贝多芬《月光奏鸣曲》（精选十篇）
贝多芬《月光奏鸣曲》 篇1
一、贝多芬的《月光》
随着启蒙运动的发展影响,使得贝多芬所处的维也纳古典音乐时期,在思想上作曲家们创作的核心更多是对人文精神和自然界的歌颂,呼吁自由、平等和博爱;在音乐风格上,音乐体裁重大,结构较为严谨,音乐从教堂步入社会,并以主调和声风格为主;在音乐体裁上,确定并规范了近代奏鸣曲式结构,确立了主调音乐形式的主导地位,曲式结构明晰,和声织体明朗。这一时期典型代表贝多芬,他的作品从内容到形式都复杂宏达,富有深刻的哲理性和社会意义。
贝多芬的《月光奏鸣曲》第一乐章描写的是月光下面的一段故事,其旋律优美动听,不仅有着古典主义风格中的平稳,而且有着浪漫主义风格中的丝丝忧伤,这更加确立了贝多芬在古典主义到浪漫主义中承上启下的重要地位。该曲节拍规整,和声按照传统和声中的规范格式进行;典型的歌唱性的旋律在这首作品中得到了很好的体现,左手低音声部和次中音声部大多数都是长音的持续,横向是旋律细小的波动,纵向是对和声功能的支撑,右手中音声部三连音的织体统一,不仅营造了气氛,而且确立了调性,同时推动了音乐的发展。从第五小节开始,优美动听的旋律由高声部缓缓奏出。整首作品是一个有着引子和结尾的变化再现的单三部曲式,其引子(1~4)小节,三连音的连续进行奠定了全曲的风格,最后结束在属和声上,引出了高声部的主题旋律。第一部分是由四句按呼应原则构成的,并包含有起承转合的结构原则。第二部分的材料来源于第一部分,是一个展开性质的中段。这个部分其内部材料又可以分为三块,其中,第二小块的材料取自第一部分材料,以原样移调的方式出现。第三部分变化再现了第一部分的材料,既强调了主题材料,又有一定程度的推陈出新,调性回归到主调。其后是一个10小节的尾声,尾声的材料具有总结性和收束全曲的作用。作品在结构布局上体现了大结构有大对比,小结构有小对比,同者分,异者分的特点,是一首典型的单三部曲式。
二、德彪西的《月光》
德彪西是二十世纪印象主义音乐的代表人物,印象主义音乐是在绘画和文学领域所带动的印象主义潮流中产生的。常利用配器、和声等制造出特别的音效,突破了传统的欧洲大小调体系,增强和弦结构并大量使用变化音来减弱和声功能以此来模糊调性,从而营造出一种朦胧、神秘的氛围以此来描述和表达客观事物片刻的印象。《月光》作为德彪西主要代表作品,已没有古典主义音乐中深刻的哲理性思考和贝多芬式的革命主义精神, 而是借助标题和丰富的色彩变化引起人们的联想,直接诉诸人们的感官。减弱了调式、和声的功能性、旋律线条的明显性、曲式结构的清晰性,形成了一种清新、自然的音乐风格。作品从一开始就让人进入了一种朦胧的意境,高声部的主题旋律由高音区向低音区以下行级进的方式娓娓道来,这种具有典型性的级进方式的旋律走向仿佛造就了一幅优美的画卷,就似人在月夜下伫立,淡淡的月光由高处照射下来,笼罩着大地和人,其以静为主的画面下又有着丝丝光与影,音乐与色彩的融合,从而具有印象主义的典型风格。
德彪西笔下的《月光》,像是一组图,把月光的各种形态勾勒出来了,运用独特的和声,使得月光悄悄爬上,又恰似披着纱衣的朦胧形象,在音乐中流淌出一种淡淡的思绪。该曲以诗歌为题材, 使用了复合型节拍9/8拍,大量使用了弱化强拍的手法,如延留音、强拍休止等使得音乐散漫并富于幻想;在旋律创作上,德彪西运用动机化的乐句组合方式,其旋律时断时续,在一定程度上摆脱了浪漫主义时期歌唱性的旋律特点;在织体的层次上,大量使用传统织体的表现手法,如双音持续、分解和弦、多层织体等。多层织体的运用使得旋律抽象概念更强。德彪西的月光充满诗情画意的情感,刻画出夜色茫茫、万籁俱寂、月色倾泻大地的意境。
三、《月光》之异同
古典主义具有典型的素描风格,印象主义具有典型的油画风格,两首《月光》正是很好地体现了两个时期的典型特点。贝多芬的月光更多的是对自己的内心世界,对爱情,对生活的感受的宣泄,而德彪西的月光则更多以客观的方式来描写月光的本身。同时,两首都以月光为题的作品又具有某些相同的地方。德彪西的月光按照三拍子的节拍规律进行,而贝多芬的月光虽然不是三拍子的节奏,可是连续的三连音的使用,似乎存在着某种相似性。两首月光都成为了古典音乐中流芳百世的精品,都是在作曲家早年时期创作的。从作曲家本身来看,贝多芬的作品具有他个人的典型特点,作品表现其内心的真实写照,他在古典主义时期是一个举足轻重的人物,他的作品既是对古典主义时期音乐的总结,又对浪漫主义音乐有着启迪性的意义。德彪西的作品体现了20世纪音乐的突出特点,无调性或多调性,旋律不清晰,多层织体进行,每一层都有自己的旋律和节奏。他又将印象主义的特点体现得淋漓尽致,朦胧而模糊,梦幻。像画卷一样的音乐,既是对20世纪音乐的进一步总结与概述,又对其后的音乐发展有着启发性的作用。总的来说,如果用一个字来概括两首作品,就以“静”作为贝多芬月光的特点,以“动”作为德彪西月光的特点。
摘要：贝多芬是维也纳古典乐派的代表人物之一,德彪西是印象主义音乐的代表人物之一,以贝多芬的《月光奏鸣曲》第一乐章和以德彪西的《月光》进行分析和比较,通过研究两个作曲家和两首作品的背景,对其形成时期、音乐风格、和声、曲式结构等的不同进行阐述,以提高学生音乐鉴赏水平。
浅论贝多芬奏鸣曲 篇2
摘要
《黎明》奏鸣曲是贝多芬的中期作品，完成于1804年，献给波恩时代的朋友，冯·华尔斯坦伯爵，所以这首作品也叫做《华尔斯坦奏鸣曲》，是贝多芬最著名的五首钢琴作品之一，体现了贝多芬的创作风格和技巧，是一部非常值得研究的钢琴奏鸣曲。奏鸣曲式由于其丰富的相对复杂的结构性，表达了较为深刻的思想性和内涵性。正因如此，每一部作品的第一乐章最能体现整首乐曲的内容、思想、深度，是全曲的精髓部分。本文将以这部作品为视角，试图解读贝多芬作品的创作特点、演奏技巧，从而更好的发现贝多芬奏鸣曲的艺术价值，并渴望在今后的实践中得到充分的展现。
关键词:贝多芬，黎明奏鸣曲，演奏，体会
引
言
在不同历史时期，“奏鸣曲”的内涵和外延是不同的。“奏鸣曲(sonata)源自意大利语、uonare意即发响)。13世纪始见于音乐用语中，16世纪初泛指各种器乐曲，以于声乐曲的泛称康塔塔相对。”17世纪的奏鸣曲主要指室内奏鸣曲和教堂奏鸣曲。室内奏鸣曲由几首风格化了的舞曲组成，后演变成今天的组曲;教堂奏鸣曲在乐谱上表现为三行谱的室内乐形式，因而称其为三重奏鸣曲，后来发展为两个分支分别为近代奏鸣曲和大协奏曲。奏鸣交响套曲的形式结构在海顿的音乐创作中得到确立，后经过贝多芬达到成熟。奏鸣曲在1840年以后虽然有一些浪漫主义时期的作曲家仍然遵守其规则模式进行创作，但其意义已同古典奏鸣曲有着较大的区别。
一、贝多芬黎明奏鸣曲的创作背景及作者简介
（一）创作背景
这首奏鸣曲是贝多芬献给波恩时期他的一位庇护者和挚友、一名杰出的音乐家华尔斯坦伯爵所作。出生于波西米亚的伯爵比贝多芬大八岁，在1787岁至波恩和贝多芬。在贝多芬年轻时，他就认清了贝多芬的音乐才华，是贝多芬青年时期的热烈支持者，给予贝多芬充足的经济支持，并送给贝多芬新的钢琴，而这架钢琴更加的灵活，可以快速的弹奏跳跃的声音，也能够弹奏出和弦的颤音与震音，贝多芬很可能为要试验并发挥其出色的本能，运用了他的全部写作技艺，创作了了第十一首钢琴奏鸣曲《黎明》，描绘出栩栩如生的音乐形象和大自然光辉的景象。
（二）作者简介
维希·凡·贝多芬(1700-182)，德国最伟大的钢琴家之一，与海顿、莫扎特被誉为“维也纳三杰”。他不仅是欧洲古典乐派的代表，同时为R.期浪漫主义音乐奠定了基础。贝多芬出生十德国波恩城的贫民家庭，很早就显T出了音才能，1792年到维也纳深造，艺术上进步飞快。贝多芬信仰共和，崇尚英雄，创作了大量充满时代气息的优秀作品。如交响曲《英雄》《命运》。钢琴奏鸣曲《月光》《悲枪》《热情》等。他一生坎坷，二十六岁开始耳聋，晚年完全丧失听觉，只能通过谈话册与人交谈。但孤寂的生活并没有使他沉默和隐退，在一切进步思想都遭到禁止的复辟年代里，贝多芬依然坚持“自由，平等”的政治信念，写下了不朽的《第九交响曲》。在音乐表现上，他几乎涉及当时所有的音乐体裁，大大提高了钢琴的艺术表现力。贝多芬集古典音乐的大成，同时开辟了浪漫时期的音乐道路，对世界音乐的发展有着举足轻重的作用，被尊称为“乐圣”。
