关键词:
谈服装艺术性与实用性的结合应用(共9篇)
篇1:谈服装艺术性与实用性的结合应用
谈服装艺术性与实用性的结合应用
梁丽
众所周知,服装首先是人借以生存的物质条件,具有满足人的生理方面需求的物质性;其次服装又具有人依赖的精神表现要素,既具有满足人的心理方面需求的精神性,又具有艺术欣赏与实用价值两大类。今天随着经济浪潮的不断发展变化,随着商品经济的不断更新换代,随着社会环境的不断改善,服装行业也同其它消费品行业一样,逐渐发展变化形成了一个庞大的时装产业界,成为融观赏艺术与实用价值为一体的机制经济市场。作为培养时装界人才的专门院校,教育目的及内容也经历了各种演变,从而得以向前发展,把职业技术教育推上了一个新的台阶。
以往,服装教育以服装设计专业为首进行服装文化教育,培养时装界的专业设计人才。如今,在市场经济腾飞之际,新型的职业技术学校更须与社会生活密切相关的实用技术教育相结合,其教育目的是对学生传授社会生活中实际需要的知识和专业生产技术,并将其定为“实际应用型学府”,培养学生既有服装设计的能力又能实际动手操作的双向型、复合型、技术应用型人才。显而易见,如何把服装的艺术审美性与服装的实用价值性更好地结合应用已成为当今市场经济的焦点,这在服装教育中占有十分重要的地位,以下从三个方面在加以论述。
一、市场方面的应用
服装的审美性与服装的实用性如何更好地结合,应用服务于市场经济,使消费者受益,推动服装行业日新月异的经济繁荣是服装教育的一项重要课程。那么了解社会、了解市场、了解消费者的心理需要的状况就显得尤为重要。从服装的精神性角度来看,人们对美的追求是人的本能,也是人类所共用的特征。俗话说:“爱美之心,人皆有之”。然而,人们追求美的标准又是各有不同、各有所好,就如同艺术的“雅”“俗”共赏一样;人们所处的社会地位、职业、文化程度等的不同对服装美的追求也是各不相同;也正是导致服装的分类、文化品味、层次定位不同的原因所在。一个企业的经营核心首要问题就是服装定位的选择问题。企业的经营就是要有针对性、相应性和适应性。围绕定位产品制成相应的营销生产计划和策略使定位产品立足市场面向消费者的选择,不断调查研究时刻了解掌握销售产品的营销状态,建立踏实稳定的消费网络。从服装的另一角度来说:“物竞天择、适者生存”经济市场的竞争意味着谁能追求完善的营销利润和销售环境的社会性的“顺应”或“适应”,谁就会在经济的浪潮中站稳根基获取利润,否则,就会被社会经济市场所淘汰。
在社会上经常会有这种状况出现:设计者走出校门迈向社会时会被许多问题所困惑。例如当设计者以流行趋势为主题,按照设计、创新意图,设计制作出一件漂亮的款式时装时,无论是同行专业人士还是上司都认为其出手不凡并表示赞同,然而市场试销的结果却出乎意料的不尽人意,销售状况更是苦不堪言。这也许是大多数设计师刚出道时都会碰到的特殊困难之一。实际上设计者的作品本身是没有问题的而是设计者的理解和方向性出了问题。他们忽略了这个至关重要的情况:对于一款高品质、高品味、富有美感的时装作品能够认同接受的只限一部分具备同样素质和同样层次的人们、而不是大多数人。这个问题不仅仅是设计水平的问题,也牵扯到所从事的企业管理目标和营销的产品定位的工作方针策略问题。定位产品若是高档、品味讲究的牌子、经营策略是以少胜多的精品、独具匠心的设计方式,当然无可非议;若是产品定位以中低档为方向,面向市场大多数消费者,以多销多利为目的,当然注定失败。
这事例充分体现了市场的适销对路和设计师的思维方式、选择定位能力问题。所以培养教育学生,研究市场、了解消费者心理是教育引导学生进入社会市场经济的一个前提。
二、教学方面的应用以前,人们常常认为学校教育只重视教学过程;而工厂企业却只看中结果,两者之间有着这一微妙的差别。然而其目的却都是相同的,都是以作出好的服装为目的。现在随着经济的发展变化,这一差别已开始逐渐缩小。学校教育也在职业技术教育中逐步实现设计与实践相结合,使培养出的学生更贴近、融入市场经济潮流。职业教育在教学上首先要求教学方式把对动手能力的培养深入到课堂,如学生入学后的最初学习就是进行基础训练。一方面从美术、绘画及艺术素质入手;另一方面就要进行服装工艺的基础训练,双向进行教育培养学生的基本功。当学生掌握了一定的基础知识后就开始进行设计与实际动手相结合的训练过程。学生的设计图定稿后,教师就要带领并指导学生自行把设计图的作品打出纸样,制板后经过反复修改、校正、制图完成,再裁出实样并选择适合的面料进行排料剪裁,最后教师与学生一起边讲边学边动手把服装制作完工。
这样的训练方式过程会使学生自始至终体会深刻,有助于学生亲身体会到所学的知识理论将如何应用于实践,如何在实际操作过程中把图纸、面料、工艺相互协调一致,顺利完成服装作品的工作。在实践过程中可以增加学生的应变能力和想象力,会使学生懂得工艺技术上的灵活运用,触发设计上的新思路,更好地发挥设计与思维的想象力,使自己的作品更加丰富多彩。在服装教育上还应该注意培养学生的分析市场的能力和观察力,使学生了解自己的设计特点、自己的风格与目标,针对自己的格调有倾向性的学习和训练。在教育过程中使学生识别和区分成衣与创意时装的意识观念,使他们更好地选择自己的设计方位与目标,清楚地知道自己将来要走的路,也就是主动适应市场经济,针对自己所学专业设置的特殊性,掌握服装设计的艺术性与服装技术的实践性,为今后企业选聘人才和学生面向社会、应聘工作单位创造前提条件打下坚实的基础。
三、工业技术方面的应用服装产业的形式特征:一方面是来料加工或是边做来料加工边做自行设计的内销生产线自产自销。这两种形式都需要高水平的生产管理,高质量的生产流水线设备,需要具备成批生产的技术能力和标准化严格化的生产技术管理。人才的需求理应为高水平的打板师与工艺师,当然最好是既懂设计又懂技术的设计技术人才。另一方面就是随着经济市场的发展变化应运而生的名牌店、专卖店,还有由设计师自己命名设计、自行管理的企业营销单位。这些商家企业突出的是自己的有特色的设计产品,他们需求人才的标准当然是具有独特设计能力、又有较强的经济市场信息,以顺应市场促进营销为主要目标。
实现这一目标根本问题就是设计师的能力问题,这就要求设计师对市场需求、消费者心理有更深入了解,知道顾客的所求所需。还有对面料、款式、色彩的流行和运用有一个十分清楚的印象和了解。当今服装的流行不仅仅是款式的流行还有面料、色彩、工艺、服饰等等附带条件的流行趋势,这就要求设计师们对市场有敏锐的观察力和服装各方面知识的技能和经验。而这些在职业技术教育的教学过程中都是必须的教育实践。在学校,学生的各方面知识技能都能够得到良好的教育和培养,他们具备美术、绘画、艺术范畴与人体知识有关课程的多方面知识和素质的培养,更加具备服装工艺制作及生产技术的实践基础训练过程的体验。而这些教育课程的目的就是围绕着把服装的审美性、趣味性及艺术性更好地同服装的实用性、社会性、市场经济适应性有机相结合,使服装的人才培养与当今经济发展对人才的需求相一致,推动服装业的更大发展,提高服装行业的设计生产技术管理的高素质、高水平,促进经济效益的提高,为服装业的发展注入新的新生力量和活力。
铜山县职业教育中心
2005年6月20日
篇2:谈服装艺术性与实用性的结合应用
关键词:园林景观,植物配置
建设良好的园林景观可以说是改善生态环境的主要途径之一, 植物的配置更是建设园林景观的重中之重。园林景观就是由植物构建起来的, 植物的功能十分强大, 它可以美化周边的环境, 为人们制造新鲜空气, 提供绿荫, 还能够降低噪音, 防止水土流失, 在面对一些自然灾害时, 可以起到一定的保护作用。在建设园林景观时, 合理进行植物配置, 可以提升园林景观的科学性、整体性、艺术性。但是, 在日常工作中, 植物配置仍然存在着艺术性与实用性无法合理兼顾的问题。
