素描艺术风格分析论文

关键词： 素描 视觉 专业

摘要：对于传统绘画性素描与现代设计素描之间的差异性是较为明显的，传统绘画性素描比较注重构图的饱满性与造型的审美功能，也就是重点在于表现外在的形象结构，然后再表达画面所蕴涵的精神实质；设计素描在创作时比较注重剖析、整合形体的内外结构，也就是比较注重绘画的逻辑性、物质性以及实用性等，更多是注重作品的技术性与功能性，而作品的审美性与精神内涵则作为辅助作用。以下是小编精心整理的《素描艺术风格分析论文(精选3篇)》，希望对大家有所帮助。

素描艺术风格分析论文 篇1：

对视觉设计专业素描教学的思考

摘 要: 素描是视觉艺术各专业共同需要的造型基础,也是一种最本质、最朴素的表现形态。随着我国社会经济的迅猛发展,社会、学校对视觉设计专业提出了更高的要求。而作为视觉设计专业的基础课——素描课程,自然也有了新的任务与要求。本文作者对视觉设计专业开设素描课的重要性,以及教学目的、任务和如何去实现等问题,针对设计素描的基础性,设计素描训练的严格性,设计素描教学的特殊性和设计素描的新颖性进行了一些思考,并提出了自己的观点。

关键词: 视觉设计专业 素描教学 教学实践

在视觉艺术的各个领域中,素描是一种最本质、最朴素的表现形态,并已成为视觉艺术各专业共同需要的造型基础。随着我国社会经济和科学技术的迅猛发展,学校、社会对视觉艺术探索的热情达到了前所未有的高度,人们从不同的视角对视觉艺术的价值、作用、走向、表现方式、表现语言、训练手段等发表着各自的观点和议论。人们通过争论、思考发现,沿用传统的观念、经验、训练手法已无法满足商品社会的需要,视觉艺术设计的训练平台必须在重新审视传统、现在、未来的视野下重构。当然,作为视觉艺术的造型基础——素描课程也必须根据其目的、任务、作用、功能、含义加以改造和更新。下面我就视觉设计专业素描教学的重要性,以及教学目的、任务和如何去实现等问题,结合教学实践谈几点看法。

一、设计素描的基础性

设计专业素描教学的目的,一是利用素描手段表达创作设计意图(包括创作可设计题材、记录形象、收集素材);二是以素描手段锻炼学生的造型能力,通过素描练习,把普通人的脑、眼和手训练成设计家的脑、眼和手。素描是艺术的启蒙课,也是理性很强的基本功:它使初学者掌握造型艺术的一般规律,为将来过渡到专业基础课和设计课打下基础。初学者有这个基础就会在创作与设计中感到得心应手,没有这个基础就会感到力不从心。在设计专业中,与素描课并行的基础课有色彩课、白描课、重彩课,此外还有专业基础课,素描是这些课的共同基础。素描基础课和创作设计之间的关系,就像一个从事文学创作的人要先通过作文练习、语法造句一样,只有精通语法、善于造句,才能用文字准确生动地表达思想。打下扎实的素描基础只是艺术家、设计师生涯的开始,素描好的人,其创作设计不一定好,即使是搞绘画创作,也不能只靠素描就能解决一切问题。此外,创作设计的水平还关系到个人的艺术气质、专业知识、创作激情、生活感受与多方面的修养。有些教师混淆了素描基础与创作的关系,怕学生画素描,尤其怕学生画时间较长的、形体准确的素描,一提“准”字就头痛,认为学生设计能力差是因为素描画多了、画死了,把设计专业变成了绘画专业。这种把基础与创作设计对立起来的观点,片面夸大了素描基础课的作用。从历届设计专业学生的创作设计成绩看,同素描成绩一致的学生占绝大多数。个别学生素描成绩好而创作设计不行,是因为,他们没学好专业基础课和创作设计课,缺少生活或修养,不能归罪于素描。李可染先生说过:“素描是研究对象的科学,它概括了绘画语言的基本法则和规律。素描的唯一目的,就是准确地反映客观形象。”“有人说西洋素描会影响发展民族风格,这是一种浅见。缺乏民族风格的关键在于对

传统的各方面没有深入研究,没有把民族的东西放在主要地位,而不在于学不学素描……”

