑、雕塑、绘画、文学、音乐等。德国的艺术史家沃林格尔把哥特式艺术与北方日耳曼民族的心理精神联系起来, 以寻求哥特式艺术的深层意志, 并试图追溯到远古时代民族活动的深层动机中。

关键词：哥特,发展,教堂

参考文献

[1]《哥特形式论》 (德) 沃林格尔著, 中国美术学院出版社, 2004.

[2]《外国建筑简史》梁旻胡筱蕾, 上海人民美术出版社, 2007.

从女性哥特视角解读《猫眼》 篇10

玛格丽特·阿特伍德 (Margaret.Atwood, 1939-) , 是加拿大享有国际声誉的小说家和诗人，被誉为“加拿大文学女王”。曾获得英国布克奖和加拿大总督文学奖等多项奖项，其本人还曾于2003年获得诺贝尔文学奖的提名。阿特伍德的作品十分关注环境、生态等问题但是她的小说更多都是围绕女性的命运和生存状况而展开的。《猫眼》是阿特伍德的第七部小说，是对女性问题关注的代表作，同时被认为是她的小说中最具艺术成就的一部。对于该小说，文学批评涉猎的范围非常广泛诸如生存、后现代性、儿童游戏、殖民主义等。本文试从女性哥特视角解读该部作品。

女性哥特文学是哥特文学的一个分支，相对而言，另外一种就是传统的男性哥特。女性哥特最早可以追溯到18世纪90年代英国女作家安·拉德克利夫创作的《尤道弗的秘密》，改篇小说的问世开创了女性哥特的先河。迄今为止，女性哥特已有二百多年的历史，形成了一种独立的文学样式和文学传统。而女性哥特研究是将女性主义理论引入哥特小说研究领域而产生的新的文学研究领域，它是以女性主义理论和哥特理论为背景逐步发展起来。1976年，女性主义理论家埃伦·莫尔斯在她的代表作《文学女性：伟大的作家》中首次提出“女性哥特”的定义，她认为：“女性哥特”即“女作家以哥特这种文学形式创作的作品。”[2]她指出女性哥特与男性哥特的根本区别在于恐怖根源的不同，女性哥特恐惧的源泉不是传统哥特里非人的神秘力量和超自然的因素或者暴力流血事件，而是现实生活中由于外界的种种压力而产生的女性对自身内心恐惧和焦虑。同时，朱利安·弗利诺在她的论文集《女性哥特》的序言中对女性哥特作了如下定义：它利用破败的古堡或密闭的房间等传统空间来象征女主人公和文化二者；作为一种心理形式，它激发恐惧、愤怒、敬畏等各种情感，有时引发女性对自身性别角色、女性性欲、女性生理和生殖的恐惧和憎恶。现在一般认为，女性哥特是女性作家创作的、表征了女性意识的哥特小说为女性哥特小说。

一、主题和人物

传统哥特小说的主题大多是通过家族仇恨、继承权的争夺揭示人性的邪恶和阴暗，其中充斥着欲望、暴力、疯狂、仇杀、血腥残杀等，男主人公通常都是一些“恶棍式英雄”。他们不想受当时社会的局限，但是有利用了一些非常手段去向世俗挑战。而传统的女性哥特小说比如勃朗特姐妹的《简.爱》和《呼啸山庄》都是典型的传统女性哥特小说。女主人公大都童年生活不幸，在阴暗晦涩的环境中长大，经过痛苦的成长经历，最终却有一个美满的结局。阿特伍德的作品中突出的是女性哥特文学特有的恐惧感和焦虑感，她笔下的女主人公大都是笼罩在父权社会的恐怖梦魇中，这与传统的哥特有些许不同。《猫眼》中也涉及的复仇但却是女主人公的心理活动，她希望伤害她的人会得到报复甚至是死去，永远的消失在她的世界。

伊莱恩的父亲是昆虫学家，所以他们经常搬家以方便父亲的工作。在定居之前她的童年生活是幸福的，有哥哥这个不掺杂任何杂质的很好的玩伴，还有父母的疼爱。但是上学之后结识了科迪利亚、卡罗尔和格蕾丝她曾经渴望拥有的“女性朋友”之后就彻底改变了，也是她梦魇的开始。科迪利亚对伊莱恩的伤害既有肉体上的更是精神上的。这在科迪利亚让伊莱恩去山谷下面的冰面上捡帽子的时候的场景体现得淋漓尽致。一方面，伊莱恩被刺骨的冰水浸泡着，弱小的身躯几乎失去抗争的勇气，几近丧生；另一方面，面对曾经用心对待的“好朋友”的友谊的失望甚至是绝望，让这次事件成为了她做出改变的转折点。但由于女主人公所受到的身心伤害，才使得她痛苦不堪，容易产生焦虑、恐惧和矛盾的心理，也让人能够理解后来她对待科迪利亚的种种行为和态度。