1 植物配置需要体现艺术性, 遵循美学原理
在人们游赏园林景观时, 除了呼吸新鲜空气, 人们更会对园林景观进行欣赏评论, 每个人的审美都是不一样的。为了满足人的审美需求, 在进行植物配置时必须体现出它的艺术审美价值, 这就是植物配置要遵循多样统一、协调对比的艺术原则, 也就是植物配置的艺术性。
在植物配置时需要做到布局合理、疏密有致, 利用各种园林建筑如桥、山石、小品等, 让植物在色彩、形态、明暗等各方面有着多样化的对比, 相互烘托出协调的艺术表现。在表现艺术性时, 还需要注意植物自身的文化与环境的融合, 如熟知的“岁寒三友”———松、竹、梅, 经常会被运用到一些文人雅士的私家园林中。
园林植物景观设计的一个重要目的, 就是要满足人们的审美要求。因为美是园林景观所追求的目的之一, 所以对于完美的园林景观来说, 必须要有科学性和艺术性这2方面的统一, 不仅仅要满足植物和环境在生态适应性上达到统一, 还需要通过艺术构图的原理来表现出植物个体以及群体的形式美, 体现出人们在欣赏园林景观时所产生的意境美。设计者可以从视觉的角度出发, 将一些植物特有的观赏性色彩以及形状运用到艺术手法中来进行景观的创造。但是更要注意的是园林景观细节的色彩和形状的搭配, 需要从色彩美和形式美这2方面加以注意。
为了体现园林景观的艺术性, 在进行植物配置时, 要遵循美学原理, 美学原理分为2大类:色彩美原理和形式美原理。
园林景观要先通过色彩美来引起人的注意, 然后再展现出形体、香味和听觉。园林景观中的色彩一般以绿色为主, 用其它色彩的花、叶、果实进行搭配。用人眼可以分辨的色彩能够分成2大类:有彩色和无彩色, 红色、黄色、绿色、蓝色等系列的颜色都是有彩色, 而无彩色是黑色、白色、灰色这样的系列。另外, 色彩具有色相、明度和饱和度3种属性, 而红、黄、蓝就是三原色, 在这3种颜色中两两等量的混合就是3个补色, 橙、绿、紫又被叫做二次色, 将二次色再次进行相互混合就会变为三次色, 也就是橙红、橙黄、黄绿、蓝绿、蓝紫以及紫红。只要是有着一样的基础色彩就可以取得比较调和的效果, 比如说红色和蓝色之间的紫、红紫、蓝紫可以和红、蓝2个颜色相互进行组合, 二次色与三次岁的混合层次越多, 就越能呈现出高雅、稳重的感觉。白色在所有的色彩中是明度最高的色彩, 而黑色的明度则是最低的, 从白到黑, 明度能够由高到低的顺序构成明暗色阶。饱和度就是某一种色彩本身的浓淡或者是深浅的程度, 艳丽的色彩色系饱和度高, 明度也高。
色彩具有情绪效应, 每种色彩的搭配使用在人的心中会产生不一样的情感, 一个空间所呈现的立体感、大小比例以及各种细节等等, 都能够因为色彩的不同运用表现得明朗或者是模糊, 所以正确地理解和掌握色彩的情感, 并且将其运用到园林景观的设计中是十分重要的。在进行植物配置时, 巧妙运用色彩的情绪效应能够更好地体现园林景观的艺术性。一些比较鲜艳的颜色, 例如红、橙、黄能够给人一种膨胀、扩展的感觉, 具有较高的诱目性, 更容易引起人的注意, 但是把红和绿放在一起时虽然非常抢眼, 但是不能辨明, 使得色彩的明视性较低。
园林景观是由植物景观素材的特性以及其与周围环境综合构成的, 在这之中, 植物的景观素材主要是由色彩、体形以及质地构成, 这些构成的要素都存在着大或小、轻或重, 还有深或浅的差别, 在建设园林景观时, 要遵循造景艺术的基本规律, 那就是对比调和、稳定均匀、比例尺度、节奏韵律以及变化统一。在植物配置的过程中, 需要对植物进行各种对比, 如:体量、方向、色彩、虚实、空间和质地, 通过植物间的差异和变化产生对比的效果, 能让人感受到兴奋、热烈和奔放;倘若在进行植物配置时, 找出它们的相似之处或是一致的地方, 能够体现出调和的原则, 将这样的植物配置在一起可以产生协调感。在设计园林景观时, 要将植物按照均衡原则来进行配置, 让园林景观变得稳定, 这样能够达到整体的均衡美感。
在营造优美的园林景观过程中, 不仅要涉及到植物自身的观赏性以及植物的大小、形状、质感和色彩等一些美学特征的艺术组合, 还涉及到了植物群落理论和植物对于立地环境条件的要求。中国园林的基本体系就是大自然, 在营造园林时所遵循的原则就是“师法自然”, 在现代园林的植物配置过程中, 设计者应该对植物有着充分了解以及运用, 按照自己设计理念将植物组合在一起, 各种植物的不同配置和组合能够形成千变万化的景境, 更能够给人丰富多彩的艺术感受。植物配置的艺术效果不仅仅是多方面的, 更是复杂的, 要想发挥出园林景观中植物配置的艺术效果, 除了要考虑到美学构图的原则以外, 还要了解到园林植物是一种具有生命的有机体, 它有自己的生长发育规律以及不同的生态习性。
2 关于实用性
实用性就是在进行园林景观的建设时, 需要遵循以人为本的原则, 它需要与绿地功能要求相适应, 体现人与自然和谐相处。为了实现绿地的多种功能服务, 在植物配置时必须要精心地选择、设计和营造, 在体现出植物的多样性时, 必须服从以及适应绿地的功能要求, 在园林景观中想要实现植物多样性的最佳方法就是进行多种植物复层结构的群落式种植, 但是, 倘若植物群落将绿地全部占据的话, 园林景观就会因为缺乏空间的变化变得太过单调, 绿地的其他功能, 如文化娱乐、大型集体活动等将很难实现, 所以在进行植物配置时, 应当以发挥出绿地的功能效益为主, 进行科学的设计, 合理布局绿化种植。
中国传统文化以及一些其它的园林艺术一直强调着重要的观念, 那就是不能满足于纯粹的自然环境或者人工建造物, 而要创造两者相结合的艺术形象。进行植物配置时, 需要处理人与自然的关系, 应当尊重自然, 发挥人的主观能动性, 必须考虑到人与自然的接触和交流, 在布局时尽量自然、不规则。许多人多喜欢在草坪上进行活动和休息, 所以, 在植物配置时, 要选择抗性强的草种, 考虑到人们可以方便进入草坪、融入自然, 不能用绿篱将草坪和道路分隔开来。
如今的植物配置在这方面还存在许多问题, 如缺少草地, 一片区域内大面积并密集地栽植地被, 让人们缺少游玩和休息的场地;有的人喜欢玩水, 但是因为水景周围密集地灌木丛而受到限制;在广场、游玩休息的那些人流集中的地方, 不适宜种夹竹桃以及一些带刺的植物如玫瑰等, 我们可以适当加种一些观果植物、药用植物, 能够增加趣味性, 在木架上种植一些攀援类的植物能够有遮荫的效果。
实用性除了包括以人为本的原则, 还包括了经济性原则。寿命较长、生长速度中等、耐粗放耐修建的植物可以帮助减少资金以及管理的费用, 在进行植物配置时, 坚持节约和可持续发展的原则, 植物种植的密度要恰当合理。在种植建筑边沿的植物丛落时, 需要了解植物经过几年后的生长是否会遮挡视线和光线, 会不会因为过密导致通风受到阻碍, 在种植时更要留出足够的空间让植物生长, 植物的株间距要适当, 尽量多用中等规格的全冠苗木, 少用只有树干没有冠幅的大规格苗木。
3 结语
植物的配置造就了园林景观, 由此可见植物配置的重要性。为了建设更好的园林景观, 在进行植物配置时, 应当体现出它的艺术性以及实用性, 遵循美学原理, 遵循以人为本和经济性的原则。无论是艺术性还是实用性, 对于园林景观都非常的重要, 必须经过透彻的理解, 才能用适当合理的方法将它们完全体现出来。如今, 社会发展的速度越来越快, 改善生态环境更是发展社会必不可少的一个重要环节, 改善生态环境的重点就是建设园林景观, 环环相扣, 这也就意味着植物配置的重要性。
参考文献
篇3:实用功能与审美艺术的完美结合