二、贝多芬黎明奏鸣曲的风格和音乐特性
（一）风格
《黎明》奏鸣曲第一乐章，这是一个伟大而辉煌的乐章，主题旋律描绘出细腻生动的形象，赋予给它一个丰富的内涵，旱现出独特的创作特色，有养独特的风格。
在主题的节奏，在轻柔的低音旋律，表明自然即将到来。然后在高音区出现快速的旋律，像清晨鸟儿欢鸣，在泉水流淌。音乐强调高低音的对比度，采用两种有力的对比来展现两种不同的气氛的感觉，同时，优美的音色的组合，优美的线条清晰流畅。主题旋律的幅度非常大，给人一种闪烁的感觉，它以广阔的气氛和灿烂的色调组和微妙的和谐乐章，从开始到结束在整个运动，音乐描绘了一幅黎明微微的画而，展现了一个充满青春气息的场景。接养，第_个主题出现在主题的主体部分，是一个简单的民间小调，它与C大主题形成三度的关系。由此音乐变得更加热情和稳定，并使得主旋律形成羡慕的色彩、情感和形象的对比。
主部主题的旋律缩减后在出现在展开部的第一阶段，运用主部主题材料在旋律、节奏、力度、和声、色彩等各方而进行各种变化，增强了音乐的活跃气氛，造成乐思发展的积极动力。在动机的高音的主题被压缩，突出旋律和节奏紧凑，形成一个强大的动力。减少的旋律是贝多芬发展的突出特征之一。在高低音来同地跳跃的动机再次出现时，旋律给人紧迫感为湍流，鸟儿歌唱争先恐后。在主部与副部的主题调性的不统一，按照奏鸣曲一般原则，再现部分的主、副部主题在调性上应取得一致。这首奏鸣曲是个例外，由于副部主题部分的变化，连接部分也发生了变化，从而反映了音乐思维发展的另一阶段，而不是简单地“重复”。
（二）音乐特性
《黎明》的音乐特性我们以它的第一乐章来分析，第一乐章是非常独特的奏鸣曲乐章，充满戏剧性，具有协奏曲一样的华丽的风格，整个作品就是情感的碰撞，是贝多芬奏鸣曲中最具表现力和最具丰富情感的乐章。从整个奏鸣曲乐章来看，第一乐章整体的情感是属于雄伟的、庄严的、阳光的，表现的有黎明的自然风光景象，也有黎明前的黑暗，代表着黎明的戏剧性形象也是贝多芬矛盾情感的爆发与抒发。在整个奏鸣曲中，第一乐章起到了关键的作用，它为作品的情感奠定了基调，也为情感的发展埋下了伏笔，从其音乐中逐渐的引申出了整个作品情感。
三、贝多芬黎明奏鸣曲的结构和技巧运用
由于“黎明”的旋律主要出现在第二乐章，而第二乐章前有
一个简短的序奏，所以下而我将重点分析这两部分的曲式结构与技巧运用。
（一）序奏曲式结构
以序奏为例，序奏不应该是一个独立的乐章，而木质是第二乐章的导入部，单二部曲式，F大调，6/8拍，慢板。短短的二十八个小节里蕴涵了无穷的深意:朦胧暗淡，有着一种幻想的沉思和庄严的宁静。此序奏A段是以附点的大跳音型为主，左手浑厚低沉的八度和右手带附点的大跳进行，缓慢并以极弱的演奏，表现出一种安静，如梦境般的美。B段是以A段的基木音型变化发展而来，新出现的连续小切分模糊了拍点，更加增添了幻想和憧憬的意境。A＇是第一部分装饰性的变化再现，右手大跳音程的幅度更大，左手织体更加丰富，随着内心情绪的增长和力度的不断加强，出现了戏剧性的高潮。在结尾处，柔和明亮的右手长音像远处传来的牧笛声，预不着人民群众载歌载舞欢乐场而的出现。
（二）技巧运用
这一乐段集中体现了贝多芬奏鸣曲创作的乐句线条长和力度对比鲜明的特点，谱而上无处不在的大小连线与力度标记显不出了作者在这力一而极高的要求，力度表情标记是作者写给演奏者的话，只有按照谱而所给记号精准的演奏，才可能与距离作曲家的创作初衷更近一些。乐句是音乐中的呼吸，把握好乐句的起落是关键，第一大乐句即A段，(1-9小节)是由四个小乐句组成，两小节为一个层次，以PP为起点，随着音高音量及感情上层层递进，在第6小节时达到sf，再缓缓落下，以PP结束。弹奏时，对十力度的控制要注意触键时的速度与深度，虽然很弱但也要缓慢地把每个音弹到底、弹扎实，随着力度的加大那就要借助手臂甚至是腰部的力量把音乐推向高潮。在乐句中不停出现的八分休止符应格外注意，它的存在虽然使音响暂时停卡了，但音乐中的意境和感情仍然在继续，休止符也是音乐的一部分。如果练习时一看到休止符便潦学地把手抬起，那么，音乐的连贯性就会被打断，情感的起伏与音乐的流动更是无从谈起。同时，踏板的转换必须要干净利落，不能将前音的音响延留到休止符处。第二大乐句即B段，(9-16小节)，是序奏的主旋律。这一乐句的开始与上一乐句的结束在同一小节，音域的降低与突强的力度标记使前后产生了鲜明的对比。此乐句是由四个小乐句组成，是根据音区的变化和力度表情记号的转换来划分的，所以，它们之间的对比也是非常明显的。
第一小乐句是在C,D音突强后迅速减弱并收住。第二小乐句是从11小节的第二个十六分音符开始的，整体音域提高且力度很轻，与前一句形成较大反差，就如两个人在-应一答的对话一般。弹奏时，应注意节奏，不能囚为是另一句子的开始而在连续的一六分音符上有所停顿，并要迅速转换思维和触键力一式，只用指尖轻柔的弹下琴键的二分之一深度即可，甚至可以弱到似有似无，在演奏B段时应重点弹奏出音乐的层次，要使音乐具有立体感，而不是仅仅停留在一个平而上。
总结
在《黎明》的第一乐章中，作者描绘的就是大自然曙色初现的一片生机勃勃的景象，作为音乐表演者来说，一定要热爱生活，热爱大自然，勇于体验生活，观察生活，拓宽自己的知识面，无论是文学、绘画、摄影还是戏剧等方面都要涉足，不能仅仅埋头练技术，若不能热爱自然，没有细腻的情感，则不能体会大自然所带给贝多芬的力量。
参考文献
[1]于润阳.西方音乐通史「M」上海音乐出版社，2003.[2]郑兴三.贝多芬钢琴奏鸣曲研究「M].厦门大学出版社，2003-11
浅析贝多芬《月光奏鸣曲》 篇3
关键词：贝多芬；月光奏鸣曲；分析
中图分类号：J624 文献标识码：A 文章编号：1671-864X（2016）05-0198-01
一、月光之美
贝多芬，德国著名钢琴家，作曲家。他是古典主义集大成者，开浪漫主义之先河，是一位音乐巨人。不仅在欧洲享誉盛名，在世界的舞台上，被世人尊称“乐圣”。与海顿、莫扎特并誉为“维也纳三杰”。贝多芬一生命运坎坷曲折，童年时期就显现出极高的音乐天赋，音乐创作形式新颖，大胆创新，一生创作了大量的音乐作品。《月光奏鸣曲》是贝多芬三十二首奏鸣曲中的第十四首，也是最著名的一首。
有一封信写道，“她爱着我，我也非常爱她……只是很遗憾，我们的身份不同。”月光是因贝多芬一深爱的女子而来，创作于1801年，是贝多芬写给自己深爱的女学生朱丽叶·琪察尔迪的曲子。彼此相爱却因种种原因而分手，有情人不能终成眷属，受到沉重打击的贝多芬写在患得患失的心情下创作了这首我们熟知的乐曲《升C小调钢琴奏鸣曲》，并且在他去世之后，才被后人改名，诗人路德维希·莱尔斯塔勃在音乐中激发灵感，为此曲命名为“月光”，故称《月光奏鸣曲》。
这首充满幻想的美妙音乐受到全世界人民的喜爱，各界人士对此曲也是各有不同的赞美。阿萨菲耶夫评论道：“感人至深的充满能量与浪漫的音调，令人精神振奋的旋律，时而像是熊熊燃烧的怒火，时而又如濒临绝望的哭泣。曲调中蕴藏的真挚诚恳，深受人喜爱，也极易被人接受，不得不说它是一首真正打动人心的好作品。”音乐家雷尔斯塔勃在听过此曲第一乐章后则评价道：“犹如置身瑞士硫森湖月光闪耀湖面的摇荡小船上一般。”
二、月光之形
贝多芬把该曲标注为“幻想曲式奏鸣曲”，体现了这首作品自由、即兴的特征。它打破了传统奏鸣曲“快—慢—快”的一般顺序，灵活运用音乐素材，充分发挥想象，给听者一场完美的听觉盛宴，和无限的遐想空间。