二、设计素描训练的严格性

视觉设计专业要不要严格、准确、全面要求的素描课?有人主张某些设计专业减少或取消素描,理由有三:其一,视觉设计艺术不同于一般美术门类,只有通过工艺制作才能完成,并以材料的美感引人喜爱。同时,大部分工艺品具有使用价值。人们购买台灯、椅子、花布、茶具,既要看它美不美,又要看它的价格和使用价值。多年来强调工艺品的实用与经济特点而忽视其审美作用的结果,反映在教学上,必然是轻视艺术修养和造型能力的培训。其二,计算机技术的出现。社会上曾经出现过一种误解,似乎只要学会了设计软件,如Photoshop,CorelDraw,3DS MAX,就可以从事视觉艺术设计了。这种看法将设计效果的表达与设计本身混为一谈。殊不知,从根本上来说,从事艺术设计需要具备两方面的能力:创造新事物的能力和表达设计思想的能力。因此,这种错误观点是出于对艺术、对设计、对计算机技术缺乏了解所致。其三,过去几十年来艺术创作和教学上的风格单一化倾向。当然,也有某些人思想过于偏激,一见到写实作品,不论艺术水平高低,一律反感。这种情绪也反映到教学中来,认为写实方法是陈旧过时的老一套,便否定素描教学中的严格训练。我认为这是片面的观点。素描既教规律,又对学生进行艺术启蒙。艺术教育是一门严肃的科学,它要遵循由浅入深、循序渐进的规律办事。素描课不同于纯粹技法理论课,要想真正理解和掌握素描的规律,只有经过反复实践和艰苦磨练,不是教师在讲台上示范一下,把规律方法一讲,学生就能掌握的。素描练习的目的是使学生从感性到理性反复加深印象,亲身体会和运用艺术规律。马蒂斯说过:“初学的美术家认为他是以心作画,成熟的美术家也认为他是以心作画;区别在于后者是以他亲身所受的陶冶和训练,使他能顺从自己的感情的驱使。”素描作业的内容虽然与设计没有直接的联系,但是素描课所传授的规律却能提高设计者的艺术素养;素描训练所培养的观察方法和造型能力,会使设计者更自如地表达设计意图,并使之尽可能真实、直观、详尽。因此,对此不应作简单的理解。

有人说:“不学素描也能搞出好的设计来。”这是一种浅见。殊不知泥人张虽然没有学过正规素描,却经过艰苦的学习过程,在长时期内做过大量的白描人物,他的彩绘功夫也是极强的。玉雕老艺人王树森说:“老艺人就吃亏在一缺文化,二缺画画的功力。”现代科学日新月异,关系到艺术的科学,如光学、色彩学、生理学、解剖学、物理学、透视学、逻辑学、心理学、美学等都在不断发展,不论文学、美术还是设计艺术都不能摆脱它们的影响。视觉设计艺术教育应该从现代科学成就中吸收营养,丰富自己,而不应把设计创作同科学进步对立起来。

素描能够使学生掌握正确的观察方法和生动的表达能力,从而提高学生的素质。素描也是培养审美观念的启蒙课,培养学生全面观察,分清主次,抓住本质,取舍概括,分辨美丑,从而提高学生的审美素质。学生受过素描基础训练后,学习专业课会更顺利更方便,同专业教师会有更多的共同语言。素描训练给初学者心中埋下一点灵犀,使他们在以后的学习中一点即通,更好地完成他们的艺术学业。从长远发展来看,设计人员都能掌握现代科技、尖端工具,但最后谁取胜,是比人,比谁的观察能力、创造能力、画面控制能力新,比谁的思维观念新。素描本质意义也在于此。可以说对素描的不断探索能给设计者提供取之不尽用之不竭的艺术能量。

三、设计素描教学的特殊性

设计素描是为视觉艺术专业打基础的,以培养设计师或设计管理人材为最终目的。同时由于设计专业课程繁多,设计素描课时量大大减少。教师要在很有限的课时内完成比其它专业特殊又同样繁重的教学任务,只有适应视觉设计专业的特点,才能更有效地与专业教学接轨,在与其它基础课程相辅相成地进行中,达到全面提高素质的目的。