关键词:北京外国语大学;新图书馆;时代特点;多元文化;审美艺术
随着社会进步和图书馆事业发展,图书馆建筑设计人性化理念与服务功能多元化特点愈加突出,而充分展示图书馆建筑设计的文化理念及艺术追求也是现代化图书馆建筑文化的重要组成部分。一座内秀外美的图书馆往往在满足各种使用功能的同时,还能体现其文化审美价值,给人以知识启迪、思想碰撞和美感享受。纵观古今中外,让人记忆深刻的图书馆莫不如此。
北京外国语大学新图书馆经过3年建设,在全校师生的期盼中于2013年6月正式开馆。新图书馆是一座颇具现代建筑特点、饱含浓厚学术氛围和较高艺术品位的图书馆。其建筑风格简洁大方、朴实高雅,整体布局精巧而不奢华、开放而不张扬;舒适的阅读环境及现代化的配套设备均得到国内外读者及国际友人的一致好评。葡萄牙总统与夫人2014年5月16日到访北京外国语大学,特意选择在新图书馆发表演讲。伊朗、俄罗斯等国家领导人到北外来访也均到图书馆参观。国内报纸及网络等诸家知名媒体也曾报道过北外新馆,如新京报称“北外图书馆成为独具特色的图书馆”[1]。新馆国际化的建筑风格、多元文化的艺术展示、紧凑和谐的藏书布局和高端智能的设备设施等, 不仅展现了现代化图书馆的时代特点,还折射出丰富的文化内涵和独有的审美风貌,更彰显出北京外国语大学“外语、特色、精品”的办学理念和图书馆馆藏特色。如今,新馆已经成为北京外国语大学校园内的标志性建筑。
一、新老建筑浑然一体,时代特点突出
新馆是在旧馆基础上采取“上天入地”“长高长胖”模式改扩建而成的。新馆保留了旧馆梁、柱、框架结构,突出了建筑的框架构成感,在旧馆的框架中嵌入新的设计改造,使新旧图书馆非常自然地融为一体,既有实用、多元、舒适的鲜明时代特征,又创造了艺术性的知识殿堂。
新馆建筑面积24000余平方米,地上六层,地下一层,容纳藏书130余万册,内设阅览座位2400余席。按照现代图书馆建筑空间的功能特性,新馆分为藏书空间、阅读学习空间、信息共享空间、多媒体空间和学术交流空间等。各种自助服务设备、网络电子设备以及楼宇智能化控制管理设备等一应俱全。读者、书刊流动路线做到经纬分明。新馆采取一门式大开间藏阅合一管理模式,整体布局人书比邻,室内空间得到充分利用,完全满足了现代化图书馆实用紧凑、多元灵活、温馨舒适的特性要求。
大学图书馆是校园的资源文化中心,也是全校师生从事学习研究、进行文化交流的重要场所。新馆学习环境优雅舒适,阅览座位充足,读者无抢占座位之烦恼,无论何时到图书馆学习都能找到属于自己的一席之地。新馆休闲区配有大量的单、双、三人沙发,读者学习疲劳时可以稍事休息,在收获知识的同时还能感受知识殿堂提供的美好环境;读者也可以在此相互交流,在思想碰撞中寻找灵感,激发创造力。
二、多元文化与审美艺术的交融
一个理想的图书馆不仅能够满足各项实用功能需求,具有时代特色,还要有吸引读者的外观、丰富的文化内涵和独特的审美价值。只有内容与形式完美统一的图书馆才能给世人留下深刻的记忆。如埃及亚历山大图书馆外围的文化墙,镌刻了世界各种文化的文字符号,这些文字符号凸显了文明蕴藏和文化氛围的构思与创意。美国纽约皇后图书馆法拉盛分馆门前的花岗岩台阶上,用不同的文字刻着各个民族具有代表性的文学作品题名,以此象征人们对知识的追求。
北京外国语大学开设有65种外语课程,目前是国内开设外语语种最多的高校。设计师围绕着本校多语言特色,将55种语言的“图书馆”一词汇集起来,进行艺术加工,形成极具装饰效果的字幕墙[2],矗立在图书馆正面的玻璃墙外。多语言字幕装饰墙呈L型分布在新馆大门口东西两侧,大门西侧的多语言字幕装饰墙高26米,宽6米;大门东侧外文字幕墙长40米,高6米,其中中文“图书馆”三个字镌刻在字幕墙中间。多语言字幕装饰墙采用灰色大理石材料,镂空后制作成大小高矮不同形体的55种语言“图书馆”词汇,并按照形式美的规律艺术地把它们组合起来,形成展示多语言文化的极其壮观、富有解释力的装饰墙,给人一种大气典雅朴素之感。多语言字幕墙彰显了北京外国语大学建设国际化、多元化、特色化的高水平大学的目标,展现了新馆建筑的艺术性和文化内涵。
北外新馆艺术性的设计风格,不仅能够给人们带来感官愉悦体验,还能够打破空间界限,拉近国家与国家、人与人之间的距离。许多来自不同国家的学者与友人造访北京外国语大学,路过图书馆门口时都会驻足观看;当他们在字幕墙上看到自己国家语言的“图书馆”一词时,都会倍感亲切、激动不已。这就是梁思成先生所说的“建筑意”[3],当人的感情和建筑形象相互交融的时候,引起审美者特异的感觉,从而产生强烈的美感。
这些多语言字幕背景就像主旋律,出现在图书馆各个地方。图书馆一层大厅出入口处有机玻璃屏风上不同语言的文字,晶莹剔透中蕴含着文化韵味。一层大厅总服务台后面的墙壁上,用金属材料镂空制作成多语言文字的“图书馆”装饰墙,既有现代情趣又引人注目。图书馆中央天井顶部的玻璃顶上也布满了不同语言的文字,在阳光照射下,各种语言文字地上地下遥相呼应,读者仿佛置身于多元文化的海洋。这种多元文化与艺术性和谐统一的设计方式,突出了北外新馆现代服务理念与审美艺术有机结合的独特风格。
三、新颖的艺术创意饱含深刻的文化寓意
建筑设计的艺术创意除应使人感官愉悦外,更重要的是恰如其分地展现建筑本身的文化观念。只有造型美观与内在意境完美结合,才能更好地激发人们的想象力,才能产生艺术美感和文化内涵。新馆一层入口的“九宫格”设计,过滤了室外的嘈杂,带来室内的静谧。步入新馆一层宽敞大厅,首先映入眼帘的是“书山”,这在视觉上极具冲击力,给人一种大气磅礴的审美效果。站在一层大厅向上仰望,“书山有路勤为径”的文化内涵立刻浮现脑海,莘莘学子勇攀知识高峰的画面展现眼前。“书山”实为中央步行梯,呈南北方向。但设计师把步行梯、书架和楼层中间通道艺术地结合在一起,做到一物多用,实用与美观相结合。每层步行梯的东侧外立面墙上都设计有嵌入式书架,这些四层高的书架贯穿东侧外立面墙的南北。这里摆放了数量可观的大套工具书,不同楼层摆放不同语种的工具书。每层上下楼梯之间横亘了一条南北向的楼层中间通道。通道西侧设计了一排座位,读者既可坐下随手翻阅东侧墙面书架上的工具书以寻找需要的答案,也可由通道横穿楼层南北,还可沿步行楼梯继续上行。“书山”的造型与图书馆室内环境相得益彰,艺术境界更加广阔深远,它不仅给室内环境增添了活力,还让读者感受到文化知识的渊博和勇于攀登知识高峰的决心。
四、细节设计与整体环境的有机搭配
室内环境设计是建筑的重要组成部分。通过不同设计元素营造室内氛围,既能满足读者阅览、学习的实际需求,也能为读者提供精彩纷呈的精神享受,从而激发读者的阅读兴趣和思维活力。北外新馆的室内装修色彩、家具、灯具等都极具个性,营造出了新颖的风貌和强烈的时代感,既舒适又有文化气息。
新馆整体色调采取现代简约风格,以黄色和灰色为主,这种风格简单朴实又大气典雅,呈现出统一和谐的美感。新馆外墙颜色为灰色墙面,金属质地的黄色格栅;室内墙面也是由灰色和黄色组成:灰色为防水的水泥,黄色为木质的材料。阅览桌为黄色,书架为灰色,地面为黄色大理石与灰色地板相间。整个室内空间没有繁杂的色彩装饰,灰色和黄色的搭配使整个空间更加宽敞明亮。
新馆的阅览桌样式也很别致,目前在国内还是独此一家。它的设计很人性化,既顾及读者的私密性,又考虑到环保节能。新馆阅览区和自习区的顶部没有设计照明顶灯,照明灯是通过桌面灯反射到空间白色顶部来发挥照明作用的。新馆阅览桌中间挡板呈T字形,且全部带有两套LED灯, T字挡板上面的LED灯用来直接照明,顶面成为漫反射的载体,照明灯光反射在白色的墙顶上,光线显得很安静温柔。LED照明灯开关纳入图书馆智能控制系统。T字挡板下面两侧的LED灯面向读者,开关与插座分布在阅览桌两侧由读者控制,极大地方便了读者。