第一乐章，用一个慢乐章代替了往常长、强、快的快板乐章，并且将“幻想”主题集中在此部分和第三乐章部分。以抒情的慢板开始，用慢板代替了奏鸣曲式的快板，是一个新颖的作法，这个乐章也是人们最熟悉的旋律。乐曲由四个赋予神秘色彩的序曲小结开始，升C小调，二分之二拍，乐曲的调性、速度、节拍随着三连音伴奏轻轻地来了，忧郁沉静，细腻婉转。中间部分三连音蜿蜒前行，音调一步一步慢慢升高。进入第三部分时，主题再次涌现，在淡淡的月色下，悄悄然地结束。这一乐章有几处明显的调式转换，贝多芬没有用常规的近关系调转换，而是采用了和弦的直接转换，创作方法大胆新式。整个乐章宛如一缕缕温柔的倾诉。
第二乐章，是第一乐章与最后乐章的过渡桥梁，李斯特形容这段精巧的乐章是“开在两个深渊间的花朵”。这个乐章是一段复三部曲式的小快板，ABA的结构，调性转到降D，四三拍节奏，具有舞曲性质。第一部分由一个单二部曲式构成，两个部分都由一个音乐主题，及其变奏而成。中间部分也是单二部曲式，右手部分贯穿切分节奏。第三部分便再现第一部分。
第三乐章，是全曲的重心和高潮，奏鸣曲式，激动的急板，四四拍的节奏，回到升C小调。充满燃烧激烈的感情，犹如暴风骤雨，令人惊心动魄。这段采用了严整的奏鸣曲式，连串连串的琶音如同惊涛海浪翻滚不息，十六分音符犹如闪电雷鸣，滚滚作响。发展部短小有力，节奏放慢，但紧接着便愈发变得更加强烈。再现部突破热情，达到全曲的高潮，华彩的上行，沉重的低音八度，热烈狂暴的乐思不停地撞击着听者的心灵。
三、月光之术
《月光奏鸣曲》要求演奏者具有极高的演奏技术、饱满的热情，心思细腻，一丝不苟。无论力度、指法、手指触键等这些技术上的要求，还是热烈、轻柔、明朗等感情上的抒发，都要求极其严格。
简单地阐述个人的理解，在第一乐章中，贯穿首尾的三连音必须做到均匀落落，手指贴键，轻轻内扣，手腕连贯，音色清晰，突出右手大拇指弹奏的内声部旋律。主题出现时右手高声部要带有呼唤情绪。高潮起，随着情绪表现和音响的变化踏板的运用变得丰富起来，第23小节高潮开始时松掉踏板给音乐明亮的感觉，一直到底41小节高潮结束后再次加入弱踏板。
第二乐章重视弱起的推动力，三拍子的律动感使音乐如同流水一般。对跳音的要求十分严格，不能过分活泼，必须严格满足一拍的跳音实际演奏效果只有半拍的要求来弹奏。到后面Trio这一段时，要弹奏出小步舞曲的感觉，略带笨重而不快。
第三乐章开头左手要突出八分音符节奏型，右手分解和弦，要注意不能渐强，手指贴键弹奏。十六分音符必须干净利落，旋律要突出明显。发展部是全曲的重点，左手演奏主题的发展，右手要控制对齐，力度也要保持好，往后的和弦可加入弱踏板增加音乐效果，为曲子增添气氛。
四、结语
贝多芬《月光奏鸣曲》 篇4
第一乐章就像是一个似乎被无情现实所压迫的人在深夜的独自沉思, 他曾经有过美好的期望, 就像是一夜成真, 但是却在最后被无情地打击, 将希望撕碎, 剩下的只有一丝绝望与抑郁。对于这一乐章, 贝多芬特意使用了十分朴实的思绪, 即使是这样的构思还是能够建造出一种虚无缥缈的音乐效果, 可以说贝多芬在那个时候就在潜意识下与百年之后的德彪西印象派相吻合。他所运用的艺术手法十分简单, 从音乐最开端就使用了相对简单的三连音营造出一个抑郁中带有绝望的开头, 在之后的四个小节后, 旋律音乐中的#G在乐曲的中音区歌唱, 这时右手要同时实现稳定的三连音伴奏音乐与深沉的后十六分音符的单音乐曲。在之后的第二个主题体现在B大调上, 在音乐旋律的中间部分, 最开始是使用了第一主题, 能够接连的三连音走入高音区, 展现出一种稍微焦躁的情感。之后缓缓地进入到第三段乐曲, 安静地重现出第一主题, 在#C小调出现之后实质上是变化的第二主题。在音乐之后, 逐渐出现的基本动机平缓地进行下去, 直到越来越虚弱地到第一乐章舒缓结束。
在第二乐章中的四分之三的拍子是D大调的三部曲式形式, 也就是小快板。而这段舒缓又具有活力的乐章可谓是过渡性的乐章, 就像是甜蜜恋人脑海中回忆的倒影, 温婉、甜蜜, 有时候也会突然出现一些情绪化。大师贝多芬似乎想借助这段乐章来抚慰失去爱人之后的伤痛, 寄托自己的哀伤情绪。一些音乐评论家也曾经说过这段乐章是唯一一段能够让人们联想到优美月光的旋律。但是在贝多芬的内心似乎沉浸在炽热火焰的海洋中, 这只不过是一个完美的比喻抑或是一段悄悄出现的甜蜜记忆, 不管怎么样, 可以说这段乐曲只不过是贝多芬内心中稍微休憩的插曲。我们在前面已经提起过, 这段简短的乐章被李斯特用语言形容成“在两个深渊中间的一朵花”。能够完整将伤痛哀愁的第一乐章与充满激情残酷的第三乐章相结合, 我们说贝多芬选择了与这两个乐章完全不同的旋律色彩。
在第三乐章中, #C小调中的四分之四的拍奏鸣曲形式, 有着激动的急板。这段乐章就像是在战场上英勇无畏的钢铁流水一样, 快速湍急的大琶音展现出强大的悲愤力量, 不断朝前冲锋。强劲有力的音乐和旋就像是坚硬的盾牌在撞击, 不断擦出野蛮的火花, 而接连滚动的音符就像是瀑布一样, 每一个音符产生的旋律都像是创作者在抒发自己的愤慨之情。从小到大的坎坷经历让贝多芬并没有因此而消沉, 反而促使他成为了一个不断抗争命运的斗士。在最后的一个音乐章节中有两个中心主题, 它们有着强烈的对比性, 能够相互呼应, 并且体现出贝多芬内心的强烈挣扎与矛盾。这些十六分音符所组合而成的分解过程与弦琶音作为第一主题, 从下到上一种在冲击着, 展现出贝多芬敢于挑战坎坷命运的坚强精神, 就像是尖锐的长矛来冲破阴郁的天空。在第二主题中透露出干净与简洁, 就像是年轻一代具有的清新气质, 怀揣着美好的信念来大声歌唱。而这两种主题相互呼应的模式十分多元化, 有时候相互交叉, 有时候对比, 就像是在贝多芬内心中斗争与统一, 展现出他心灵上的波澜。
二、《月光》钢琴奏鸣曲艺术特色分析
一直到现在, 依旧有许多人将美丽的传说与历史相结合起来, 但是根据音乐学者的调查分析, 贝多芬关于这段奏鸣曲是没有亲身经历过相应事件的。他所创作的《月光》钢琴奏鸣曲之所以有这样的标题, 是因为著名音乐评论家莱尔施曾经说过, “这段奏鸣曲很容易会让人们响起了湖泊上的皎洁月光”。曾经贝多芬说过自己的作品二十七号的两首乐曲都像是幻想曲, 他认为《月光》钢琴奏鸣曲的各个乐章之间需要衔接紧密, 不能出现停顿, 这样才能够从最初的乐章用暗示性的形式而逐渐展开, 之后进入到复杂多变的终乐章, 让听众感受到一种高潮效果。在这一阶段的贝多芬音乐创作有着较多尝试性的创作, 想要用创新的奏鸣曲模式的原理来进行创作, 尤其是打破了原有的格局模式, 将奏鸣曲模式融入在各个章节, 可谓是具有里程碑的影响力, 是后面音乐作品所难以企及的位置。
结语
在《月光》钢琴奏鸣曲的音乐创作中, 贝多芬显得不拘一格, 他能够大胆地脱离传统古典主义时期的钢琴奏鸣曲模式, 在当时的奏鸣曲模式往往只是在第一个乐章中运用奏鸣曲形式架构, 但是贝多芬的音乐却选择第三乐章为重点并且专门给予了其奏鸣曲形式, 可以说这在音乐发展历程中是跨越时代的, 能够体现出贝多芬过人的音乐天赋, 与这首音乐奏鸣曲的重要意义。就像曾经一位音乐评论家说过, “音乐声就像是瀑布一样宣泄而下, 而出神入化的钢琴键声竟然能够演奏出那么有力的声响, 之后又变得如歌如泣, 听众们就像是融入到忧郁的音乐旋律之中。接着, 音乐声又一次激昂起来, 代表着战胜世间苦难的凯旋归来。”
参考文献
[1]张蜀婷.拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》音乐与演奏分析[J];阿坝师范高等专科学校学报.2011年01期.
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[5]魏丹洁.贝多芬钢琴奏鸣曲“月光”第一乐章演奏分析[J].大家;2011年14期.