因此我在素描的时数安排与不同阶段的要求上作了新的设计:第一阶段是素描课中造型规律性最强的阶段。学生要受严格的训练,抓形体、比例、结构、动势,学会看主次、看层次、看繁简,画量感、质感、光感等各种素描造型因素,培养整体观察的能力,掌握一定的表现技巧。同时透过表面光影深入了解明暗原理、光对于形的作用,为摆脱明暗打下基础。第二阶段画半速写性作业。加强概括取舍,把精力集中于大的感受、大的动势和大结构上,不再受固定的光源的限制。适当追求画面的装饰处理,如平面化、机理化、秩序化等。第三阶段以短快速写为主,用线表现,完全抛开明暗光景和没有表现力的琐碎细节,摆脱固定光源和固定角度的限制,鼓励学生从多方面观察分析对象。在表现方法和作业尺寸、时间长短上给学生较多的自由,要求学生运用已经掌握的素描规律,画出自己的感受,强调线的组织和画面的安排、线和形的不同表情,强调画面的表现力。学生通过素描训练逐渐养成画速写的习惯,加强对形象的敏锐感觉和形象记忆力。第四阶段着重以研究形态构造,单元形态的打散与重构,以及装饰意味的素描训练为主。研究、设计形态的训练,旨在培养学生的发散性思维,通过改变视觉常性的观察为想象提供契机,从而创造出众多新颖、独特和富有想象的成分来,并获得新的理解和发现。装饰意味的素描训练主要是围绕着如何发现美和表现美这一根本问题展开。装饰意味就是用绘画的艺术手段对世界加以重新诠释,其目的则在于把世界表现得更好。在素描过程中,存在着个体和普遍、主观和客观、自然和精神这一系列的根本对立关系,找出其平衡点是装饰意味的素描训练的重要任务。

同时,我在教学内容上也时时注意不断更新,选择新的适合教学要求的写生对象,使学生感觉新鲜,促使学生探索新的语言、方法,努力培养学生的创造能力和设计意识。

四、设计素描的新颖性

视觉设计艺术最讲究的就是独创性,也就是强调新颖,强调形象“新”、表现手法“新”、画面效果“新”,反对老面孔。否则就没有吸引力,既失去美化心灵、美化环境的价值,又失去经济市场竞争价值。

然而,提倡素描作业的新颖性,不等于是追求素描风格。风格是一个艺术家成熟的标志。风格是艺术家在他的创作设计或作品中,自己的艺术气质、美学观点,以及对某种题材内容和擅长的艺术手法的独特表现。艺术家形成自己的风格,并为社会所承认,说明他经过长期艺术实践获得了创造性成就。它是艺术家修养积累、艺术实践和钻研探索的结果,是艺术家多方面气质的总和。在艺术上形成自己的风格是很不容易的。成熟的艺术家的素描都有自己的风格,罗丹、马蒂斯、毕加索、柯勒惠支都是素描大师,他们的素描风格完全不同。不过,我们经常看到的并不是他们学画时的素描。

学生所画的素描,是基本功训练的作业,其中含有创作的因素,但一般不是素描创作设计。教师指导学生不能过高地提出追求艺术风格,而只能是启发学生自己去感受对象,去发现美,去追求素描的新意;应该爱护学生的个性,因人而异,因材施教,小心翼翼地分辨哪些是学生自己的真实感受,哪些是用别人的心灵代替自己的心灵,并予以指明方向。教师一定要防止学生抄袭名家、模仿流派,借别人的画面效果充当自己的风格,从而使自己失去在感觉上锻炼的机会。素描教师的责任是引导学生起步要正,使学生在艺术上有大的容量,对各种艺术风格多看多学,兼容并蓄,防止学生过早地定型,这样才能使学生今后的艺术设计道路更加宽广。

综上,素描不是一个学习技法、技巧的过程,而是一个开启心灵窗户的过程,是启发创造力的过程,是提高视觉语言应用把握能力的过程。它不应该枯燥,不应该单调,也不应该一成不变。

参考文献:

[1]黄作林等.设计素描[M].重庆:重庆大学出版社,2003.

[2]林家阳,冯俊熙.设计素描[M].北京:高等教育出版社,2005.