根据室内环境和空间不同,新馆的灯具也呈多种多样。灯具类型不同,色彩光源各异,灯具的变化和光影艺术满足了各个空间照明的需要以及读者实用与精神的需要[4]。一层空间较高,报刊阅览区顶部有照明管灯,报刊阅览桌上还摆放了现代简约式的带罩台灯。晚上台灯打开,远远望去,就像一朵彩云照着打开的书本。大厅与服务台全部为射灯,五、六层楼板挑空的地方悬挂了欧式吊灯。富于变化的灯光营造了舒适清雅的学习氛围,让读者感觉更温馨更惬意。
五、结语
北京外国语大学新图书馆不仅具有传承文化、传播知识、社会服务等功能,其建筑自身亦是蕴含着丰富文化观念的审美产品。读者在北外新馆学习、研讨,不仅能够感受到以人为本的服务理念,还能体会到中西贯通、勇攀高峰的教育理念。北外新馆的建成,不仅改善了办学条件,为北外师生提供了一个充满文化气息的学习环境,也是国际学术交流、文化交流的重要场所。新馆既展现了图书馆厚重的历史文化风采,又体现了现代化图书馆的时代特点,还展示了高雅大气的文化艺术品位,它已经成为北外校园极具特色的地标性建筑。
参考文献:
[1]北外图书馆“讲”50种外语[N].新京报,2012-12-4 (A25)北京新闻
[2]北外图书馆“讲”50种外语[N].新京报,2012-12-4 (A25)北京新闻
[3]梁思成,林徽因.平交建筑杂录[M],梁思成文集(一),北京:中国建筑工业出版社,1982.
[4]刘彦君.室内设计元素对丰富建筑内部的影响.[J].长沙铁道学院学报(社会科学版).2010:214-216.
作者简介:
篇4:谈服装艺术性与实用性的结合应用
“屏风”,顾名思义,就是用来挡风的器物。中国古代建筑大多是土木结构,封闭不是很严,为了挡风,古人设计出了屏风这种器物。屏风之名在汉代已被广泛使用,而屏风的使用则要上到西周乃至更早。战国时期,屏风的制作已有很高的工艺水平。汉代时,屏风的使用日趋普遍,有钱有地位的人家都设有屏风。魏晋至隋唐时期,屏风的使用较前代更加普遍,不但居室陈设屏风,就连日常使用的茵席、床塌边侧都陈设一种小型屏风,屏风的形制也开始向高大和装饰性方向发展。到了明清时期,屏风由原来的实用品演进为实用性与装饰性相结合的工艺品,成为居室里不可缺少的具有观赏性的陈设家具。
屏风的种类大体可分两类:座屏和曲屏。座屏即带底座的屏风,有多扇组合与独扇插屏。曲屏由多扇组成,一般为双数,四、六、八扇不等,属活动性家具,每扇之间或装销钩,或裱绫绢,用时打开,不用时可以折叠收贮起来。其突出特点是装饰性强,且轻巧灵便。曲屏多用较轻的木材做边框,屏心用纸和绢裱糊,然后图画或刺绣各种山水风景、花卉翎毛及各种人物故事,装饰手法多样,还有的在屏心装裱名人书法或诗赋,便于随时品位和欣赏,深受文人喜爱。
清代康、雍、乾三朝,是我国封建社会经济高度发达时期,经济的繁荣对社会生活的方方面面都产生了重要影响,家具制作臻于成熟的顶峰时期,尤其是皇家制作更是不惜工本,要求质料考究,构图巧妙,风格典雅,寓意吉祥。用料多为各种名贵木材、象牙玉石、翠羽缂丝等,构图多以当时名家画作为蓝本,有的还须皇帝审阅后方可制作,更多地融入了帝王的审美情趣和治政思想。避暑山庄是清代的夏宫,殿堂陈设和收藏着许多精美的屏风,彰显着皇家的气派和威严,是实用与装饰艺术的完美结合,体现了清代屏风制作的最高水平。
一、清黑漆点翠花卉图嵌玻璃炕屏(图1):
此屏风现陈设于避暑山庄四知书屋西间,按满族习惯陈设于炕上,故称炕屏。属曲屏形制,12扇,通高145、5厘米,每扇宽30、2厘米。黑漆边框,嵌银丝装饰卷草纹,上楣板和下裙板金漆彩绘折枝花、蝙蝠图案,屏心在黑漆地上以点翠技法装饰十二种花卉图。首扇引首处金漆隶书“御制金廷标秋英十二种”,每扇均有乾隆题咏的七言诗一首,尾扇落款“臣刘墉敬书”。每扇屏心均镶有透明玻璃罩。此十二扇围屏体现了清宫廷屏风制作的综合水平,是诗书画艺的完美结合:即乾隆御题诗、刘墉书法、金廷标绘画、点翠嵌玻璃工艺。金廷标:浙江湖州人,善绘人物仕女及花卉,白描尤工,乾隆二十五年入内廷供奉,所绘写意秋果及人物,皆得乾隆帝题咏。此秋英十二种以工笔写实的手法描绘了秋季盛开的十二种花卉,依次为:文殊兰、老少年、鸡冠、玉簪、秋海棠、万寿菊、秋葵、蓝菊、金钱、蓝雀、山丹、僧鞋。花卉枝繁叶茂,摇曳多姿,虽为秋英,却表现出旺盛的生命力。加上乾隆皇帝精彩的题咏诗,大学士刘墉的金漆隶书,更是相得益彰。如题玉簪中写道:“叶态花姿受露多,墙阴砌角自婆娑。如云鬓发便宜绾,不藉玉人费琢磨。”如今,在陈设着围屏的四知书屋前,仍种植着玉簪花,每到夏末秋初玉簪花盛开之时,洁白的花朵如贵妇头绾的玉簪,吸引着无数游客驻足观看或合影留念。运用点翠工艺把翠鸟的羽毛依画样贴附在地子上,形成完整的画面,而更富立体感,色彩更艳丽天然,永不退色。每扇屏心用透明玻璃嵌在框内,起到了防尘防蛀的作用,又增加了亮感,二百多年来色彩仍艳丽如新,体现了工匠高超的制作工艺。
二、紫檀“耕织图”围屏(图2):
此围屏为座屏形制,五扇。通高307厘米,底座430×47.5厘米。通体为紫檀木制作,中扇稍高,两侧递减。屏帽高浮雕佛手,寓意“福”。上楣板浮雕云蝠纹,下楣板浮雕海水江崖,两边扇站牙亦雕佛手。束腰底座宽厚,用料颇大,雕仰覆莲瓣纹、回纹、夔龙纹和如意纹。屏心为双面做,正面浮雕耕织图,背面浅刻填金耕织图。整幅耕织图表现的是农民耕种和纺织的生产过程,刻画了163个不同人物,栩栩如生,姿态各异,体现了清代帝王对农业的重视。此件围屏用料大、雕工精,显得气势浑厚,现陈设于避暑山庄淡泊敬诚殿正殿明间,为清帝驻跸山庄期间临朝听政之所,配置了紫檀宝座、足踏、宫扇、香薰、围栏地坪,营造了一种皇权至高无上的氛围。
三、紫檀“西园雅集”图围屏:
通高275厘米、底座326×46厘米。屏风为三扇,紫檀木制作,屏风帽浮雕夔龙纹,边扇两侧以站牙和倒挂牙子抵夹,均浮雕夔龙纹,既美观又起到了承托和加固作用。底座束腰,浮雕莲瓣纹、如意纹。屏框为起阳线双边框,屏心以酱色漆地为衬,紫檀木雕“西园雅集”图,屏背浅刻填色团花图案。“西园雅集”图是北宋著名画家李公麟所绘,描绘的是苏东坡、黄庭坚、米芾、秦少游等十八位学士到驸马王铣家花园聚会的情景,作为文人风雅生活的题材屡为后人描绘。此幅屏风雕刻了松、竹、梅、亭阁楼台、小桥流水、27个神态各异的人物或吟诗论画,或凝神对弈,或弹琴吹笛,体现了文人学士悠闲风雅的生活情趣。
篇5:谈服装艺术性与实用性的结合应用
Through the analysis of the practical and aesthetic, the combination of practical and aesthetic can make products produced larger additional value. And through this view -- lacquer to demonstrate products specific. Paint technology products has a long history, is a practical and aesthetic perfect combination, inheritance and development of good or the world history and culture. So the lacquer craft and product design with and further development, will create more value.