浅析贝多芬《热情》奏鸣曲第一乐章 篇5
一、贝多芬生平简介....................................................................................................1
二、热情奏鸣曲创作背景............................................................................................2
三、作品分析................................................................................................................3
（一）呈示部(小节1―65)...........................................................................................3
（二）展开部：（小节65—135）...............................................................................4
（三）再现部（小节135—204）...............................................................................4
（四）尾声（小节204—262）...................................................................................5
四、演奏版本比较........................................................................................................5
五、结论........................................................................................................................6 参考文献........................................................................................................................6
浅析贝多芬《热情》奏鸣曲第一乐章
摘 要：贝多芬的32首奏鸣曲在整个音乐史中具有极高的地位，其中《热情》奏鸣曲是贝多芬创作的高峰之作，具有交响曲般博大精深的内涵。本文将对此曲第一乐章的曲式结构、弹奏要点、钢琴家演奏版本进行分析。
关键词：贝多芬；热情奏鸣曲 ；曲式分析；弹奏要点；演奏版本
路德维希•凡•贝多芬（Ludwig van Beethoven），是德国最伟大的音乐家、钢琴家，他是维也纳古典音乐的代表人物之一，同时也是最后一位，与海顿、莫扎特一起被后人成为“维也纳三杰”。他是集古典主义之大成、开浪漫主义之先河的一代宗师，被后人尊称为“乐圣”。
一、贝多芬生平简介
贝多芬于1770年出生在德国莱茵河流域的波恩，他的祖父是当地的宫廷乐长，父亲在科隆选帝宫廷礼拜堂担任男高音。贝多芬自幼就显露出音乐上的才能。12岁起，贝多芬就师从涅费学习音乐。17岁那年，他访问维也纳，为莫扎特作了出色的即兴演奏，赢得了莫扎特“有一天他将名扬全世界”的赞语。
1792年，贝多芬定居维也纳，跟随过海顿、阿尔布莱西斯贝格、萨里耶瑞等大师学习，后在罗伯克维茨亲王、鲁道夫大公等贵族的赞助下，逐渐在维也纳奠定了名声，很快便成为出色的钢琴家。贝多芬的音乐经历同他的人生一样，是他内心情感冲突及战胜逆境决心的深刻体现，在他的一生中，他所受到的苦难越深，他对于生命的坚韧力就越强，他的作品也越是感人肺腑和优异绝伦。
贝多芬是音乐发展史上最重要的一位革新者，而他的钢琴奏鸣曲则是音乐史中的一个高峰。贝多芬的钢琴奏鸣曲大多数由三个乐章组成，第一乐章是奏鸣曲式的快板，热情、激动。第二乐章是抒情慢板，反省、柔和。第三乐章是快速的终章或谐谑曲，戏剧性、热烈。在速度上形成快—慢—快的对比。贝多芬的钢琴奏鸣曲在整个钢琴音乐史中占有极高地位，被称为是钢琴家的“新约全书”，与巴赫的平均律“旧约全书”齐名。贝多芬在钢琴奏鸣曲中，充分运用了从老师海顿、莫扎特那里继承下来的形式，但又极其灵活的使这些形式具有戏剧般的新颖效果，引导音乐冲破了古典主义宁静、沉稳、典雅的格式，进入了令人激奋的浪漫主义世界，极为震撼人心。贝多芬的32首钢琴奏鸣曲几乎是伴随着他的一生进行的，可以说，他的奏鸣曲带有一种自传的性质，与他生活中的
经历紧密相连，因此他的奏鸣曲性格呈现出的千差万别也就不足为奇了。
二、热情奏鸣曲创作背景
《热情奏鸣曲》是贝多芬中期奏鸣曲创作中的巅峰之作，也是整个钢琴音乐史中占有最高峰的经典作品。这一奏鸣曲是贝多芬所有作品中最富激情的一部，充满斗志的“热情”像巨浪一样澎湃起伏。有关此曲，贝多芬：“去读一下莎士比亚的名剧《暴风雨》吧!”，莎士比亚的名剧《暴风雨》的里曾说过主题表现的是人类的智慧和毅力必将战胜大自然的力量，这一主题与本曲所表达出来的热情奔放、具有英雄气概的中心思想是完全吻合的。《热情》的标题是汉堡出版商克郎茨因为此作充满激情而起的，原来的曲名是《第二十三钢琴奏鸣曲》（作品57号）（献给弗朗茨.冯.布龙斯维克伯爵）。“热情”的标题没有得到贝多芬的认可，但用于这部英雄豪迈、气势磅礴的作品，是相当恰切的。这部规模宏伟、气势磅礴的巨作表现了高度奋发的热情，反映了贝多芬对时代的感触和认识。它以其生动、深刻的音乐形象，概括了十九世纪初期欧洲人民反对封建、反对侵略的英雄面貌。
《热情》奏鸣曲创作于1806年。当时，贝多芬已写作《英雄交响曲》，他所崇仰的“共和理想”的偶像，曾是为了民主自由而进行斗争的英雄拿破仑，取得政权，背信弃义地登上了皇帝的宝座，并要进行一系列的侵略战争，使得贝多芬既失望，又愤怒，对拿破仑的英雄形象彻底破灭，对热爱自由的幻想性作品《英雄交响曲》也表示失望，愤然撕毁了题写献给拿破仑的一页。从此，他意识到自由必须靠人民自己去争取。而此时，他的耳聋疾患加重，爱情友谊受到挫折，都使贝多芬的内心更加孤独，精神几乎处于崩溃的边缘。然而，倔强的贝多芬是没那么容易与命运妥协的，他以一种超人的毅力，经受住了痛苦的考验，并从生活加诸他的痛苦中汲取了艺术的养分，使自己的精神得以升华，作品在力度，深度上都达到了巅峰。贝多芬虽然对法国侵略者十分厌恶，但他对法国人民十分狂热，对自由、对民族独立仍是赋予极大地热忱，这一时期，贝多芬精神上受到了优秀革命思想的鼓舞、考验。他从失望中重新站立，并从悲剧中获得了坚强的力量，促使了他能以饱满地力量继续与邪恶斗争，他心中抱着必胜的信念，将这一精神充分地表现在《热情》奏鸣曲中，其创作达到了思想性与技术性的统一，理智与情感的统一，将古典主义的理性与庄严、浪漫主义的感性与张扬有机地结合在一起。在《热情》奏鸣曲中所表达的热情振奋精神比贝多芬过去对英雄性的理解更为明确，这首奏鸣曲所表现的悲剧性的深刻、矛盾冲突之激烈和斗争之顽强，都是史无前例的。
三、作品分析
《热情》奏鸣曲的第一乐章是整首作品中最精华的一个乐章，集中体现了贝多芬的创作思想和创作手法。贝多芬为了表达他强烈的激情，打破了传统奏鸣曲式的原则，把呈示部的反复省略了，直接进入展开部，并拓展了展开部、尾声的规模，使展开部的矛盾冲突最尖锐，尾声具有第二展开部的意义，这些都是他在调式结构上的一些创新。第一乐章是甚快板，12/8拍，f小调，奏鸣曲式。以下从《热情》第一乐章各部分的曲式、内涵及演奏技巧来分析。
（一）呈示部(小节1―65)主要主题(小节1—16)
(f)连接(小节17—35)副主题(小节35—51)
(bA)第一个结束主题(小节51—60)第二个结束主题(61—65)。
主部主题是用三个动机组成。动机一
是由相隔两个八度齐奏f小调的分解三和弦，象征具有战斗意志的自我，弹奏时要有节奏韵律和倾向性，避免音乐形象拖沓、松垮。动机二
由充实的和声，级进的旋律以及颤音构成，象征柔弱、惊惶、心惊胆战的自我，弹奏颤音时要轻巧，不能过重。动机三
出现的八分音符三连音，象征的是不可改变的命运。因为这个动机在这里是首次出现，所以要严格按照原定速度来弹奏。在起着连接作用的16-35小节连续出现三次p与ff的交替，象征着沉思与斗争，表现出一种愤怒，呐喊等反抗力量的积聚，弹奏时要把动机一交待清楚，把左手三连音节奏的韵律弹出来。整个第一结束主题象征一股旋风，这是一种充满爆发力的发泄，这爆发力在第二结束主题左手旋律依次下行的三
次反复中消磨殆尽了，表现了理想的破灭和紧张、愤怒的情绪。
（二）展开部：（小节65—135）
引入部分（小节65—135）基本展开部：（小节78—122）展开连接部材料（小节78—90）展开部连接材料（小节91—109）展开副部主题（小节109—122）
再现之前的准备段（小节123—135）展开部的引入部分
首先产生主部主题的两个动机继而将动机二在不同的音高上模进加以发展，使柔弱的自我获得一丝力量，接着主部材料进一步发展，动机一带着明朗的调性在五、六连音的烘托下穿梭在高低音区中变化发展，注意弹出五、六连音的节奏韵律，掌握好时值，音量不能过重，要突出动机一的旋律。整体表现出一股新的战斗力量。随后将呈示部中连接部副部主体材料加以变化发展，整个音乐形象明亮，坚定起来。十六分音符的分解减七和弦，命运节奏动机象征了狂风雷暴。