作者：张会安

素描艺术风格分析论文 篇2：

关于传统绘画素描与设计素描的差异性研究

摘要：对于传统绘画性素描与现代设计素描之间的差异性是较为明显的，传统绘画性素描比较注重构图的饱满性与造型的审美功能，也就是重点在于表现外在的形象结构，然后再表达画面所蕴涵的精神实质；设计素描在创作时比较注重剖析、整合形体的内外结构，也就是比较注重绘画的逻辑性、物质性以及实用性等，更多是注重作品的技术性与功能性，而作品的审美性与精神内涵则作为辅助作用。本文主要针对传统绘画素描与现代设计素描之间的差异性进行系统性阐述。

关键词：绘画性素描；设计素描；差异性

对于传统的素描绘画，其主要是应用单色工具进行描绘现实中的固定对象，而设计素描则是在传统素描基础上主要针对某一种理念且带有功能性而进行意念性创造的绘画形式。在传统的素描绘画中比较注重基础造型能力的应用，作为一种再现及研究对象的艺术形式是现代设计素描等造型艺术形式的主要基础。现代设计素描基础在于传承与发展传统素描绘画中的精髓，并在传统素描上融入创新思维理念的现代艺术设计元素而形成的一种特殊的素描表现形式。由此可知，传统的素描绘画与现代设计素描之间既存在一定的关联性，同时也存在一定的差异性，笔者就两者的差异性进行深入探讨研究。

一、在造型思维上的差异性

对于传统素描绘画而言，其造型思维模式主要是以形象思维为主。形象思维模式主要是画者在体验生活过程中根据所看到的对象进行艺术构思而形成的一种艺术意象，并在艺术创作过程中逐步将其转化为独特艺术形象的一个心理过程。传统的素描绘画主要是依赖于画者的感性思维，不论是写实素描，还是抽象、意象等素描形式，他们都是以触及人们心灵的形象出现在欣赏者面前，在整个创作过程中充满了较强的主观意识与内心情感因素。

现代设计素描则是从平面或者立体角度来观察、思考及表现而进行创作的一种基础性造型形式，其可以有效激发人们的艺术探索意识以及发掘人们的艺术创新潜能，在创作过程中主要是利用不同的媒介或者基于一些自然肌理效果来拓展艺术设计者的艺术创新思维空间[1]。现代设计素描属于按照设计者个人的审美理念来改造客观对象的过程，在这个过程中不仅加入了设计者的形象思维、造型能力以及审美情趣，同时也是客观对象的一种间接性概括反映，是不会受到外界因素的影响而自然流露出来的一种造型思维方式。

二、在表现对象上的差异性

在表现对象方面，传统绘画素描主要是将客观对象的三维空间通过利用透视法转化到二维空间平面上的一种描绘方式。绘画素描在观察客观对象时一般是采用目测法对客观对象的形体进行分析、判断、取舍以及综合等一系列动作之后而完成的，其所描绘的对象主要为石膏模型、静物、风景或者人物等等，这类物体都具有造型固定、明暗界限分明等特征。

相对于传统绘画素描，设计素描可以表现的对象范围要广很多，也就是说设计素描表现的对象既可以是一些具象的且客观存在的事物，同时也可以利用自身的现象能力及创意思维能力表现一些现实生活中不存在的抽象符号，另外在现代设计素描中也有一种将不同时间、不同地点、不同对象融为一体的矛盾空间构成形式[2]。

三、在表现形式上的差异性

在绘画表现形式方面，传统绘画素描主要是基于客观事物进行细致描绘之后再对细节部分进行精细刻画，而设计素描则是传统绘画素描基础上的再认识、再创作，也就是说对客观对象进行再次提炼与塑造的过程，而在整体形态表现方面其比较注重画面的整体表现以及细节部位的表现性描绘[3]。因此，现代设计素描不管是从基本特征或者创作本质上来看都是在传统绘画素描基础上进行有目的性、技术性、功能性的表现客观对象。

传统的绘画素描在描绘对象时主要采用单色工具（铅笔、碳性笔、钢笔等）在二维平面上进行创作，利用对象的明暗规律来表现客观对象。绘画性素描的写生对象主要为石膏、风景、静物等等，以表达客观形体的体积感、空间感为目的，传达画者的素描理念与艺术风格。因此，我们在评价一幅传统绘画素描时，主要的评判标准为画面空间构成比例、对象体积大小、量感与质感表现、明暗关系层次、画面空间虚实处理等，由此可知，传统绘画素描在表现形式方面比较注重画面处理的技巧性。