当然，伊莱恩和科迪利亚之间并不是面对面的打斗而是利用心理战术。其中的一个场景是原本是朝夕相处，然而科迪利亚学习成绩不好辍学之后与伊莱恩失去了联系。有一天科迪利亚却突然给伊莱恩打电话邀请伊莱恩。当伊莱恩看见科迪利亚时，非常惊异于她的变化——又胖又萎靡。她本想劝她好好上学并未且安慰科迪利亚，但是她的内心却“坚硬”起来。还有一次是科迪利亚乞求伊莱恩帮她从疗养院（实际是精神病院）“逃脱”而伊莱恩的内心的声音“你竟敢来求我？”[5]p376她甚至想扭断科迪利亚的胳膊，把她的脸摁到雪地上擦！尽管伊莱恩说不恨她但是却抓住了难得的机会在心理上实施了报复并得到一定的快感。从某种程度上来说，科迪利亚就是父权社会制度的代言人，她把父权社会制度的桎梏牢牢地锁在伊莱恩身上。科迪利亚这个名字最初原本是莎士比亚的悲剧《李尔王》中李尔王最小的女儿的名字，因为不会说些讨好父亲的话语而被放逐，后回国复仇未果却惨死。这里就是暗示了科迪利亚这个男权制度的实施者和坚决维护者的结局不会很理想。

二、环境和意象

在这部作品中，阿特伍德所提到的地点的名字都是真实的，这与传统的哥特中的古堡、密室以及墓地等场所是迥异的，但是在叙事方式上——倒叙是和哥特的特点相一致的，童年的和成为画家的伊莱恩，两种声音交织纵横，让读者感受到回忆与现实的转换。同时这也体现出伊莱恩痛苦的一个根源——被苦涩的回忆被痛苦的回忆和恐怖的梦魇折磨，她也一直在努力的摆脱这种困扰，即使在舒适温暖的熟悉环境中也不能轻松自在地生活，就是在自己栖息的家里也显得那么陌生诡异，甚至产生自杀的欲望，这无疑增加了作品的哥特氛围。

《猫眼》中伊莱恩和儿时伙伴们一起玩耍的墓园、河谷，以及后来科迪利亚居住的休养院无不传递出一种被禁锢的意象。由于她的刻薄，工于心计和对伊莱恩的种种算计和控制科迪利亚在表面看来是面目可憎的，然而她一样是男权社会的受害者。她原本就是生活在一个父权家庭中，当她发现伊莱恩的与之不同之处便想“帮助她”。伊莱恩掉进河谷之后，她的面前出现了圣母玛丽亚的形象，后来她也是一直信奉玛丽亚而不是耶稣。因为伊莱恩跟随科迪利亚以及史密斯夫人等去教堂做礼拜，她以虔诚的心态做事却被忽视而深受伤害。这也表明对于向耶稣象征的男权屈从并没有带来什么改变却使惩罚更深，女性应该觉醒，独立、自信、自我认同。

在伊莱恩确定乔有了婚外情而不回家的夜里，她睡不着了，也似乎听见有个声音在说：“干吧！来啊！干吧”！[5]p391于是她拿起了丈夫的那把精工细刀割了一条深长的口子因为他已经将我抛给黑夜。在阿特伍德的小说中，女主人公的内心的恐惧和焦虑有时候被吞噬掉，让他们倍感无助而逃避。而这背后的黑手正是男权制度。伊莱恩承认乔是爱他们的女儿萨拉的，而且乔很容易和萨拉打成一片来对付共同的敌人——妈咪。伊莱恩不在意这种游戏，但是内心是不舒服的。男人没有真正把自己融入女人的世界，女人在他们心里是能够给自己生理上带来欢愉并且可以生儿育女的一种工具。

三、超自然因素——梦境

神秘、恐怖与超自然因素是哥特的惯用模式而梦是哥特小说中最常见的现象，因为梦有着与人们潜意识达到默契的深层因素。在《猫眼》中，作者多次描写伊莱恩的梦境。如果说生理的伤害是女性恐怖的原因，那么心理的创伤就是随着这种创伤而引发的意象反应——幻觉和恐怖梦魇。伊莱恩梦见自己掉到了桥的下边，可是妈妈就站在山坡上和人说话似乎也没有看见自己掉进水里。梦的简单描述，就能反映出女主人公内心的焦虑和恐怖。似乎没有人能够解救她。

伊莱恩在现实生活中遭遇了女性化话语压迫，从而作者运用梦境去体现人物丰富的内心世界。科迪利亚深受父权家庭的影响对来自无神论家庭的女孩伊莱恩找到了发泄的出口的种种“改进”的方式，将自己所受的父权压迫复制且变本加厉的转嫁在伊莱恩身上。这是影响伊莱恩一生的梦魇。这样的伤害隐喻着父权社会将异己推向了死人堆里。

结语

由以上对《猫眼》中女性哥特特征的分析可以看出，阿特伍德在女主人公伊莱恩的成长故事中探讨了女性在男权社会寻找自己位置的艰难历程：从一开始的懵懂无知，盲目顺从，到对现实的逃避，到自发的反抗意识，经历坎坷和挫败，再到获得自我意识后的智慧自信。女性哥特特征贯穿始终。但是在这部作品中，阿特伍德对于女性哥特很大程度的继承过来，同样也有超越。女性哥特的这一文学体裁的完美运用更加突出深化了主题，男权社会下女性自我意识的觉醒是摆脱恐惧和破除焦虑的有利方式。

摘要：《猫眼》是加拿大“文学女王”玛格丽特·阿特伍德的第七部小说, 是女性哥特小说的继承之作, 但是同时也有对这一文学体裁的超越。本文从女性哥特视角解读这部作品, 从而揭示造成女性焦虑、恐惧等典型的哥特特征的根源是男权社会制度。