（三）再现部（小节135—204）
主部主题：（小节135—163）连接部：（小节163—174）副部主题(小节174—190)结束主题在现：（小节190—204）第一个结束主题再现：（小节190—199）第二个结束主题再现：（小节200—204）再现部的主部主题
在属持续音的衬托下，矛盾的冲突在延续，增加了激动气氛，在弹奏时要控制好属持续音的音量，突出主部主题。连接部用F大调和弦开始，与呈示部的连接部形成对比，色彩明亮起来，更富有力量，靠近副部主题性质，但这只是在斗争中看到的一丝希望，并不是最终的音乐形象，弹奏时要注意这一点。再现部的连接是在f小调的属和弦上构成的。副部运用F大调，在f小调开始了结束部。
（四）尾声（小节204—262）
尾声一：（小节204—210）尾声二：（小节210—217）尾声三：（小节218—238）尾声四：（小节239—262）
尾声的规模比较庞大，首先尾声已在低声部阐述截取的动机一材料。再进一步进行模进，变化，弹奏时要突出左手旋律声部，右手声部弹成背景音乐。尾声二在降D大调上阐述副部主题，继而运用分裂、模进等方法加大音乐的紧张度。尾声三将展开部中属准备段的新材料和动机三加以变化发展，琶音式的华彩部的支点从每两小节到每两拍再到每拍，弹奏时要突出这些支点音。十六分音符琶音快速上下跑动，使音乐掀起了一阵高潮，紧接着是动机三的再现及变化，通过动机三的变化，速度逐渐缓慢。尾声四开始时突然爆发的、变化后的动机三像是突然下的决心，这是真正的结束，副部主题被截取部分进行变化发展，音乐形象坚定起来，整个情绪进一步激昂，左右手轮流交替的强奏和弦使激情达到顶峰，动机一的片段在十六分音符衬托下，伴着p—pp-ppp音量，从高音区往低音区下行，形成慢慢走远的感觉，结束了第一乐章，象征着胜利还没来到，斗争还需要继续进行。
四、演奏版本比较
正是因为贝多芬巧妙的将对现实社会的不满、质疑、渴望得到解决以及自身的各种情绪等融合在《热情》中，使音乐情绪高度紧张，达到内容与情感的融合，使得作品气势磅礴，有着鲜明的音乐形象以及丰富的内涵。所以贝多芬创作《热情》一直延续到现在，演奏贝多芬这首奏鸣曲的钢琴家数不胜数，下面谈谈几位钢琴家所演奏的版本。
施纳贝尔（Artur Schnabel）是历史上第一位把贝多芬32首钢琴奏鸣曲录制下来的钢琴家，虽然技巧不如新一代钢琴家，如第一乐章59-63小节的十六音符他就弹得不均匀，但他善于把握作品的宏观结构、线条和风格。他演绎的热情音色层析分明富于变化，节奏具有动力性，是整个曲子的情绪高涨，表达了热情奏鸣曲的内涵。
巴克豪斯(Wilhelm Backhaus)虽然与施纳贝尔同属德奥学派，但他的演奏则崇尚技巧,具有宏大有力的特点，富有动力感。他的技巧扎实，演
奏严谨精炼，忠于原作，给人淳朴的感觉。他演奏的第一乐章比较注重思想性而较少行动的痕迹铿锵有力，连续的十六分音符均匀，干净利落。
肯普夫（Wilhelm Kempff）关注作品明显的结构、歌唱的音质，不追求速度，从而尽量使演奏变得高贵典雅。他演奏的《热情》奏鸣曲精雕细琢，注重心理刻画。
李赫特（Sviatoslav Richter）虽没录过贝多芬钢琴奏鸣曲全集，但他的贝多芬音乐却有着贝多芬特点——气势磅礴和令人压抑，不过有时显得神经质，强弱悬殊很大。他在1960年版的《热情》，第一乐章音色清晰，恰到好处，主要通过速度与音色来表现矛盾冲突。
这些钢琴家从各自的角度去理解，诠释《热情》，无论他们的演奏风格多么富有个性，他们均根据作品的乐谱有关知识，才得出了自己的演奏逻辑。我们演奏此乐章时，一定要注意分析作品的背景，曲式，内涵，掌握弹奏要点，了解钢琴家的演奏版本，才能正确的诠释这首作品。
五、结论
第一乐章的曲式结构将回旋曲的特点与奏鸣曲快板的特殊戏剧性相结合，高超地表达了它想要表达的内容，在本乐章中达到了形式与内容的完美结合。另外，由于乐思剧烈展开的要求，贝多芬在本乐章中突破了对于早期奏鸣曲式的某些习惯性的处理手法并极大的提升了奏鸣曲式的表现程度，如：摈弃呈示部的反复；更加注重调性的发展逻辑；呈示部中结束部调式的改变；巨大地提升了尾声部这一音乐附属结构的音乐功能等等。奏鸣曲式在经历巴赫、海顿、莫扎特等人的发展后，在贝多芬手中达到了别人无法企及的高度成熟。
参考文献
浅析贝多芬钢琴奏鸣曲演奏技巧 篇6
关键词：贝多芬 钢琴奏鸣曲 演奏技巧
贝多芬的钢琴曲具有独特的魅力和很强的节奏感。在弹奏表演的时候，他挖掘并运用多种技巧。例如：将钢琴音区与弦织体完美的结合起来，同时运用踏板巧妙的配合，从而产生美妙动听的音乐。因此，演奏技巧在整个作品从创造再到演奏起着不可忽视的重要作用。
一、演奏技巧在演奏中的必要作用
（一）能够更好彰显出现代钢琴音乐的表现力
贝多芬作品主要内容来源于实际生活中，在对音乐创作时，把古典的音乐模式与手法进行改进和创新，使得传统的古典音乐焕发出了新的生命力。在音乐创作中，加大作品间的对比，进而使得音乐的跨越性进一步增大，突破了原来钢琴曲快一慢一快的局限，将它们扩大到整个作品的每一个段落和每一个小的连接句，整个作品将会充满活力。独特的创作背景加上巧妙奇特的运用演奏技巧，从而使作品超越了时代，现代钢琴音乐的表现力得到了进一步的提高。
（二）使整体变得更简练和紧凑
在对贝多芬钢琴奏鸣曲的浅析过程中，应该将演奏技巧和方法绝妙的结合在一起。在他作品中的连接部分是需要我们加以重视的部分，在整个曲目中起到了关键作用。強音和弱音的转换，每一个音调结合踏板，如何使用强音，这些都反映出停顿的连间歇性。而贝多芬在连接的部分创作，结合了许多自己创新的表现手法，使我们对他的作品听起来慷慨激昂具有自由感和愉悦感，他的音乐旋律也可以衔接紧密，对于完整作品来说，也变得简练从而更加紧凑。
二、贝多芬的钢琴奏鸣曲独特演奏风格
（一）贝多芬自身音乐风格
贝多芬很喜欢使用短小的小段落当做创作时的技巧，而在贝多芬的作品风格角度来讲，他的作品风格以及表现形式已经达到了近乎完美的表现。在弹奏的同时，给人带来一种细致微妙而不失大雅的体会，进而达到了生动贴切的表现效果。因此，可以说贝多芬自身音乐风格特别独特，其中运用和创造了新奇的表达方式，而且运用的得心应手，相得益彰，所以，许多极其旋律优美的钢琴奏鸣曲就由此诞生了。
（二）力度占据重要地位
贝多芬自己的在演奏时跟莫扎特的短小精悍大不相同，他喜欢昂扬向上的演奏，喜欢用当时音色浑厚的钢琴。但这种乐器对于他来说也不能满足。他有时还故意把琴弦弹断，这说明弹琴不仅仅局限在用手指来弹钢琴。贝多芬对音色也有很多想法和追求，有时需要将整个大臂的全部力量都要放在手指尖上的方法来弹奏曲目，而且还要跟着曲调的变化来不停的调整手指尖力度的大小，有时则不需要，所以力度的大小也占据很重要的地位。
（三）演奏速度的把握
在弹奏贝多芬钢琴奏鸣曲时，应该特别注意速度的快慢。因为速度在奏鸣曲风格中非常重要。虽然贝多芬的曲风是浪漫派的，然而他的钢琴奏鸣曲大部分却都属于古典音乐，古典音乐的作品在演奏速度上就规定速度平缓、均衡，不能随便改变演奏速度的快慢。在弹奏曲目的同时必须要做到速度的平稳与一致，在弹奏到一些比较自由的地方时，可以对谱子做一些小的的变动，但一定不要做太大改动，把握好合适的弹奏的速度是很重要的。
三、贝多芬的音乐风格的培养
（一）追随贝多芬艺术风格
与音乐界其他音乐家比较，贝多芬的钢琴奏鸣曲在表现风格和创作形式上与著名音乐家海顿十分相像。也可能是由于贝多芬是海顿的学生，从而受海顿艺术风格的影响比较大，在作品中也充分反映出他自身坚强不屈的性格和对生命、对生活的美好追求与向往，两位大师都具有反映现实生活的写作风格，在曲目的结构上，连环紧凑，音色音调抑扬顿挫。所以，弹奏者可以在进修贝多芬的钢琴奏鸣曲的同时，也稍加学习海顿大师的作品，将会对自己有所帮助。
（二）正确巧妙的运用力度
贝多芬的在弹奏过程中常常运用有力度的音调，所以他的曲调变化较大，力度波动感也比较较强。这是他作品中常用的表达方式。弹奏者用相同手法和力度去弹奏莫扎特的一些曲目，并不会显得格外费力，并且感觉难度也不会很大，而如果用相同方法来弹奏贝多芬的奏鸣曲，那就完全相反了。弹奏者力度的控制的大小是谱子浑然一体的。在弹奏的时候，应该对下边的变化规律引起重视，弱音不是通过逐渐变强后突然变弱，而是要直接跳到强音，也要避免在强音前面出现弱拍或者半拍的情况等。
（三）准确的把握演奏速度
贝多芬的音乐偏向于古典乐风格，自然古典乐就要求演奏速度上的平稳，我们要想更好的学习贝多芬的音乐风格，我们必须注意好每一个细节部分，也要准确的把握演奏的速度，从而使我们的音乐水平得到进一步的提高，若速度不一致的话，就会大大的加重了音乐的紧张度，音乐也将会从激动不安到惊心动魄的变化幅度会进一步扩大，而恰恰不是我们想要的效果，因此，要格外注意，平稳的演奏速度是整个作品中不可分割的一部分。
四、结语
贝多芬的音乐创作能体现出一种顽强的生命力，这一作品的风格是独一无二的，体现了他对生命的热爱和对自然的追求。在演奏技巧上，他把弦织体与钢琴曲完美的相结合，更加展现出钢琴曲的独特魅力。在演奏过程中，结合踏板的运用使得奏鸣曲表现极为丰富。贝多芬独特的艺术风格，一具引领了现代音乐，进而使得钢琴曲的创造达到高峰。
参考文献：
[1]沈颖.试论贝多芬钢琴奏鸣曲的演奏技巧[J].教育学院学报，2013，（07）.