现代设计素描则是以艺术创新为目标，以传统素描造型规律为基础融入现代设计要素而单色描绘对象。在设计素描中，其主要是利用基本的表现语音（点、线、面、肌理、材质以及色调等）来表现对象的结构特征。因此，在设计素描创作中需要加强利用各种线条来塑造、表现各种空间关系并通过线条来分析、判断及重新塑造设计对象的结构，采用对比、虚实、类似、夸张、联想、逆向思维、重组等特殊设计表现形式来实现最终目的。

四、在作画方法、步骤上的差异性

在传统的素描绘画中，对于绘画方法、步骤都是有严格规定的，主要是由于绘画过程中的每一步都关系到整个画面最后的效果，例如：如果构图、物体比例、空间透视关系等不准确，若继续画下去最终将会出现画面整体失调，因此对于基础在绘画素描而言则要准确领会绘画素描的基本方法与步骤[4]。当然，如果能够掌握绘画素描在造型塑造方面的基本规律与技巧，便可突破一般素描绘画的基本步骤，从而可在自由、主观发挥的基础上充分进行创造性创作，以此来获取更具独特艺术风格的绘画效果，也就是说在绘画性素描中可以在准确掌握最基本的绘画方法、步骤基础上，不拘泥于常规绘画方法与步骤来实现画者理想中的素描形象。由此可知，在传统绘画素描中作画的方法、步骤只是作为一种为画面效果服务的最基本手段（途径）。

在设计素描的创作中，作画的方法、步骤相对于画面效果来说显得更为重要，主要是由于設计素描以创新设计为目标，重点对描绘对象的结构进行深层次的理解、分析，注重对画面结构的领悟与分析，如果能够进一步明确作画的方法、步骤，那么在清晰思路的引导下便可以自然而然地表现出形体结构。在设计素描中，其初级阶段需要确定一个准确的基准线，然后再根据传统绘画中的透视原理来发现另外两条边线，以此来构建一个相对准确的基准面；之后便从基准线开始利用发散性思维能力来分析对象，并遵循原始的透视法原理来对点、线、面的大小、高低、长短、幅度大小、宽窄等进行调整，从而呈现出一种集艺术性、实用性、科学性、技术性与美感为一体的艺术形象。

五、结语

传统的绘画素描与设计素描之间不仅存在明显的差异性，而且还存在一定的关联性。因此，我们还需了解、掌握两者之间的关系，这也有助于我们清晰地了解两种艺术形式的不同点。绘画素描在创作过程中所追求的创新仅仅是通过一种“个性化”途径来实现的，其所采用的重复性绘画方式导致绘画性素描失去了基本的生命力；而设计素描则是设计师通过收集、整理各种形象资料来创造性地表现形体，具有鲜明的个性和时代特征，同时紧密结合各个具体的专业知识来彰显出设计素描的韵味，从而适应社会发展的需求[5]。只有通过详细了解、掌握传统绘画素描与设计素描之间的差异性，才能够帮助我们学习、了解设计素描，尤其是在造型思维、表现对象、表现形式、作画方法、步骤等方面可以给予设计者更多的艺术想象力。

参考文献：

[1]张晓鸥.绘画素描与设计素描的互补性研究[J].美术大观，2009，（01）：84-85.

[2]路家明.素描与设计[M].上海：上海书店出版社，2005.

[3]蔡光洁.设计素描——从绘画到设计的过渡[J].艺术探索，2005，（02）：23.

[4]陈军.绘画素描与设计素描的比较研究[J].成人教育，2010，（07）：79-80.

[5]左花苹.浅谈设计素描与绘画性素描的主要区别[J].才智，2012，（08）：176-177.