1、实用和审美的完美结合
远古时代,人类的生存环境是极为严酷的,人们不但受到洪水、严寒等自然灾害的威胁,还常常遭到野兽的袭击。因此, 人类的设计就是在满足生存最基本需求的工具的基础上发展起来的。实用是产品首先应该满足的,在满足了实用这一前提条件下人们开始考虑产品的审美。
审美作为一种主体对客体的反映形式,它是文化的产物, 是人类自我意识和自我实现的情感表现。随着物质生活的不断提高,人类的精神文化也在朝着多元化的方向发展。产品设计在审美价值的提高上应该多下功夫。要想提高产品的审美价值,首先应该知道产品的美从何来。产品的审美形式,包括艺术美、形式美、功能美。
艺术美是指产品的审美表面装饰所产生的一种美的效果。例如:漆器的表面装饰纹样,表面颜色的搭配以及刷漆产生的特殊效果,给人们一种赏心悦目的感觉。
形式美,也有表面装饰的成分,但是更多的是以功能为依据,体现现代的科技水平。
功能美,现代产品已经很完备了。尤其是在电子产品的设计上表现得比较突出,例如:手机,一款手机可同时具有拍照功能、上网功能、录音功能、录像功能等多项功能,随着3G时代的到来,手机的智能化功能更加强大。一款手机相当于一款小型电脑,电脑一般能做到的,通过手机都可以完成。
漆器产品既满足了实用功能又具有一定的审美价值。是实用与审美结合的产物。无论古代还是现代漆器产品在这两方面都做得很到位。下面就古代漆器产品和现代漆器产品这两个方面来阐述上述观点。
1.1古代漆器产品
古代漆器比较有代表性的是中国的漆器产品。
中国漆器工艺是古老华夏文化宝库中一颗璀璨夺目的明珠。所谓漆器,就是用漆涂在各种器物的表面上所制成的日常器具及工艺品。漆器的主要特点是可以抛光到可与瓷器媲美。漆层在潮湿条件下干燥,固化后非常坚硬,有耐酸、耐碱、耐磨的特性。像陶瓷、丝绸一样,中国漆器是民族文化的瑰宝。
漆器的历史悠久,早在新石器时代晚期已见使用,汉代的漆器在技艺上达到了顶峰,并在汉代以后随着瓷器进入人们的生活,漆器作为实用品退出历史舞台,完全进入了艺术的世界。
中国古代的漆器产品在实用和审美上已经有了完美的结合。战国时期楚国的重要乐器,具有很好的审美价值。无论从它的整体结构还是在图案纹样的设计上都让人在感官上十分享受。它是一件虎座鸟架鼓,这件作品上半部分是两只凤架着一面鼓表现的是崇尚凤,含有吉祥的寓意,凤的脚下分别踩着一只虎表现了征服野兽,不畏强暴。
到了汉代,漆器的制作,体现了卓越的设计思想。它从实用出发,考虑到使用方便、放置的容积以及图案多样化的统一, 富于装饰性。汉代漆器的设计已经有了系列化的概念,如食器、酒器等,很多都是成套设计的。
右面这套漆奁分为上下两层,下层有凹槽九个,分别放置圆形、椭圆形、马蹄形和矩形小盒九个,小盒内分别盛放梳妆用具和胭脂一类化妆品。在装饰上则是考虑整体效果。汉代漆器是实用和美观的典范,对我们的设计有很大启发。
1.2现代漆器工艺产品
现代社会,漆器工艺产品在日本有了很好的发展。在日本各大商场中成套的漆器名目繁多、品种齐全、档次各异。每种器皿都有各自的分工,不仅有专门喝汤、盛蔬菜的碗碟、放生鱼片的用具,而且在各种节日中还要用不同的器皿以配合不同的习俗。漆器在现代社会有了很大的发展,随着人们审美的提高,漆器在家庭日用品种的应用更加广泛。
漆器绿色环保而且颜色鲜艳有一定的审美价值,能够迎合现代人的日用味。所以在日本漆器产品非常受男女老幼的欢迎。正月初一,按照传统习俗,要用漆酒壶在漆酒杯中倒满屠苏酒,一家人不分男女按年龄顺序从最年幼到最年长者,轮流喝上一口。另外还有茶道中的茶筒、茶托和甜点碟子等以及世界各地的和式餐馆中的餐具的运用。漆制的膳具比比皆是。日本的漆艺家们还开发了漆制啤酒杯、葡萄酒杯、咖啡具等许多现代生活器皿。
从漆器的审美价值出发,它发挥了更大的价值,可以作为礼品互相赠送。例如作为国际关系的桥梁,同时也是一种文化的交流。上图是1984年12月,苏联部长会议第一副主席伊万·瓦西里耶维奇·阿尔希波夫赠送李先念同志的金漆彩绘餐具。
制作这些漆器所使用的漆是一种天然漆,俗称“大漆”。大漆绿色环保,无污染,被广泛应用在漆碗等用来装食物的器皿制作上。“大漆”为一种天然树脂涂料,是割开漆树树皮,从韧皮内流出的一种白色粘性乳液,经加工而制成的涂料,是纯天然的。漆的历史可以追溯到公元前七千年,据历史记载“漆之为用也,始于书竹简,而舜做食器,漆之黑,禹做祭器,黑漆其外, 朱画其内。”绿色环保是这个经济高度发展的社会所迫切需要的,北京奥运会一绿色为主题,提倡绿色,可见人们是多么的重视绿色环保。所以漆器工艺的产品在未来的产品设计中会有很好的发展前景。
2、漆器工艺在现代产品设计中的应用
漆器是中华民族文化的一个缩影,经济全球化大发展的今天,我们怎么才能在产品的设计上做到个性与共性的统一,并且在设计中保持自己的优势。那么我们就应该多重视传统工艺的发展。
漆器工艺应用在产品设计中使得产品具有以下几个优势:
产品成为文化的信息载体,具有了文化内涵和文化感染力。2、使产品更具个性即具有民族特色和民族风格。3、由于借助于文化的影晌产品的知名度会得到迅速提高。4、借助于文化优势促进产品的持久销售扩大产品的市场占有率。5、由于文化信息的载入增加了产品的附加值。
漆工艺也融入了现代元素,如漆艺与其他材质的结合等,从作品中就能看出作者制作工艺的风格和创造力,它也是人与物能合二为一的体现,使传统漆工艺为现代人们所欣赏和追求。
“葫芦漆器”主要以天然材质的葫芦与中国传统大漆工艺结合创作而成。分为三个系列,分别是茶器、香器和文房器。“葫芦漆器”从三个文化方向探究中国传统文化、现代产品设计和中国传统工艺间的相互关系,通过碰撞、融合、再创造,去探索中国传统文化与现代艺术设计的传承与发展之路,是中国传统“天人合一”精神的体现,是对中国传统文化精神解读的载体。
3、总结
产品设计是建立在设计师的审美心理和创造经验的基础之上的,因此,基于不同的民族文化,可以有多姿多彩的多元化表现形态。产品作为文化传达的一种符号,它是兼容文化、生活与意识形态的容器。漆器作为传统文化符号的代表,它的使用历史悠久,我们应该继承和发扬光大这项艺术瑰宝。它是符合时代主题的,也是能够满足人们的各项精神需求的。传统的漆艺术是有生命力的,在传统的基础上不断演化和发展。我们有责任把传统的基础工艺继承和发扬下去,用现代艺术的语言重新展开“传统与现代”、“工艺与审美”的诠释,使这项古老传统的工艺更具有表现力和艺术潜力。把实用和审美结合起来,产生更大的价值。
参考文献:
[1]何人可:《工业设计史》,北京理工大学出版社。
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[4]程能林编 工业设计概论 机械工业出版社。
[5]陆长德编著 工业设计新法 西北工业大学出版社。
篇6:谈服装艺术性与实用性的结合应用
一、促进高职艺术教育理论与实践相结合, 建立健全机制