简析贝多芬钢琴奏鸣曲《告别》 篇7
鲁道尔夫大公是L788年1月18日生于意大利的翡冷翠, 是意大利皇帝雷奥波多二世之幼子, 也是神圣罗马帝国的最后一位皇帝弗朗兹一世之弟。鲁道尔夫大公是支持贝多芬的许多王公贵族中最有力的一位, 他与贝多芬交往是自1804年开始, 并在贝多芬门下学习钢琴与作曲, 对贝多芬怀有很深的理解, 他们之间的师生友谊远远超越了彼此的社会地位和差异。鲁道尔夫大公的音乐造诣很深, 十六岁就能拿老师的作品作为主题写作变奏曲和室内乐曲, 他热爱音乐, 而且鼎力赞助与支持音乐活动, 是贝多芬最大的保护人之一, 也是贝多芬推心置腹的挚友。鲁道尔夫大公在艺术上对贝多芬心悦诚服, 不仅是贝多芬孤苦寂寞的晚年朋友, 而且在贝多芬最困难的时期给予经济上、精神上很大的支持和帮助。
贝多芬称这首奏鸣曲为“有特性的奏鸣曲”。“告别”一词本身隐涵之义是乐观的。贝多芬除了这首《 (告别) 奏鸣曲》外, 还题献给鲁道尔夫大公的作品有著名的《第四钢琴协奏曲》、《第五 (皇帝) 钢琴协奏曲》、《降B大调钢琴三重奏》、《 (锤槌) 奏鸣曲》、《钢琴奏鸣曲》、《庄严弥撒曲》、《大赋格》等等, 由此可见, 贝多芬对这位大公是抱着何等真诚的感激之情。
1809年4月9日, 奥法战争爆发, 拿破仑的军队把维也纳重重包围, 于5月12日攻进维也纳, 鲁道尔夫大公为了暂避战火, 于5月4日离开了维也纳。鲁道尔夫大公的离开, 拿破仑军队的入侵, 贝多芬和所有的奥地利居民一样, 经受了入侵的重压, 在他心中加深了对侵略者的仇恨。1809年对于贝多芬来说是沉重的一年, 战争的煎熬、生活的灾难、疾病和严重的物质困难, 但贝多芬始终没有低头, 在他的世界观中已经充满了增长起来的爱国主义因素。贝多芬在鲁道尔夫大公离开之后傍徨无主, 在其依依不舍的感情下, 捺不住地写下了这首奏鸣曲的第一乐章, 并在草稿薄上特别注明“告别, 1809年5月4日维也纳。尊敬的亲王, 鲁道尔夫大公出发之际。”
第一乐章《告别》, 与总标题相同, 用鲜明的奏鸣曲式写成。慢板, 降E大调, 3/4拍子;转快板, 降E大调, 2/2拍子。这一乐章表现出深厚真挚的离别之情, 开头的3个和弦上面就附加有“告别”字样, 可谓“开宗明义”。整个乐章以乐观为情绪基调, 但也适当地表现了告别时依依不舍和淡淡的忧伤。音乐表现出马车奔驰在旅途中朝气蓬勃、愉快欢腾的情景。呈示部的主部主题热情奔放, 副部主题是前面动机的旋律转位, 十分紧凑。引子中开始的3个四分音符是“告别”的动机。全乐章就由这个动机构成, 如号角一样向前进行, 又像是在歌唱, 始终贯穿着整个乐章, 直至最后才消失在结尾的旋律中。第七小节, “告别”的动机轻轻地第二次进入, 转入降C大调, 有点令人迷惑不解。而第十八小节, “告别”的动机再次出现, 第一、第三拍上的四分音符是断奏。第三十九小节是在降B大调的和弦上, 并在持续音上延伸了11小节。左右的节奏及断音犹如马蹄声, 如同马车奔驰在去往远方的途中。从第五十小节开始, 进入降B大调的副主题, 安静如歌, 延长的音符扩大了“告别”的动机。展开部比较短小, 建立在告别与惜别的情绪基础之上。再现部又与呈示部大相径庭, 庞大的尾声极富诗意, 在第一百九十九小节里, 八分音符与全音符作对位进行, “告别”的动机上下变化。演奏时左右手都要弹得连贯、流畅, 表现出作曲家的真挚感情。最后结束在有力、响亮的和弦上, 仿佛马车渐渐离去, 画面形象而富有诗意, 具有极强的情景描绘作用。整个乐章以鲜明的小标题形成统一乐感, 起到了“龙头”的带动作用。
1809年10月14日, 奥法战争结束, 同年11月法军撤退。1810年1月30日, 阔别九个月的鲁道尔夫大公又回到维也纳。为了表示大公不在时的寂寞难安的心情, 贝多芬从1809年5月至10月间完成了题为“别后”的第二乐章。
第二乐章《别后》, 是一首孤独的歌唱性音乐, 美妙而略显忧郁色彩的行板, 纯朴而简洁的旋律线条, 幽寂地表达了作曲家想要留下朋友那种真挚深厚的情感与怀念朋友的寂寞情绪。此段乐曲为C小调, 2/4拍子, 较高等级的回旋曲式 (没有展开的奏鸣曲式) 。主要主题音调板富感情, 在自由中充满强烈的表现力, 并流露出担心、不安与某种凄凉的感觉, 如呼唤, 似期待。副部主题出现在G大调上, 在音色上也有明显的变化:明亮如歌, 与悲伤的主部主题形成鲜明的对比。再现部终止乐句出现时, 旋律的浮动加深了忧郁不安的情绪。演奏时要充分表现作曲家期盼光明、憧憬美好, 盼望与朋友重逢的殷切心情, 并表现作曲家晚年作品的艺术韵味——深厚而细腻。
在标有“重逢”的末乐章草稿上, 贝多芬以兴奋的重见之情写下:“1810年1月30日, 尊敬的亲王, 鲁道尔夫大公归来。”
第三乐章《重逢》, 十分活泼, 充分体现出全曲乐观的主基调。降E大调, 6/8拍子。表现作曲家与朋友重逢时的喜悦之情。演奏时右手十六分音符的急速流动要像暴风骤雨一样, 充分表现作曲家沉浸在重逢中的欢乐之情。第十七小节主部主题移向低音声部, 音乐由弱到强, 这是作曲家从内心深处流露出来的抒情曲调, 温柔而典雅, 以低音声部反复。灿烂的经过句, 清晰的断奏、辉煌的小音型表现出钢琴美妙绝伦的艺术效果。第二十三小节, 主题依然浮现在低声部, 右手采用八度分解和弦形式与左手连贯进行, 紧密整齐。第二十九小节两个FF (很强) , 要用右手分解弹出一个灿烂的经过句, 左手的密集和弦伴奏速度不要过快, 节奏要分明。第三十七小节短促的四分音符要有断续的军号声的效果。副部主题在降B大调上出现, 是变奏的重复乐句, 将主题分割成若干小乐句, 以变奏、反复、左手向右手做呼应的弹奏, 表现欢快明朗的情绪。展开部的第八十三小节, 是副部主题的主要构成要素。当主部主题提高了八度音时, 采用十六分音符织体的波浪型节奏形式。副部主题则移调至降E大调上再现。八度旋律要弹得丰富俊俏, 左右手的连断奏要异常准确。第一百七十八小节以后为全曲尾声, 具有欢呼声般的明亮特点与即兴性性质, 表现了作曲家内心丰富复杂的情感。最终, 全曲在高昂欢腾的气氛中结束。
《 (告别) 奏鸣曲》是一首充满温暖感的作品。在表现上有一个特征——即贝多芬首次取用德语的标题和表情记号在乐谱上, 虽然不是很彻底, 但已经表明这是战败的屈辱激发了贝多芬的爱国主义精神。安·鲁宾斯坦特别高度地评价这首奏鸣曲, 他写道:“……奏鸣曲是多么富有表情, 我对这音乐是如此熟悉, 可以在每个小节下面写下言语, 可以指出其中所有的感觉, 甚至告别时的所有姿势, 眼神和拥抱。但是, 从崇高到可笑之间只有一步, 我们不跨越这一步……没有比最后乐章第一主题更诚挚的曲调了。它在各种声调中出现, 就象真的是在相会, 快速的经过句描绘了喜悦的冲动, 三和弦八度断断续续的重音犹如急不可待的询问等等………”
总之, 这首奏鸣曲就其内容和其中贯穿的精神而论, 它已经接近了浪漫派的音乐, 已经洋溢着浪漫主义精神的奏鸣曲性质, 织体与和声有许多创新特点, 寻求真实的心理形象和内容相适应, 具有先进的、深刻的、向往自由的形象。贝多芬把这首附有标题的奏鸣曲呈献给鲁道尔夫大公, 正是寄予对大公的惜别之情和诚挚的友谊, 那么, 这首奏鸣曲的含义就十分明确了, 所具有的内容与性格表现就极为被人们明白了。的确, 贝多芬创造了极其明白易懂、深受人们喜爱的作品, 标题的内容越出了贝多芬个人具体的事件, 上升到了普通的意义, 贝多芬力图从纯个人的行为和命运出发来表现普通的人类社会因素。
摘要：贝多芬是近代伟大的钢琴家.他创作的32首钢琴奏鸣曲将钢琴艺术推向古典音乐的顶峰。文章通过对贝多芬钢琴作品《告别》奏鸣曲的演奏、曲式及音乐性格等多个方面的分析, 揭示了乐章中复杂的感性和深刻的哲理。展现了贝多芬其伟大的思想, 传奇性的情感为弹奏者更好的领悟作品提供参考。
关键词：贝多芬,奏鸣曲,曲式,情感
参考文献
[1]唯民编.贝多芬论. (译文集) .人民音乐出版社, 1991.
[2]郑兴三编著.贝多芬钢琴奏鸣曲研究.厦门大学出版社, 1994.