作者简介：

李颖，盐城生物工程高等职业技术学校。

作者：李颖

素描艺术风格分析论文 篇3：

素描草图在绘画创作中的艺术价值分析

摘要 素描是造型艺术的基础，而素描草图则是素描的基础，它不但能够体现出素描本质的特征，同时凝聚了艺术家独特的思考与精神。尽管绘画创作发展到今天，各种新的形式层出不穷，但是素描草图的基础作用却没有改变，而且还呈现出了独立的艺术审美价值。本文从素描草图的含义谈起，就其在绘画创作中所体现出来的艺术价值进行初步分析。

关键词：素描草图 艺术价值 具体分析

一 素描草图的含义

在西方，直至中世纪以前，素描基本上是以草图的形式出现，从属于壁画中。所以现存着大量中世纪时期的素描草图。而伴随着美术的发展，绘画形式逐渐朝着多元化方向发展，出现了油画、版画、水彩画等多种形式。一方面，素描草图仍然是这些绘画形式的基础；另一方面，素描草图也有了独立的艺术价值，也成为了绘画形式中的一种。所以素描草图可以定位为，在素描或其它形式的绘画创作之前，所做的草稿。即创作者有了创作构思，及时用素描的形式记录下来，并且对线、面、形和体以及结构等素描要素做出基本的规划，为之后的深入创作而进行的准备。

二 素描草图在绘画创作中的艺术价值

1 闪耀理性的光芒

文艺复兴运动，之所以在美术史乃至人类文化中占有着重要的地位，一个突出的原因就是在文艺复兴运动的引领下，人们逐渐从“神”的桎梏中摆脱出来，开始以一种理性和客观的态度来观察和认识世界。以列奥纳多·达·芬奇为首的艺术家们，认为理性和细致的观察是绘画创作的基础，而这种观察的记录形式就是素描草图。素描草图不但能够记录下绘画者所思所感，同时也为他们提供了一个理想思考的机会。每一件作品诞生之前，完成一幅和多幅素描草图，已经成为了一个必备的过程，也正是在这种理性和严谨的态度之下，写实性绘画得到了最初的发展，并且逐渐发展成为主流的绘画样式。通过素描草图，让绘画者能够尽可能的对创作中所出现的问题进行预想和处理，同时将最原始和最纯粹的情感倾注其中，大大提高了创作的质量和成功的可能性。

作为领军人物的达·芬奇，就对素描草图有着充分的重视，他认为绘画是一门科学，而素描草图则是一种演算。在他的绘画、建筑和雕刻创作中，上至整体的构图，下至人物的手指，都进行了大量的素描习作，现存的素描草图数量有四千多张，足见他对素描草图地重视。在素描草图的创作中，他能够以一种理性的态度对创作进行分析，成功的将透视学分为三个分支，大大推进了之后油画的空间表现。此外他还解剖过多具人体，并以草图的形式将人体、肌肉和骨骼构造记录下来，为后来的绘画者提供了丰富和准确的理论参考。文艺复兴中的德国领军人物阿尔布雷特·丢勒，不仅仅是一名大画家，同时还是一名建筑学家和数学家，所以他也主张用一种理性的态度来绘画，同样注重在素描草图中进行思考。他笔下动植物素描的精准程度，完全可以和达·芬奇相媲美，画面中的一切要素都是清晰合理的，没有丝毫的混乱和模糊之感，体现出了一种理性和艺术直觉的完美结合。同时还将这些在素描习作中的所思所感记录下来，例如，《绘画概论》、《人体解剖原理》等，为美术理论的发展做出了突出的贡献。可以看出，从达·芬奇提出“绘画应该像一面镜子一样反应自然”开始，对于客观对象理性的观察和思考，就成为了当时欧洲和全世界普遍的艺术追求和审美标准，这种追求和标准之下，通过大量的素描草图，记录下当时的所见所感，并且进行认真的分析，成为了绘画之前一项重要的工作，素描草图不但闪耀着理性的光芒，同时也奠定了素描在美术创作中的基础性定位。

2 凝结生命的意识

生命意识是每一个现存个体对自己或其它生命体的自觉认识，主要包含生存意识、安全认识和死亡意识等。绘画者在对客观对象进行观察和感悟之后，会自然的收获一种审美体验，或激动、或悲伤、或怜悯、或悲愤。这就是生命意识的雏形和具体的体现。而素描草图则在这个过程中充当了记录员的角色，画面中那些线条看似十分凌乱的，其实都是绘画者生命意识的凝结，也是绘画者和客观事物发生情感交流的主要途径，然后用一种合适的手段在作品中表现出来，这种观察和体验的越充分生命意识就越强，作品的思想价值就越高。