(一) 要坚持校团双方互惠互利、合作共赢。要想合作就必须共赢, 只有使双方的利益都得到一定的保证, 才能使两者的合作更加的稳固。学校依靠着自身的人才优势帮助开办校办企业, 而校办企业要凭借自身的经济资源优势来帮助学校改善学生的学习状况和实践活动, 通过专业来带动企业发展, 通过企业发展来促进专业前进, 这就是互惠互赢的合作方式。
(二) 要抓住重点, 建立健全合作机制和模式。合作, 必须要做到相互信任, 必须要做到互惠互赢。在现代社会中, 我们不难看到许多的企业都在进行合作, 有一些企业和学校也在进行着合作, 这样就能更好的促进企业和学校共同发展和进步。高职院校和专业剧团进行合作能够使学校及时的掌握社会的需求, 而且能够为剧团培养出一些优秀的“后浪”, 使他们在剧团中更好的发展, 同时还解决了学校师资力量的问题, 专业的剧团都会有一些专业素质过硬的人才, 这样学校就可以聘请他们作为一些专业教师, 从而提高学校的师资质量。
(三) 政府要为这样的合作做好保障工作。政府就是为人民服务的, 在学校和专业剧团合作中, 政府要为两者的合作开辟出一条宽阔的道路, 以保障两者的合作能够很好地开展, 如果政府为两者的合作保驾护航, 那就为两者的合作增分不少, 同时还可以避免在两者的合作中出现一些不必要的问题。两者的可做会给当地的经济和艺术发展带来一定的帮助, 政府要真正的看到这一点, 这样才会使三者之间都取得一定的利益。
(四) 要坚持培养学生的综合职业能力。要想更好地学习一个专业就必须系统的、完整的去进行学习, 这样不仅仅让学生学习到专业知识与能力, 还使得学生对于专业相关的一些领域的东西进行了一定的了解, 从而使学生更好的适应未来社会的需求。
二、建立健全培养人才模式, 提高学生的专业以及职业能力
伴随着素质教育的提出和改革, 使人们不断地对学生与教师的关系进行正确的认识。一个真正的人才是需要各个方面的能力与知识都要有一定的认识与了解的, 所以, 在学生学习的过程中, 一定要把学生看做学习的主体, 激发学生的学习兴趣, 这样才能更好的拘谨学生专业以及职业能力的提高, 才能使学生更好的适应社会的发展。
在我国, 高职艺术教育院校尤其一定的教育模式, 对各种课程的安排也有一定的要求, 为了使学生更好的适应社会的发展, 就必须依靠学生的专业和职业要求来设置课程, 只有这样才能打破传统的教学模式带来的弊端, 才能更好的为社会输送需要的人才。
所谓没有调查就没有发言权, 高职艺术教育院校在进行教育目标的制定时, 一定要对市场进行充分的调查, 只有通过调查才能了解社会发展的动态, 才能更好的把握社会发展的方向, 才能为学生未来的就业奠定一个坚实的基础, 才能更好的对学生进行培养。
从经济学的角度来看, 我们不难发现需求是最好的导向, 没有人能够统理社会的需求导向, 而这就需要对社会进行一定的专业调查, 利用第一手数据来分析社会上对艺术的需求, 以及较为准确的预测出在未来社会, 艺术发展的主要方向和趋势, 这样在对学生进行教育时, 才能更好的确立目标, 才能抓住培养的方式和方向, 同时也为学生在未来走向工作岗位时提供一些良好的意见和建议。
由于现在社会的发展, 使得社会的现实性程度大大提高了, 这样在学校作出一些教学目标设置、教学内容设置、教学方法设置扥各方面的决定时, 首先要考虑到学生未来走向社会时的应用性程度有多高。现在, 理论已经不仅仅是学生们必须要掌握的知识了, 学生的实践知识与能力也是学生在工作中必不可少的要掌握的。
三、结语
社会在不断地发展, 在不断地前进, 社会对人才的需求也就越来越高艺术人才亦是如此。因此, 为了适应这样的发展, 对人才的培养模式也要不断地改革和完善, 这样才能使学生更好的迎接未来、迎接挑战。在这样的改革中, 高职院校的艺术教育工作者一定要更新自己的教育理念, 要紧跟时代发展的脚步, 要紧跟教育发展的规律, 积极的借鉴一些先进的理念和方法, 立足于自身的实际情况, 更好的为学生服务, 为社会服务。
摘要:随着现代科技水平的不断提高, 高职艺术教育破茧而出, 然而与高职艺术教育不可脱离的就是专业的剧团, 这主要在于高职艺术教育的目的就是表演, 因此, 本着教育与实践相结合的原则, 高职艺术教育的发展应与专业的剧团紧密联系在一起。
篇7:浅谈服装设计与艺术
【关键词】服装 艺术 时尚 商业化
一、服装与艺术互生好感
服装设计并不是展示在我们眼前的某一件衣服,而是一种过程,一种被创作的结局。设计师多年的知识全部溶解在这个创造中,因此使得设计后的衣服有了“精神”和“魅力”,好的设计为服饰增添了附加值。
我们容易把时尚潮流看作是外在的,将艺术看作是内在的,时尚与艺术是有着合集的两个不同集合,都隶属于“生活”这个巨大的容器。好比Vivienne Westwood崭露头角的那个年代,在被称为“颓废一代”的朋克青年们的世界里,紧身萝卜裤、带有金属环扣的皮夹克、爆炸头便是“时尚”的代名词。但被包裹在萝卜裤和皮夹克之下的“讨厭工作、厌倦现有社会体制”的反叛内心才是本质。在那个年代,这种本质被表现为摇滚乐等其他“不合适宜”的艺术形式。
时尚与艺术两者的源起其实有很大的重叠性,正如服装设计师胡蓉讲到“艺术是我疲惫时的一剂兴奋剂,或是一片混沌中的强大冲击力,或是嘈杂中短暂沉静的片刻享受。服装设计对于我是一份工作,它所带来的激情已经越来越少了,所以艺术就不失为我打开设计思路的一种方式。”马可的“无用”系列在巴黎时装周发布后,引发了不少关于是艺术展还是时装秀的争论,而“无用”系列的设计也与一般意义上的华丽,性感这类字眼毫无关系,业余模特的脸上的化妆也不是眼影口红或者亮片,而是如泥土般涂抹开的,充满土地气息的特殊材料。它的价值在于情感的传递和表达,在这个意义上,所谓的流行,时尚都是不重要的。无论是服装设计师还是艺术工作者,都要有自己的主观感受,然后才能去感染别人。服装设计摆脱不了物质的本性,也摆脱不了商业的影响。
二、时装是商业和艺术的结合
服装设计是商业和艺术的混血儿,设计80%倾向于商业化,是为了实际的销售,20%是为眼睛和心灵所做的,是艺术性的拓展,可能性的尝试。
艺术是不着边际,没有限制的一个东西,它可以完全表达艺术家的理念。你当然可以用艺术去包装这件产品。服装设计就是一门生意,但这丝毫不影响设计师们用艺术的手法去呈现自己的作品。设计师的设计理念,设计作品都可以用非常艺术化的形式表现出来。一个成功的设计师必定有他特有的理解,诠释和驾驭商业成分的能力。艺术素养对于设计师品牌的商业成功来说是至关重要的,但商业性毫无疑问才是服装真正的特性。
在工业技术日益发达的今天,人文艺术修养可能是设计师们相互竞争的最后一厘米,决定成败的那一击。但我们应该将艺术追求放在心中,而不能把自己当作艺术家来生活,背离了商业性的设计终究会无人问津。时尚是一种更新自我的生活方式,主导设计的基本价值观是力图在各种矛盾冲突中寻求一种相对平衡。优秀的设计师应该在坚持自我价值观的前提下,根据时间空间的变化不断自我更新,以生活为灵感不断创造出兼具艺术性和商业价值的作品。