贝多芬《“热情”钢琴奏鸣曲》解读 篇8
本文对《“热情”钢琴奏鸣曲》的时代背景、内在逻辑、创作特点等进行了探究解读。
一、作品的时代背景
《“热情”钢琴奏鸣曲》于1804年开始创作, 完成于1806年, 属于贝多芬第二创作时期的代表作。这一时期是贝多芬创作的鼎盛时代。有人说, 这一时期是他“英雄主义”创作时期, 因为此间他所写的大部分杰出作品, 如《“英雄”交响曲》、《“黎明”钢琴奏鸣曲》, 歌剧《费黛里奥》, 等等, 都带有强烈的英雄主义色彩。
1804年是贝多芬心境沉重的一年, 这其中有对拿破仑称帝的彻底失望, 有双耳失聪的疾病摧残, 有爱情生活的痛苦挫折, 有个人内心的极度孤独, 而所有这些也许构成了产生伟大悲剧性作品的主观要素。贝多芬叛逆的性格使得他一直在同命运进行着抗争。他认为, 无论贫富贵贱, 只有自我才是精神的主人和音乐的主宰。在经历重重磨难之后, 他的自我意识进一步升华, 从而将个人的命运置于巨大的社会变革中。贝多芬作为维也纳古典乐派大师中的最后一位, 他不仅受到了德国“狂飙突进”运动的熏陶, 而且受到法国大革命的巨大影响。音乐中出现了前所未有的激情, 大幅度的情感表达令人震惊, 他对人类情感世界的开拓, 无论在深度上还是在广度上都大大超越了前人。他从广大人民中汲取意志、激情, 把自己的全部天才投入到为理想实现的斗争中, 充分体现了勇往直前、自强不息的大无畏精神。这一切无不体现在他所钟爱的《“热情”钢琴奏鸣曲》中。
号角性的主题拉开序幕: (第一乐章第1小节)
强烈的情绪对比、顽强的音乐节奏表达着戏剧性的发展动力: (第一乐章第16小节)
同音重复构成延续性的低音, 和弦主题似乎从中摆脱出来向上飞翔: (第一乐章第135小节)
《“热情”钢琴奏鸣曲》中的英勇、革命因素使得饱含悲剧性的音乐成为激励、鼓舞的精神力量, 贝多芬这位自由音乐家用音乐感召着人们为自由和幸福而斗争, 它所表达的振奋精神反出映法国大革命之后广大人民的英雄性。
二、作品的内在逻辑
《“热情”钢琴奏鸣曲》的曲式结构是这样的:
第一乐章
很快的快板, f小调, 12/8拍子, 奏鸣曲式:
呈示部 (主部:f小调, 副部:降A大调) →展开部→再现部 (主部:f小调, 副部:F大调) →尾声
第二乐章
流畅的行板, 降D大调, 3/4拍子, 变奏曲式:
A+A1+A2+A3+尾声
第三乐章
从容的快板, f小调, 2/4拍子, 奏鸣曲式:
引子→呈示部 (主部:f小调, 副部:c小调) →‖:展开部→再现部 (主部:f小调, 副部:降A大调) :‖→尾声
第一乐章往往是一首奏鸣曲的核心部分, 它集中地体现了作者的创作思想和手法。呈示部中, 主部主题以f小调出现, 带有悲剧性色彩。双手齐奏的分解和弦音型, 仿佛阴暗的幽灵在徘徊, 不断地提出质疑, 这种沉思般的音调塑造出庄严、肃穆的气氛。继而出现的“命运”动机:XXXX, 随着音乐的发展, 时而预示着暴风雨前的黑暗, 时而充满危机, 时而又似威严的警钟, 直至最终成为强有力的具有号召性和鼓舞性的音调。这种以一个固有形式贯穿始终的发展手法使得音乐保持了一致性, 同时也使音乐思想得以深化。紧接着主部主题的是和弦的连续进行, 产生的强烈效果与先前的深沉形成反差, 但是音乐素材仍然来源于主部主题。当主部主题第二次出现时, 它被转化成切分节奏, 更具备坚定、强劲的力量感。副部主题则是明朗宁静、抒情宽广的, 由主部主题倒置转到降A大调上构成, 显示了它与主部主题在节奏、音调上的相似性。它的音乐形象显得坚定而充满信心。结束时, 高声部不断变化的快速音型和低声部代表“命运”的音型结合在一起, 剧烈的震荡重新开始, 进一步形成了紧张、悲愤的情绪。
展开部将主部主题的材料加以发展, 在展开过程中转到了大调上, 因此一开始带有疑问色彩的主题形象变得坚毅起来。副部主题在展开部中进一步深化。两者不仅在调性上, 更在情绪和性格上彼此接近。悲剧性、英雄性、抒情性……众多复杂多变的情感, 在贝多芬笔下却能用最简洁、精炼的素材和手法来表现与展开, 音乐材料体现出戏剧性对比与统一的特点。
再现部在低音区连续不断的轰鸣声中开始。强大的尾声充满了奔腾咆哮的巨大动力, 主题被高高抛起, 在突然的跌落中结束。
第二乐章是降D大调上的抒情性主题变奏。庄重的和弦进行式主题运用了圣咏合唱的织体, 具有宗教意义, 与第一乐章形成鲜明的对比。
第一变奏保留了主题的轮廓, 但节奏有所改变。右手把原来的连奏音变为较短的断奏音, 左手则把主题的节奏加以切分, 音乐形象显得十分亲切美好。
第二变奏以音区变化为主, 节奏变化为辅。右手弹奏十六分音符的分解和弦音型, 左手保留了之前的低音线条。整个材料比原先移高了一个八度, 变得轻淡、稀薄, 富有幻想性色彩。
前两个变奏保留了主题反复的曲式结构, 但在最后一个变奏中, 主题不再反复。贝多芬根据主题开头的音乐动机构筑旋律, 并在它的周围编织了快速进行的音型, 体现了辩证统一的构思。
尾声部分中, 主题旋律在不同音区做问答式处理, 高音区和弦的出现使得主题有了新的宽度。乐章并没有在此结束, 而是在主题材料的最后一次陈述之后以一个刺耳的减七和弦中断结尾, 直接进入辉煌的第三乐章。
在第三乐章里, 各个主题因素并不十分鲜明, 呈示部、展开部和再现部也没有明显的划分。在简短、尖锐的引子之后, 右手十六分音符形成的音流出现, 它与左手短促果断的节奏音型形成对比。这一材料贯穿在整个乐章中, 其连续不断的发展, 形象地表现了时代潮流奔腾向前、一泻千里的气势。乐曲的情绪在尾声中达到高潮, 斩钉截铁的节奏型和雄壮有力的音乐展现了群众性的舞蹈场面。全曲在热烈辉煌的气氛中结束。
三、作品的创作特点
1. 力度
在这首奏鸣曲中, 力度毋庸置疑的被视为音乐表现的重要手段之一, 全曲具有强烈的、戏剧性的力度起伏特性。
例如, 呈示部中两种素材的对比与力度的对比往往结合在一起, 用以表现觉醒的斗争意识: (第一乐章第12小节)
而就在这势不可挡的洪流般强奏后面, 理应把情绪贯穿至最后一个和弦, 但大师的独到之处正是在于他能巧妙地做到“意料之外, 情理之中”, 这里的弱奏显然比平铺直叙的力度运用要高明得多: (第一乐章第15小节)
这里力度的强烈对比表现出矛盾各方尖锐的对立和戏剧性冲突, 是贝多芬特有的构筑手法之一。
贝多芬在音乐高潮的表现上也有精妙之处。一般而言, 高潮往往通过强音逐渐递增至顶点来表达, 而贝多芬则采用渐强到达至顶点时突然减弱来增强音乐的紧张感。
2. 踏板
多用踏板是贝多芬独创的又一音乐表现手段。为了追求泛音和余音的音响效果, 贝多芬运用踏板的持续踩踏来追求一种特殊的氛围。例如, 这首奏鸣曲第一乐章的结尾处, 踏板的持续运用使得余音很长, 形成一种走向寂静的远方并逐渐消失的意境。
贝多芬还通过使用踏板, 使得强奏的和弦性音响与急促的音型产生一种具有凝聚力的音块效果, 产生空前的动力: (第三乐章第176小节)
另外, 当需要在持续鸣响中产生泛音效果时, 当和弦、琶音需要获得支撑时, 当一个音需要突出于周围的音符时, 我们都会看到贝多芬运用踏板记号。
3. 曲式
在《“热情”钢琴奏鸣曲》的第一乐章中, 贝多芬放弃了奏鸣曲式呈示部需要原样反复的常规, 使乐章内部各个部分不间断地发展。他对尾声这一部分进行了扩展, 使用了与奏鸣曲式三个基本部分相抗衡的大型尾声部, 他将尾声变成了对前面音乐材料作进一步评述的手段。这四个几乎同样重要的部分与奏鸣曲快板乐章的特殊戏剧性相结合, 大大提高了乐曲的动力性与紧张性:
呈示部 (65小节) →展开部 (69小节) →再现部 (69小节) →尾声 (60小节)
再现部理论上结束在第203小节, 因为此处音乐已经回到了f小调主和弦, 而且主和弦持续了3个小节, 所以这3个小节既是再现部的结束, 也是长达60小节的尾声开始。规模如此之大的尾声, 在海顿、莫扎特的钢琴奏鸣曲中难以找到。
摘要：文章从时代背景、内在逻辑、创作特点等方面解读贝多芬《“热情”钢琴奏鸣曲》, 挖掘这首钢琴奏鸣曲的艺术价值, 为学习和演奏该作品提供理论支撑。
关键词：贝多芬,《“热情”钢琴奏鸣曲》,时代背景内在逻辑,创作特点
参考文献
[1]阿特斯.奥尔加.贝多芬的一生.人民音乐出版社, 1989.
[2]龙本裕造.贝多芬及其独创性研究.世界知识出版社, 1998.
[3]罗曼.罗兰.贝多芬:伟大的创造性年代.三联书店, 1998.