米开朗基罗·迪·洛多维科创作的壁画中，他对每一个人物形象都进行推敲、反复的涂抹和修改，最后呈现在我们面前的作品，会发现画面中人物的每一个部位，每一块肌肉都有一种力量于其中，就像是见到了真人一般的真实可信，那被钉在十字架的上痛楚，让我们感同身受。而拉斐尔·桑西创作的圣母像，每一位圣母给人的感觉都是那样的和蔼和亲切，充满了母性的光辉，望着她们就像是春风拂面一般的惬意，而拉斐尔每创作一幅圣母像，都要进行十多次素描草稿的创作。文森特·威廉·梵高的作品充满了情感的张力，他的《星光的灿烂的夜空》，已经不再是一个真实夜空的景象，而是倾注了他全部的生命体验，观众只有用心去看，才能感受到其中蕴含的激情和那种面对迷茫夜空时对生命和命运的思考。爱德华·蒙克以疾病、爱情和死亡作为永恒的表现题材，他的《青春期》和《病中的孩子》两幅素描草图中，线条虽然反复和曲折，但是却始终都围绕在形象的周围，在一种压抑的气氛中感受到了生命的顽强和延续。所以，素描草图凝聚了创作者的生命意识，作品中所体现出来的生命力，来自于素描草图中的酝酿和规划，体现出了绘画者对自然和人类生命力的尊重。

3 记录敏锐的感受

当绘画者对客观对象发生了情感体验，同时产生了一种创作冲动之后，往往是十分迷惑和凌乱的，像是走到了一个迷宫里，隐约知道出口的方向，但是眼前的道路却杂乱和曲折。这就是绘画之前经常产生的一种现场体验感，既有偶然性，又有模糊性。而作为素描草图来说，就是这种现场体验感的最佳助手，绘画者能够及时的将所思所感用素描的形式记录下来，然后在另外一种状态下对这些情感体验素材进行梳理，从而让作品更加贴近自己的思想内涵，体现出一种更加持久的生命力。所以说，素描草图的无疑是一个忠实和全面的记录者，让绘画者能够全面的记下自己获得感动的每一个细节。

米开朗基罗创作的《阿曼的惩罚习作》和《最后的审判》两部作品，画面中的人体是不可能长时间的保持这种夸张和复杂的运动形态的，米开朗基罗就是借助于素描草图，在观察的时候及时记录下来，随后再进行加工和创作，才有了这种形体的最终成型。达·芬奇上街的时候总要带着铅笔和速写本，随意的进行观察，然后快速的画下来，同时在一旁用文字说明当时情形和自己的感受，作为自己今后创作的素材。而埃德加·德加则坦言自己的素描得益于草图的记录和自己良好的记忆能力，他的作品十分善于捕捉运动的形象。例如，《芭蕾舞演员》和《浴女》等，都是在观察后及时的记录下来，事后面对草图，调动起自己的回忆，让作品充满一种现场感。巴勃罗·鲁伊斯·毕加索的《公牛》，素描草图是一个完整的系列，有13幅之多，用一个连续和动态的过程，体现出了作者感受的变化。其最初的构思是一只膘肥体壮的公牛，随后他又创作了第二稿和第三稿，这两稿仅在造型和色彩上发生了变化，还属于再现性的范畴。而伴随着创作者感受的变化，他认为再现性风格已经不再满足自己的表达需要，于是在第四稿中开始了对表现性探索，开始在公牛的内部画出了线条，而在随后的几稿中，线条越来越简练，到定稿的时候，所呈现出来的仅仅是几条细线的勾勒。也就是说，素描草图忠实的记录了创作者艺术感受的变化。所以说，素描草图不仅仅是绘画者所见的客观记录，更凝结了绘画者的情感和智慧。体现出一种敏锐的感受力。

4 承载创新的思维

20世纪后期，绘画艺术发展到了现代主义时期，人们的视野也逐渐从二维发展到了三维，所关注的对象也逐渐从客观世界向主观世界所靠拢，在创作中更加强调个人主观感知和体验的抒发，在这种创作目的影响下，对于艺术风格和艺术语言的革新，也就成为了一种必然的需要。于是各种绘画流派纷纷诞生，新的绘画风格层出不穷，新的绘画手法也屡见不鲜，绘画艺术从此进入了一个全新的时代。而素描草图可谓是这场大变革最重要的见证者，无论是艺术情感的表达还是艺术语言的全新探索，都要在素描手稿这片实验田上进行充分的实验。从客观上说，素描草图为全新绘画时代的来临做出了巨大的推动作用。