要知道今日的国际时装节竞争何其激烈,就算评论界对你刮目相看,市场会不会为你买单还是个未知数。就拿日本的Comme Des Garcons品牌来说,无论是设计和本身还是舆论反应都是非常的正面,但在欧洲的销量却始终不能与欧洲本土品牌相比,其销售市场主要还是在日本国内,而比利时安特维普六君子又是另一个故事,他们的出现正好迎合了当时的极简潮流,加之他们卓越的哲学观和创造力,又处在欧洲这个时尚核心圈之中,得天独厚的资源加之后期成功的商业运作才造就了他们的辉煌。
所以,艺术性和商业性是成功设计必须同时具备的重要因素。就像陈逸飞,他是一个成功的商业艺术家,充分平衡了艺术与商业的关系,但在功成名就之后,他依然执著投资于各种艺术事业,甚至晚年不惜代价投入陌生的时装和电影领域等。
三、艺术在服装中的运用
艺术与时尚向来形影不离。相比其他艺术类别,绘画对设计大师们的影响更为直接。本季,不少设计师不约而同地从名画作品中汲取灵感,这些传世画作早已无可辩驳地得到世人的肯定,将其融入现代时尚中,自然能获得不同寻常的视觉效果。其实,每一幅画背后都潜藏着不同时代文化背景,以及画家不同的艺术感触。所以当这些作品被运用到设计中时,我们就能领略到设计大师们迥异的艺术选择。
《戴珍珠耳环的少女》作为与伦勃朗、梵高齐名的荷兰画家,维梅尔的画风诗意优雅,如他本人一样,保持着一丝神秘。《戴珍珠耳环的少女》是他的重要代表作,这幅画以静谧的黑色作为背景,衬托了少女欲言又止的复杂神情。得益于同名电影,该画得到了更多关注。本季LV一组礼服的颜色与质感完全来自维梅尔的绘画,渐变的色彩运用使服装看起来既复古又摩登。与画中的少女不同,LV将珍珠耳环换成了手袋,又一次把艺术和商业成功地结合在一起。HAT TRICK的帽子本季秀上通过高科技处理后具有羽毛效果的帽子,几乎是原画的再现。
《燃烧的桥岸》威廉·特纳14岁进入皇家艺术学院,是英国历史上有名的绘画天才。特纳擅长画水彩,他注重光线和色彩的运用,他的作品多表现大自然的力量,可以说是最早的印象派。他的风格不仅影响了20世纪很多画家们,也被BASSO&BROOKS结合到服装设计中,使一件本没有任何特别之处的风衣,充满了艺术气质,古典与现代结合得天衣无缝。
MARC JACOBS的演绎下的显得如此冷艳,他的T台女主角喜欢玩男女换装的游戏,这正好与那个时代极致奢靡的美女画家Tamara De Lempicka笔下的人物一一对应。电影《绿野仙踪》的人物被Heatherette的设计师运用到简单的背心连衣裙上,个性鲜明的主角本身,形象的强烈冲击力和设计师疯狂大胆的构想不谋而合。
四、总结
时尚与艺术,两者之间是完全独立又眉来眼去,忽远忽近的暧昧关系,两者之间慢慢互生好感。跨越艺术领域让人的眼光和思维打开,而并不是影响服装设计本身。
艺术与服装缠绵,艺术幻觉无处不在。
参考文献:
篇8:浅谈音乐与服装的艺术
有音乐存在的那一时刻, 就伴随有服装的动态表现。反之, 有服装动态表现的那一瞬间, 其本身就在无限地流淌着音乐。从人类创造文明开始, 二者便天真无邪地联系在了一起, 形成相互映衬、协调统一的整体, 共同追求人性的解放、文化的力量、生活的智慧, 尤其追求着自我的身心表达。
一、音乐与服装是时间的艺术
音乐是在时间流动过程中展现丰富表现力的声响艺术。其表现对象不仅包括情绪情感对象, 还包括视觉对象、思想观念、戏剧事件、生活场景和某种动植物的存在状态等。也就是说, 音乐可以表现人、事、景、物等生存世界的内外观、主客观的所有对象。范围缩小或聚焦凝结, 更易于形成诸如“长短、远近、高低、大小、哀乐、刚柔、快慢、硬软、迟缓、疏密、清浊、浓淡、薄厚、粗糙细腻、阳光阴暗、倔强温柔、棱角圆润等”外观表象和心理与感情体验。所有这些, 无一不是动态的表征, 无不在无限变化的流动过程中展现其具体形态, 渐之以达成某种态度、沟通和文化, 激发起人的世界无限的心理活动和生活品质的向往与追逐。
服装同样是在流动中展现美和撼动。它的布料、线条、色调、款式、质地、配饰与工艺等, 只有在与人的身体产生密切的利害关系后, 在流动的过程中, 满足了人的基本需要、审美追求和个性表达。也正是在这样的时间过程中, 人的心理、风貌、礼仪和时代变迁与服装的实用、风格、表现力、环境影响才存在着多重关系, 达成统一的存在。
作为时间和流动的艺术形式, 两个独立个体的音乐和服装, 其内在始终蕴含着诸多联系, 即便在结构上亦是如此, 如节奏、色彩、布局、比例、力量、风格、文化直觉等, 都围绕时代变迁、社会生活、宗教礼仪、精神风貌、地理环境等展现不同的审美观念。
音乐艺术和服装艺术伴随着人类的文明步入现代社会, 表达的终极直接指向人的需要和满足。也就是说, 人的和谐发展是其使命, 当然包括由人组成的社会和环境的健康与和谐, 而崇尚人的心理和身体的自我表达是其目标, 而这一目标的实现, 只有在时间流动中存在、闪耀和撼动。
二、音乐与服装是相互依存、相互作用的协调统一体
音乐和服装共同的存在方式决定了二者的关系是相互依存、相互作用的整体。也就是说, 二者共存于人本身, 形成富有神采的动态统一体。
无论是唯美的艺术音乐, 还是疯狂的流行音乐, 所有的歌唱家、演奏员或指挥, 都十分注重自己的装束, 精心设计者数不胜数, 特别在流行音乐界, 更是崇尚时尚引领。如演绎摇滚乐、爵士乐、Rap、R&B的这些明星———斯科特·加普林、路易斯·阿姆斯特朗、贝茜·史密斯、麦尔斯·戴维斯、彼头士、杰克逊等, 当然包括全世界家喻户晓的“麦当娜”, 不乏由众多知名服装设计师如让·保罗·戈尔基、多尔切·伊·卡巴娜、奥里弗·西斯金、斯特拉·麦卡尼、古奇的汤姆·福特以及穆西亚·布拉达和范思哲, 去包装他们、打造明星效应、请他们代言引领时尚, 不断深化品牌与社会的关系。
艺术音乐的杰出代表, 包括中世纪音乐代表人物希尔德加德·凡·宾根和纪尧姆·德·马修, 文艺复兴时期的音乐人物德普瑞和帕勒斯特里纳, 巴洛克音乐代表者蒙特维尔蒂、巴赫和亨德尔, 维也纳古典乐派音乐人物海顿、莫扎特和贝多芬, 浪漫主义音乐诠释者肖邦、门德尔松、舒伯特和舒曼, 民族乐派音乐人德沃夏克和西贝柳斯, 印象派音乐代表德彪西和拉威尔, 新古典主义音乐人物斯特拉文斯基, 表现主义音乐人勋伯格、贝尔格韦伯恩巴托克艾夫斯等他们各自所处的时代时装和服饰均与之相随、匹配有佳。透过音乐表现, 精准体现那一时期的时装和服饰样式与风格。
音乐是时装不可或缺的重要元素, 更是时装发展的催化剂。上世纪六七十年代的嬉皮士和九十年代的格朗基, 正是依靠着流行音乐和时装打扮来表示出年轻人对这个社会的态度。再如, 纽约设计师斯蒂芬·斯普劳斯创意下的勃朗蒂·黛比·哈里早期的朋克流行形象;多纳特的时装展, 定会有摇滚歌星科特尼·拉弗、约翰·波恩·乔微和麦当娜的音乐相伴。
音乐的流行影响了时装的流行, 而时装的流行反过来又推动了音乐的流行。时装与音乐连成一线, 形成相互依存、相互作用的协调统一体, 已经得到历史证明, 即便是今天社会也是如此。