贝多芬钢琴奏鸣曲的艺术特征 篇9
在欧洲的钢琴奏鸣曲中, 贝多芬在初期一直遵循古典形式的创作方式, 但在其独创性的驱使下, 贝多芬开始挣脱传统束缚, 寻求更为自由化的创作方式。随着生理和心理日趋成熟, 贝多芬的独创性发挥得更为淋漓尽致, 其奏鸣曲呈现出的曲式结构的完全自由性, 最能体现贝多芬在创作钢琴奏鸣曲方面的天赋。
一、贝多芬钢琴奏鸣曲
钢琴奏鸣曲是欧洲古典音乐中最为常用的大型、多乐章的钢琴作品结构形式。贝多芬的早期作品在欧洲古典音乐的影响下, 呈现出的古典艺术性尤为明显。众所周知, 贝多芬是音乐界的天才音乐家, 他的32首钢琴奏鸣曲一直被认为是钢琴家的“新约全书”。
在音乐上的不懈追求加之天赐禀赋, 在其独创性下, 贝多芬纵情于寻找更加自由化的创作和演绎。与之前的钢琴家相比, 他的钢琴奏鸣曲呈现出更加扩大化的音域、更加明显的对比力度, 手指弹奏技巧明显提高, 同时其奏鸣曲曲构内部的对比更为突出。贝多芬挣脱传统束缚, 刻意求新到完全自由化的曲式结构, 成就了贝多芬完全自由化的钢琴奏鸣曲巅峰时代的到来。
二、贝多芬钢琴奏鸣曲的艺术特征
贝多芬钢琴奏鸣曲在不同阶段呈现出的不同艺术特征, 不仅让我们看到了贝多芬将欧洲古典乐派推向新的高峰, 也让我们看到了贝多芬的天才禀赋, 在其独创性下呈现出的钢琴奏鸣曲的内容与演奏风格的不同。
1. 贝多芬钢琴奏鸣曲呈现出古典艺术性。
在欧洲古典音乐中, 钢琴奏鸣曲是最为常用的, 也是最为大型、多乐章的作品结构形式。这个时期的钢琴奏鸣曲, 难以避免都带有古典艺术的特征。贝多芬也不例外, 其在3岁之前的钢琴奏鸣曲也印有古典艺术特征的烙印。在这一时期, 他遵照欧洲古典艺术形式进行创作, 其独创性也逐渐显露出来。
1798年出版的Op.10, 就是贝多芬在尊重已有创作规则的前提下, 呈现出自己创作观点的作品。其中第四乐章更为完美地体现了高度创作性的头脑在传统乐章规则中的挣脱与纠缠, 并完美解决了表现主题的问题。
2. 贝多芬钢琴奏鸣曲逐渐走向非正统性。
在贝多芬早期的创作中就开始呈现出其在传统束缚中表现出来的独创性。随着他天才禀赋的成长, 他迎来了其钢琴奏鸣曲的发展的新时期。在这一时期, 他想要摆脱古典形式的约束, 致力于改变奏鸣曲的形式, 开始使创作完全服从其想象力的驱使。在这一时期, 贝多芬的心理和生理更趋于成熟, 其创作的钢琴奏鸣曲也逐渐走向非正统性。对于贝多芬钢琴奏鸣曲的非正统性的艺术特征, No.2, D小调是最好的例证。在属调部分, 它简短的引子和Allegro互为补充, 而当整个过程在第七小节被重复时, C大调却意外地成为开始。直至到了第二十一小节, 才有了D小调的完美段落。No.2, D小调更为深刻地体现了贝多芬此时期的钢琴奏鸣曲趋于非正统性的特征, 也突出表现了他在钢琴奏鸣曲上非同寻常的具有独创性的艺术创造。
3. 贝多芬钢琴奏鸣曲呈现曲式结构的完全自由性。
贝多芬在钢琴奏鸣上的独创性在前期只是显山露水而已, 但在后期, 他的这种创作上的独创性和受其想象力驱使的力度则表露无遗。贝多芬摆脱一切束缚, 倾向于曲式结构的完美自由的表现。这一时期, 贝多芬钢琴奏鸣曲的突出特点是:即兴性、深刻哲理性、心理探索性以及浪漫艺术性。
在这一时期的作品中, 创作于1816年的《A大调奏鸣曲》 (Op.101) 更为突出地体现了这一时期贝多芬的创作特点。在《A大调奏鸣曲》 (Op.101) 中, 贝多芬创作了一种在钢琴奏鸣曲中从未出现过的混合风格、慢速引子和奏鸣曲快板乐章, 其中展开部分包含了一首赋格。《A大调奏鸣曲》 (Op.101) 因其独有的混合风格, 被称为对位协作方面最为神奇的作品。
三、小结
贝多芬《黎明》奏鸣曲的演奏分析 篇10
路德维希·凡· 贝多芬 (Ludwig van Beethoven) , 生于1770年12月16日, 死于1827年3月26日。德国作曲家和音乐家, 维也纳古典乐派代表人物之一。
路德维希·凡· 贝多芬的代表作有交响乐《英雄奏鸣曲》、《命运交响曲》、《田园交响曲》、《欢乐颂》, 钢琴奏鸣曲《黎明》、《悲怆》、《月光》、《暴风雨》、《热情》、《幻想》、《致爱丽丝》, 弦乐四重奏《大赋格》等。他的作品对世界音乐的发展有着非常深远的影响, 因此被尊称为“乐圣”, 在世界交响音乐界, 有着极其崇高的地位。
二、《黎明》的音乐特点
《黎明》这首奏鸣曲以其内容和形式来说, 是贝多芬最精妙的奏鸣曲之一。这首曲子内容丰富、技巧华丽, 贝多芬钢琴技巧也进一步走向辉煌。贝多芬才华横溢, 有着巨大的想象力和超人的精力, 吸取了民间音乐的丰富养料, 写出了这首积极地利用高音域的奏鸣曲杰作, 其音乐形象与光辉明朗的大自然心心相印。
这首奏鸣曲也因为反应大自然的形象, 它包含了崇高的诗意形象。因此这首奏鸣曲又被叫做《黎明》。而这一标题在贝多芬的原谱上是没有的。但这并不与其相矛盾, 此曲最大的特点构思雄伟、乐思新颖、具有丰满的抒情性, 反映了贝多芬对大自然热爱。这首曲子的构思也完全与以前的曲子基调相反。这首曲子充满了大自然的诗情画意, 是贝多芬从古典风格向浪漫风格时期转变的阶段, 从另一个方面反映了贝多芬中期创作的全新姿态。
三、《黎明》的演奏方法
乐章中最初的动机是四小节, 是轻巧的断奏 (staccato) , 而后是渐强 (crescendo) 直至强 (forte) 。要正确地把握速度, 掌握好乐章的基本脉动, 力求光辉灿烂。低音区的沙沙声和暗示性的和声的效果, 表达了生活的喧哗, 很容易让人联想到早上的黎明。
在14小节, 连接段落。采用颤音的变奏型, 把主要主题的开始用十六分音符进行变奏, 大臂在手指触键后要放松, 但同时也是向副主题转调性的过渡, 要注意十六分音符连绵不断的线条, 音乐又开始清新、明快中流动, 喧哗又活跃起来, 吱吱的鸟叫、淙淙作响。第23小节, 连奏 (legato) 并且充满激情, 三度关系的副主题调性和旋, 右手的十六分音符的快速音群必须十分轻柔、均匀、清澈, 用P清楚的弹出, 并与左手分解和旋十六分音符步调完全一致, 音乐上是热情的。不要用踏板, 左手轻巧, 突出右手的抒情性。从27节开始渐强, 第28小节每个音群的音头必须强调出sf。在31小节开始要弹出慢慢起伏的感觉八分音符中隐藏着二声部的四分音符旋律线条, 可以稍微显示出高低声部之间的模仿, 断奏要清楚。在33后半小节, 右手的旋律线条是 (A—B—#C—#D—E—#F) 第35小节在大调的上中音调 (E) 大调上副主题出现, 它具有明朗的浪漫色彩的旋律之感。色彩斑斓。速度跟以前一样, 不能延缓。第43小节, 主题在左手高音声部, 并以变奏的形成存在于右手高音声部的三连音进行中, 主、属功能每半小节交换一次。第50小节, 第一个主题的结束, 它加固了E大调的调性。左手的三连音的进行必须强调切分音的强拍效果。这个地方要用切分踏板, 主要是根据和声来换踏板。第54小节, 左右手的三连音一定要整齐、流畅, 它是倒影的进行, 每半小节交换一次主、属功能。在第56小节有一个减弱的记号 (decresc.) 第58小节从三连音变成了十六分音符, 十六分音符的进行的在现应当是高潮, 是喧嚣声。从第61小节开始音阶不能有任何重音。第62小节f f的出现, 左手的三和弦, 音乐变得越来越紧张, 左手的和弦应突出第一拍和第三拍子, 断奏干脆、有力。在第71小节, 要注意pp的微妙音响, 注意力度的控制。第76小节是朗诵音调的色彩, 音乐显得十分诚恳、宁静。接着是低八度的重复。在第82小节, 用完全终止结束, 并进行到阻碍终止。展开部, 首先主要主题在高声部上的动机被压缩了, 它描绘的生机勃勃, 旺盛的情绪带来了一种庄严紧张的色彩, 调性变化频繁。第98小节是贝多芬展开部的显著特征之一。左手的十六分音符弹奏的要非常连贯, 以带动右手短音阶的急促呼应进行, 连断的弹法要做到。113小节中展开了副主题的第二部分, 它是一种延伸发展, 取用副主题的乐句作为素材, 用波浪音的三连音写成, 要充分注意乐句上的表情以及以切分踏板的用法。在198小节中, 副主题在A大调上出现, 是变奏的重复乐段。在254小节中p和f要做出十分鲜明的对比。265小节左手的是主要的声部, 右手的音阶的摸进段落要注意均匀、清楚。272小节一定要设计好合理、准确的、顺畅的指法。284小节副主题临结束临结束再一次出现了, 它是歌唱性的, 在低音中, 犹如一种沉思的回忆。这是由于心灵与大自然和平生活的融合而产生的平静, 热忱的欢乐, 速度上不必放慢。295小节 (a tempo) 又安静地回到主题, 并且要增加力度, 速度不能改变, 最后在强音的短促和弦中乐章结束。
这是一部划时代的作品, 这首曲子是经典的钢琴佳作。
参考文献
[1]郑兴三贝多芬钢琴奏鸣曲研究[M]厦门大学出版社2003.11
[2]周薇西方钢琴艺术史[M]上海音乐出版社2003.1
[3]朱廷丽西方钢琴艺术教程[J]吉林大学出版社2010.3