首先，是对艺术风格的探索。当绘画者认为当前各种绘画作品所呈现出来的特质，不再能满足自己需要的时候，他们就会主动创造出一种全新的艺术面貌，而素描草图则成为了这种探索的最佳载体。现代艺术中很多开创性的艺术家，都认为自己的探索在很大程度上得益于素描草图的存在。他们借助于素描草图支撑起自己的艺术观念，并且最终帮助他们形成了独一无二艺术风格。保罗·塞尚被誉为是现代主义绘画之父，他的创作追求就是在变动中寻找到一种持久和永恒，所以他的素描手稿数量奇多，每一张都充满了各种反复和修改，例如，《圣维多克山》系列、《皮埃尔的墨丘利肖像》等，每一张草图上的线条和造型都是不同的，作品最后的定型则是这些草图综合作用的结果，即作品是一个确定性和不确定性的集合体。又如，毕加索素以风格多变著称，但是每一种风格都能给人们以强有力的震撼，他的素描草图中经常有随意勾勒的形象和自由的颜色渲染，还有反复地涂抹和修改等，例如，《亚维农少女》和《牛头怪物》等，都是得益于对草图的良好把握。德加在最初的创作中刻意的对古典主义的作品进行模仿，同时借助于素描草图将自己的这种模仿感受记录下来，慢慢的在草图中将对象的表现和草图性的线条完美的结合起来，最终形成了不同于其他印象派画家的油画语言。这些大师们都是借助于素描草图，才实现了多样化的艺术风格。

其次，是对艺术语言的探索。绘画者为了更好地表现出自己的创作思想，就要在传统的绘画语言上进行全新的探索，素描草图又一次成为了试验田，无论是抽象的还是具象的，绘画者们从来都没有停止过在素描草图中对艺术语言的尝试。例如，让·杜布菲，独创了一种儿童般的绘画语言，据他自己所言，这种绘画语言的灵感来自于对素描草图的反复涂抹和修改，看起来像是一个顽皮孩子的作品，随后获得了灵感，继而成为了自己独创的艺术语言。弗兰克·奥尔巴赫的作品中，有着强烈草图特质，他认为草图是自己创作过程的见证，本身就充满艺术性，能够使作品体现出一种完成性，给人以意犹未尽的感觉。安东尼·塔皮埃斯作品强调一种痕迹感，他有感于自己的素描草图中经常会留下一些色彩的痕迹，而这种痕迹是自己自由随心创作的最好见证，同时这种随意地涂抹也会给作品带来一种抽象性的特征，给人们更多的思索。所以说，无论是艺术风格的探索还是艺术语言的探索，都离不开的素描草图的巨大作用。

综上所述，尽管在当代的美术创作中，各种新的风格和主义层出不穷，但是有一点是肯定的，也是经过历史检验的，那就是素描草图永远都是素描和其它绘画形式的基础。历史和当代的艺术家对草图型素描的重视和运用，体现出了他们对素描草图的高度重视，同时给我们的艺术创作提供多样化参考和学习的可能，极大的丰富了素描艺术的内涵。作为绘画者来说，要加强对素描草图的探索和研究，以一种正确的态度来面对，真正认识到它的价值和意义，才能让自己的创作有牢固的根基和永恒的生命力。

参考文献：

[1] 中央美术学院美术史系外国美术史教研室：《外国美术简史》，高等教育出版社，1990年版。

[2] 孙建平、康弘：《大师的手稿——探索大师的心路历程》，河北美术出版，2009年版。

[3] 于艾君：《素描书》，辽宁美术出版社，2005年版。

[4] [美]简·罗伯森、克雷格·迈克丹尼尔：《当代艺术的主题——1980年以后的视觉艺术》，江苏美术出版社，2001年版。

[5] [俄]康定斯基，吴玛俐译：《艺术与艺术家论》，重庆大学出版社，2010年版。

作者简介：杨小锋，男，1976—，四川广安人，本科，讲师，研究方向：美术教育，工作单位：广安职业技术学院。

作者：杨小锋