三、音乐与服装是一种自我表达的话语方式
如果说, 音乐和服装的发展史是由古老的过去、形成的现代和充满无限色彩异样的将来所组成, 那么, 一种自我表达的话语方式也是人类音乐和时装起源和发展的一条红线, 因为人的存在, 特别是身心交往的多重行为需要, 当然包括时代的精神展现、人性的解放、文化力量的释放与生活品质的全面提升。
音乐和服装起源的初始阶段是为了满足生存和性的自我表达需要。随着人类工业的文明, 音乐与服装的传承与创造开始逐步摆脱极少数权贵自我表达范围的狭小空间, 开始融入主流社会关系之中, 真正自由的创造性主体不断追求其审美心理和身体线条的自主自愿开放和自在表达, 向人性力量的充分释放以及人际交往的更高精神需求迈进, 形成了日趋成熟的主流话语方式。
随着音乐和服装自我表达深度和广度的延展, 其主流话语愈加国际化、一体化, 便向不同国家、地域和民族宣告人们的交往方式和交往结构, 特别是互动者交往行为文化全球化时代的到来。它不仅逐步打破社会阶级、阶层、国度和地理区域的人际互动结构, 而且也对音乐和服装的传统交流方式、社会群体结构和人的审美互动模式进行着解构和整合。
正如, 今天的美国第一夫人米歇尔·奥巴马十分考究的时装艳丽而简朴, 常搭以现代风格的饰品一般。在全球经济危机时下, 米歇尔似乎以清新却不卖弄的外观表达了一种感性, 其所释放出的巨大魅力, 不仅成为美国女性穿衣的风向标, 也被众多国内外媒体称之为“时尚佳人”。她的时装和佩饰, 不仅是美国政治的象征, 更重要的是打造柔性的人际关系和国际形象、展现新一代美国女性朴素时尚的文化软实力。
21世纪的社会, 音乐和服装自我表达方式的多样性或多元化发展, 在不断继承和吸收历史的前提下实现自我更高境界的超越和更为朴实无华的表述
摘要:音乐与服装是人不可或缺的基本需要。它们不仅有其诸多内在的联系, 还有很多特征也是一致的。本文通过四个方面作以阐述, 以此增进对二者关系的把握和风格的理解。
关键词:音乐艺术,服装艺术,关系
参考文献
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篇9:论舞台服装的艺术表现性与应用
关键词:舞台服装;造型艺术;表现性;应用
舞台表演者在舞台上进行表演时所穿戴的衣着服饰统称为“舞台服装”,不同的表演艺术形式对于舞台服装的要求各不相同。具体来说由于戏曲、音乐、舞蹈等在内的各类艺术表演,在创作手法、艺术表现形式上的差异,使其对舞台服装的材质选择、造型设计、色彩搭配等方面的要求也大不相同。舞台服装对人物角色起着包装的作用,能够直接反映舞台人物间的主次关系和各角色的性格特点、思想感情。舞台人物作为舞台艺术展现的重中之重,人物服装搭配直接决定了舞台效果的总体表现。因此,深刻理解舞台服装与造型艺术、舞台设计与舞台艺术的概念及其作用非常重要,本文就此展开讨论并对舞台服装的艺术表现性与应用进行了相关探讨。
一、舞台服装与造型、舞台设计与舞台艺术
舞台艺术是集观众参与程度、舞台美术设计和舞台表演艺术为一体的艺术形式,其中作为形式构成要素的舞台美术设计包含的内容最为丰富,如:包括舞台的总体布局和布景、人物角色的服装和造型、灯光音响配合的效果、总体营造的表演氛围等都包括在内。舞台表演艺术则是舞台艺术的灵魂和核心内容,而观众舞台艺术最直接的反馈者,对舞台效果的评价最有发言权,观众参与度也是舞台艺术的重要组成因素。
舞台服装的设计和造型属于舞台美术设计的一部分,对比传统的舞台美术设计,不难发现的舞台美术设计加强了灯光的作用弱化了布景效果,但演员的造型和服饰一直都没改变,由此可见舞台服饰与造型在舞台艺术中的重要影响。
舞台美术设计对于文化的传播有着非常重要的意义,舞台服装和造型是表演者最直观的表现,对于民族文化和精神的展现和宣传作用十分明显。而且舞台服装和造型对表演者的人物角色性格和形象的呈现至关重要,潜在的艺术价值和商业价值也在不断的被挖掘,不仅巧妙地将角色和人物融合在一起而且提高了观众在表演中的参与度。舞台服装和造型设计有着独特的发展规律,既要遵循各个环节间的“统一性”,有要遵循“创新性”进而与舞台整体相融合,更好的发挥其价值。
二、舞台服装的艺术表现性
(一)舞台服装色彩搭配增强舞台艺术效果
舞台颜色是观众对舞台表演的第一印象,好的舞台服装色彩搭配是吸引观众的重要手段,使观众通过不同的颜色感受悲伤、喜悦、隆重、淡雅等各种情绪和视觉体验。此外色彩的不同搭配还能让观众体验不同的宗教文化、信仰和不同地区的风俗民情及人文习惯。因此舞台服装的色彩搭配不仅充分展现了表演者的人物形象和性格特点,使角色形象更加鲜明,帮助观众理解人物性格特征及人物关系,感受多种文化,而且服装的色彩搭配营造了独特的舞台氛围,使舞台形式多种多样。
(二)运用各种装饰手法在舞台服装设计上有助于增强舞台艺术效果
舞台服装设计上往往要运用各种各样的修饰手法,如:刺绣、钉珠、褶皱等都可综合地运用于舞台服装设计。精巧独特的装饰对舞台服饰的整体或局部进行点缀,有时能实现画龙点睛的作用。首先舞台服装的装饰部位十分讲究,装饰部位一般为颈、肩、胸、腰、袖等部位,接着是门襟、袖口、裙摆等部位,装饰一定要在不影响整体效果的同时突出修饰部位的特征,进而在体现服装精致的同时展现整体风格。其次,装饰图案的大小、色彩、材料等要符合装饰部位的特征要求,以满足舞台服装的特点。最后,根据舞台表演效果的需要和最新的时尚设计潮流,对舞台服装进行多重修饰,可在舞台服装的局部运用夸张的立体效果增加舞台感染力和可观性。
(三)舞台服装款式可以塑造角色的形象美感
精美舒适符合角色定位的舞台服装能提高表演者的自信心,进而帮助其在表演过程中充分表现角色的特征,增强观众对人物角色的认同感,这就要求在进行舞台服装款式设计时一定要根据角色进行设计。舞台表现力是服装款式设计的第一考虑要素,并符合整体的舞台艺术。有时要根据舞台需要,做一些相对夸张的造型,极具时尚性,这种款式用来服务演员,使其在表演上渲染力度更加强烈。对舞台服装款式的认知首先要对人物形象有所认知,进而明确设计主题,选定设计元素,借助不同的款式塑造角色的形象美。
三、结语
由舞台艺术的概念和组成元素展开讨论,并从舞台美术设计方面分析了舞台服装设计与造型在舞台设计中的重要作用。且进一步从舞台服装的色彩搭配、装饰手法、款式设计三方面对其艺术表现力进行了相关探讨,以期能对我国舞台服装设计和造型的发展有所帮助。
参考文献:
[1]徐岩.浅谈服装设计在舞台美术中的作用与审美特征[J].剑南文学(经典教苑),2013(03).
[2]王筱杰,王晓林.浅析服装品牌的名称设计在未来的发展趋势[J].艺术与设计(理论),2007(12).
[3]赵轶群.服装色彩搭配对于舞台人物形象塑造的影响分析[J].大舞台,2012(05).
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